Jaime Rosales regresa tras "Girasoles silvestres" con una historia adolescente sobre los primeros amores y los lugares que nos ven crecer. En base a esto, el director conforma un relato marcado por la nostalgia y el desconcierto como centro de la juventud, pero sin caer en el pesimismo ni en la pesadumbre.

Para ello, se entrega a un ejercicio estilístico que tantea con los cambios de encuadre, la transición de color a blanco y negro, y la inclusión de fotografías en el montaje como intentos de eternizar el presente fugaz. Asimismo, el cineasta opta por un importante dispositivo de metaficción que evoca al poder del cine para reflejar nuestras propias vidas.

Así pues, en Morlaix los diálogos se revisten de un toque existencialista para enfatizar la reflexión, en varias escenas, de grandes temas como el amor, la muerte, la vida o el sentido de esta. Este enfoque busca hacer partícipe al espectador, pero al mismo tiempo le hace pecar de cierta superficialidad, caer en lo estereotípico y rehuir un argumento más profundo.

Aunque hay momentos que generan cierto desconcierto, cuanto menos, al final el film es una propuesta algo más experimental que anteriores obras de Rosales, pero mantiene el humanismo y el tacto por sus protagonistas. Estos se ven reforzados por las vívidas interpretaciones del joven grupo de amigos y, en especial, de Aminthe Audiard y Samuel Kircher. Pero, por encima de todo, sobresale el énfasis en el cine como espacio para cavilar sobre los grandes temas de la vida y su poder para guiarnos en la búsqueda de nuestro camino.

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El emocionante universo de historias creadas por R. J. Palacios, de quien previamente se adaptó la tierna Wonder, vuelve a cobrar vida con uno de los personajes anteriormente presentados: Julian, el bully de Auggie Pullman. Para ello, toma las riendas del proyecto Marc Forster, director de otras obras con un gran corazón como Christopher Robin o El peor vecino del mundo.

Alas blancas adapta la novela gráfica de la escritora estadounidense. En ella, se mantiene un relato fundamentado en los flashbacks y en la voz en off de la abuela de Julian –una entrañable Helen Mirren en la versión original–. Esta nos traslada a un pasado oscuro, pero deviene una narradora luminosa que encuentra el lado bueno de las cosas. Así pues, una vez el inicio de película de instituto da paso a un argumento clásico ambientado en la Francia invadida por los nazis, el largometraje logra mantener un buen ritmo y acompañar al espectador con soltura. Pese a algún estereotipo y no plantear nada nuevo, su accesibilidad para pequeños y mayores y ese cariño puesto en la realización redondean el resultado.

Puede que por momentos esté sobreexplotada y que el final resulte un tanto edulcorado, pero se adapta a ese carácter esperanzador de una obra que cree en la capacidad de las personas de cambiar a mejor, la posibilidad de que la bondad impere sobre todo y la certeza de que los pequeños gestos pueden suponer importantes puntos de inflexión. Con todo, Alas blancas es una dulce propuesta para discutir en el aula o en familia desde temas como el bullying, pasando por una educación en valores, hasta abordar sucesos históricos como la Segunda Guerra Mundial.

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Levan Akin es un realizador sueco de origen georgiano que en los últimos años se ha convertido en un referente del cine activista en defensa de los derechos de las personas homosexuales y transexuales. Su película anterior Solo nos queda bailar fue muy premiada y aclamada por declaración de intenciones.

En Crossing continúa con su activismo queer a través de una historia en la que una profesora jubilada busca a su sobrina trans, a la que su padre echó de casa por su condición sexual y desapareció. La película, sin embargo, se convierte en un interesante documento sobre una parte del mundo desconocida y alejada de las noticias y de las pantallas. Un barrio empobrecido y atrasado de una pequeña ciudad de Georgia y la zona menos favorecida y turística de Estambul. Allí convive una multitud de diferentes generaciones que se debaten entre rígidas tradiciones sociales y culturales ancladas en el pasado y los impactos que los medios de comunicación e internet provocan con los modos de vida occidentales. Esa muchedumbre que se apelmaza en los autobuses, en las calles o en los bares, interactúa, para bien o para mal, en su búsqueda de un ideal: sea una reconciliación familiar o un simple trabajo con el que poder, al menos, malvivir y fumar.

Este paisaje humano se visita gracias al otro gran acierto de Akin: la simbiótica relación de la pareja protagonista. Dos generaciones, con intereses y bagajes distintos, que se desesperan y enriquecen mutua e indistintamente. Un primer e indispensable paso para lograr la ansiada comprensión y tolerancia de la que pretende hacer gala el director. Una muestra del poder del respeto y del cariño mas eficaz que las dramáticas escenas de las colmenas en las que se margina a las personas trans.

El film puede resultar lento en algunos momentos debido a que el guion se esmera en la representación de los ambientes para que podamos conocer de primera mano la realidad de la marginación, la pobreza y las indignas condiciones de vida de las personas trans. Esto ralentiza y hace que el tercer protagonista, la abogada Evrim, tarde en aparecer y entrar en el juego. Sin embargo, parece un mal menor siempre que podamos seguir las andanzas de la profesora Lia y su fiel escudero Achi.

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"Los buenos profesores" es un retrato realista de la profesión y no una historia mesiánica en un colegio, como hemos visto otras veces en la gran pantalla. Ya desde el inicio, la cámara sumerge al espectador en el bullicio del instituto, el microuniverso en el que se desarrolla la trama, con todos sus conflictos y, a la vez, sus alegrías.

Es, por tanto, un relato agridulce, con protagonistas humanos que tienen problemas dentro y fuera del trabajo. En ese reducto, "Thomas Lilti" crea un grupo cohesionado, del que destaca el apoyo mutuo, la amistad y el buen hacer. Gracias a eso, la audiencia se encariña de todos ellos. Quizá por esta razón, se nota más la falta de desarrollo de los personajes, pues el público queda con ganas de saber más de ellos.

El film, aunque desigual, es divertido, conmovedor y cuenta con muy buenas actuaciones. Es, en definitiva, un homenaje a los educadores comprometidos, que se replantean el funcionamiento del sistema, para buscar lo mejor para los estudiantes.

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Stéphanie Di Giusto presenta su segundo largometraje: una obra desigual y desabrida. "Rosalie" destaca por su buena ambientación, construida desde la escenografía rural hasta la fotografía apagada. Eso facilita al espectador entrar en el universo de la protagonista y de ese matrimonio concertado que, poco a poco, se va aceptando y encontrando un amor sincero. Sin embargo, el guion cae en lugares comunes y la realización sucumbe a subrayados evidentes. Eso le hace perder brillo al conjunto.

La película ahonda en la importancia de relaciones sanas como forma de sobreponerse a la soledad e, incluso, sugiere reflexiones en torno a los ideales de una figura materna. No obstante, la condición barbuda de la protagonista hace que "Rosalie" sea sobre todo una historia que reflexiona sobre los prejuicios hacia otros y lo dañinos que pueden llegar a ser. Asimismo, se plantea un escenario para detenernos a pensar en ese morbo social que hace de cualquier desgracia o cualquier diferencia, un espectáculo pasajero. Todo ello es, quizás, lo más valioso que queda del film.

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