La película ucraniana de Miroslav Slaboshpitsky está realizada completamente en lenguaje de signos. Durante algo más de dos horas, no escuchamos una sola palabra (tampoco se hace uso de subtítulos) pero no es necesario en absoluto. Porque el lenguaje que se desarrolla en la película es universal. La comunicación no verbal es más poderosa y sincera que cualquier otro lenguaje, solo con gestos y movimientos somos capaces de conocer y comprender el interior de los personajes y las relaciones que existen entre ellos.

Slaboshpitsky nos muestra la entrada de un adolescente a un internado controlado por una mafia, viéndose obligado a participar en los diferentes actos delictivos a los que estos se dedican (prostitución, venta de drogas…). Con el tiempo el joven se enamora de una de las chicas del líder, lo que le lleva a rebelarse contra la organización.

Una reflexión sobre el silencio —ausente de palabras, pero cargado de bullicio—, obligando al espectador a permanecer atento a todos los sonidos que enriquecen la trama, y siendo conscientes que los personajes no pueden percibir estos sonidos. Una obra cargada de suspense por la información que conoces y el personaje desconoce, al igual que la intriga por la información que desconoces pero el personaje conoce.

Alejandro García
@notodoesusa
http://www.cinemaldito.com/lo-mejor-de-2016-por-alejandro-garcia/

En la sección política de Atlantida Film Fest encontramos la última obra del austríaco Daniel Hoesl "Winwin". Una obra que mediante la sátira busca mostrar la cara más cruda del capitalismo, donde el verdadero poder no reside en los parlamentos sino en el dinero. Cuatro personajes que muestran la verdadera cara del mundo en que hemos estado viviendo. Una obra fría, como la realidad que busca plasmar. En Filmin también se pueden disfrutar otras de las obras de este director como "Soldate Jannette", el inicio de ese viaje que continua con "Winwin" destripar los males de la sociedad, rescatar el cine político de los 70. "Winwin" es una obra nacida de las entrañas de la crisis, en el frío contexto que asola a Europa, la desesperanza de la sociedad ante un mundo que resulta incomprensible.

La película inicia con la bajada desde lo más alto, de esta especie de semidioses que proclaman la adoración al dinero. Hoesl consigue crear una obra cargada de artificio, como el mejor de las sociedades actuales. Tomando como referencia el cine político de Jean- Luc Godard con obras como "La Chinoise" o aquellas obras que realizo con el Groupe Dziga Vertov, donde a través de la sátira intentaban llevar al público los debates dentro de la sociedad. Un cine que busca la provocación tanto en su contenido marcadamente político, como en su forma. Un cine basado en la provocación que busca es el ofrece "Winwin" un continuo enfrentamiento con el espectador, que puede gustarte o no pero que sin duda no dejara indiferente.

Sin duda una obra muy personal, muy cuidada a nivel estético y que consigue generar un clímax muy apropiado. Pero por momentos resulta demasiado excéntrica, la falta de desarrollo narrativo y la artificialidad de la escena provoca que por momentos pueda generar rechazo. Una obra muy interesante aunque quizás se note por momentos forzados, sin llegar al nivel de viveza de obras como "La Chinoise" por momentos parece excesivamente forzada. Puede ser que todo esto sea intencionado, citando a Karl Marx "La historia se repite dos veces, la primera como tragedia, la segunda como farsa.". Posiblemente nos encontramos actualmente en este periodo de farsa, de esa historia que ya hemos vivido.

Alejandro García - Criticas8mm - http://www.criticasen8mm.com/2016/07/atlantida-film-fest-2016-winwin.html
@NoTodoEsUSA

Si tenemos que hablar del “cine de lo real” en esta edición de DocumentaMadrid, debemos de hablar de Les Sauteurs un largometraje realizado por Moritz Siebert, Estephan Wagner y Abou Bakar Sidibe. Cuando Siebert y Wagner contactan con Abou, un joven de Mali que lleva 15 meses viviendo en una montaña cercana de Melilla intentando saltar la valla, le dan una cámara para que deje constancia de todo lo que sucede en sus vidas mientras intentan llegar a Europa. Durante un año Abou graba su forma de vida, los intentos de saltar la valla, los partidos de fútbol, las huídas de la policía marroquí y sus reflexiones más íntimas. Cada tres meses los directores daneses visitaban a Abou para recoger las tarjetas, pero sin tocar la cámara en ningún momento. La cámara nos muestra una realidad, que puede parecer que conocemos por las continuas imágenes de los informativos, pero Les Sauteurs nos muestra una realidad completamente desconocida, nos lleva a presenciar en primera persona las dificultades a las que hacen frente estos jóvenes por tener la posibilidad de un futuro mejor.

Una obra muy emotiva por la fuerza que desprenden los personajes, dispuestos a todo para conseguir alcanzar su sueño. Han pasado un infierno para llegar allí y aún les queda lo peor, muchos quizás nunca lleguen a cruzar la valla, pero todos tienen algo muy claro, no pueden volver de vuelta a su país, tienen que conseguir ser los próximos europeos. Aunque son conscientes de que la situación en Europa no es el paraíso y que la vida allí continuará siendo dura, necesitan auto-convencerse de que al saltar la valla se encuentra el dorado. Si no fuera por esta idea, sería imposible aguantar las condiciones tan duras a las que se enfrentan. Abou se encuentra enamorado de Melilla, es su amor platónico, la esperanza de un futuro donde pueda vivir con dignidad, escapar de la guerra y el hambre. Cada vez que mira en dirección a Melilla, ve su futuro ante sus ojos. Un amor difícil por el que está dispuesto a entregar la vida.

Observamos como la cámara de Abou evoluciona, deja de guiarse por instintos para dejar constancia, de su mirada de cineasta. La experiencia con la cámara, le ha enseñado a expresarse a través de la creación imágenes, a mirar de una forma distinta la realidad. Mediante una voz en off, el personaje reflexiona sobre lo que graba. Con un sentido poético, plasma sus ideas y sentimientos, que de la mano de las imágenes dan fruto un largometraje realizado en el infierno, pero de una increíble belleza. Abou tiene la necesidad de registrar sus vivencias en las montañas de Marruecos y nos regala un fiel testimonio cargado de naturalidad, humor y sentimientos.

La película nos muestra la dureza de la vida en las montañas de Gurugú, donde no solo se enfrentan a las duras condiciones de intentar saltar la valla enfrentándose a la Guardia Civil de España, sino que se enfrentan también a la policía marroquí que cada vez que puede, quema sus campamentos, dejándolos sin comida y sin mantas. De cada intento de saltar la valla vuelven con heridas y con compañeros muertos. Solo el sueño de alcanzar Europa les da fuerzas para aguantar todo ese sufrimiento. Organizados por países dentro del monte Gurugú, trazan las estrategias para conseguir burlar la vigilancia de la policía española que controlado todo con sus cámaras de visión nocturna. Entre ellos, hablan de cómo será la vida en Europa, de lo que harán cuando lleguen. No entienden por qué a los refugiados de Siria les dejan pasar, pero a ellos les devuelven haciéndoles pasar este infierno. Durante décadas Europa, explotó sus países y cuando piden refugio se lo niegan. Les quitaron todo, para después ser excluidos.

Ha sido muy interesante poder ver dos obras como Les Sauteurs y Tarajal: desmontando la impunidad en la frontera sur (que reseñamos anteriormente) en el DocumentaMadrid 2016. Ambos documentales en conjunto se combinan a la perfección, mostrándonos una visión más amplia y que nos lleva a ver la realidad de lo que sucede en la frontera. Personalmente, y por el momento, la historia de Abou ha sido la mejor de esta nueva edición del festival. Capaz de sumergirte en su realidad, de la forma más natural posible. Un largometraje que compite en la sección oficial y que por el momento tiene muchas posibilidades de obtener el premio del público, aunque todavía quedan muchas obras por ser proyectadas y tendremos que esperar al final para confirmarlo.

Alejandro García - http://www.cinemaldito.com/les-sauteurs-moritz-siebert-estephan-wagner-abou-bakar-sidibe/ - @NoTodoEsUSA

Palestina es el terror del cine de los 70 hecho realidad. Escribir sobre ella trae consigo, irremediablemente, miles de imágenes horribles. Tantas veces hemos visto la muerte golpear a los palestinos, que en el imaginario colectivo esto se ha llegado a normalizar. Como si realmente toda esa sangre y destrucción fuera parte de una película de ficción… «Acostumbro a decir que simpatizar con una vaca es más fácil que simpatizar con los palestinos. Quizás ellas pueden decirte cómo se siente uno viviendo bajo la ocupación». Así ironizaba Amer Shomali en la presentación de su último largometraje documental The Wanted 18 que ha recibido el premio en la Selección del Festival de Cine de Abu Dhabi al mejor documental en el mundo árabe en 2014. En España se proyecto por primera vez en Diciembre de 2015 gracias a la Muestra de Cine Palestino realizada por la Filmoteca de Madrid.

El documental denuncia la situación que se vivió —y se vive— en Palestina contada desde la perspectiva de un grupo de vacas. Hace uso del Stop Motion (técnica de animación) para dar vida a 18 vacas que fueron compradas en un acto de resistencia por parte del pueblo palestino. La producción de leche se convirtió en un problema para Israel, al no controlarla por completo y así evitar cualquier atisbo de independencia. A finales de 1980, durante la primera intifada, el pueblo de Beit Sahour decide comenzar a producir su propia leche y no tener que seguir dependiendo de los productos israelís. El hecho de que los palestinos comenzaran a ser auto-suficientes volvió loco al ejercito de Israel, llegando a declarar que «las vacas eran un peligro para la seguridad de Israel».

Una interesante combinación de animación, entrevistas e imágenes de archivo van dando forma a un documento histórico, que recuerda al espectador que detrás de esa historia animada hay una cruda realidad, personas de carne y hueso que se enfrentan día a día a la ocupación. El uso del Stop Motion permite reflejar, de un forma magistral, hasta qué punto llega la enajenación del gobierno ante la digna resistencia de un pueblo que no se deja someter. Cuando el gobernador militar israelí está convencido que se han desecho de las vacas como ordenaron, encuentran una pintada en la pared que grita «¡Boicot a los productos israelíes!». La animación refleja los sentimientos de furia del gobernador al aparecer en escena un rastro de estiércol e imaginar a una vaca burlándose de él. Esto le hace perder el control y moviliza a todo el ejercito en busca del ganado. Una forma de mostrar hasta que punto puede llegar el absurdo del gobernador en su afán por someter y tener controlado al pueblo.

«Encuentro que las películas de hoy en día son cada vez más planas, más banales y al espectador le tratan como si fuera tonto y con esta película intento protestar contra eso. Quiero que me tomen en serio como espectador y cuando hago una película intento pensar en mi espectador como una persona inteligente, no tonto, eso es todo»

Michael Haneke

La eterna contradicción entre la industria y el arte donde el desarrollo de una termina con la otra…No me entendáis mal, es posible la creación del arte dentro de la industria, pero este hecho no quita que la esencia de ambos aspectos sea contradictorio entre si y que el desarrollo de uno termine por suprimir poco a poco al otro. La televisión es el lugar idóneo para ilustrar esto, productos sin ningún valor artístico que repiten una y otra vez los mismos formatos e historias porque generan ganancias. En la televisión el espectador es un sujeto completamente pasivo, no se espera nada de el, no se busca generar pensamientos ni reflexiones simplemente mantenerlo en una estado de embriaguez mientras observa la pantalla. Un medio donde la única intención es hacer que el espectador asuma un mensaje (publicitario, propagandístico o informativo) sin que éste lo cuestione por ningún momento, sin generar un ejercicio mental. Como decía antes, pueden existir excepciones pero terminan por ser arrastradas y aisladas por la tendencia general del medio. Vivimos en un mundo donde el dinero controla todo y se apodera de ello, pero en el cine aún existe una resistencia —artistas que se niegan a que la industria encierre su creatividad—.

Norberto López ha realizado su tercer largometraje La decisión de Julia. La protagonista interpretada por Marta Belaustegui acude a un hotel de Madrid con una pequeña maleta cargada de recuerdos donde tendrá que tomar una difícil decisión. Julia se enfrenta a los recuerdos de su vida, la utilización del fuera de campo consigue reflejar la vida de la protagonista sin salir de las cuatro paredes de la habitación. La fotografía en blanco y negro genera una atmósfera dramática que es acompañada por la lluvia golpeando los cristales de la habitación. Toda la película tiene un estilo teatral en sus interpretaciones y en la puesta en escena, lo que ayuda a potenciar la atmósfera dramática. La estructura narrativa se conforma por la sucesión de recuerdos de la protagonista, nos adentramos en su pasado a través de sus recuerdos subjetivos.

La película esta tratada con cierto lirismo buscando una belleza estética que en ocasiones resulta estar vacía de contenido. En el cine la forma y el contenido son parte de un mismo cuerpo y estos deben relacionarse en consonancia el uno con el otro. El director parece centrarse en generar una gran belleza estética sin respaldar esta en el contenido. Recursos utilizados infinidad de veces antes y que no parecen tener una relación directa con el contenido de la obra, dando la impresión, por momentos, de ser un mero capricho del director. Que intenta simplemente crear una estética concreta, que termina cansando al espectador al no aportar nada nuevo a la narración. La utilización de recursos necesitados de significación que chocan con un contenido en ciertos momentos plano y previsible. Este es el mayor error de la obra intentar aparentar algo terminando por ser un perfume que se va desvaneciendo a medida que avanza.

Pero el mayor problema de la obra es tomar al espectador por un ser incapaz de razonar. Dando mascada toda la información de la película, recalcando una y otra vez cada momento a través de la música hasta terminar resultando agotador. El espectador no necesita que expliques cada giro, cada cambio, cada información nueva como si no fuera capaz de percibirlo por si mismo. Aquí se encuentra la raíz del problema el querer maquillar de innovadora una obra con un contenido televisivo, que no aporta nada nuevo. La obra podría haber desarrollado una buena historia, pero termina por convertirse en producto fallido, sin ninguna solidez y cargada de estereotipos, que comienza a derrumbarse cuando intentas profundizar en ella. Una obra comercial que aparenta ser independiente, buscaba el camino intermedio, pero termina perdiéndose en medio del descampado.

Alejandro García
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