La película comienza en una habitación a oscuras. Allí, varios asistentes a la boda de Connie Corleone acuden a que el padrino les otorgue un pequeño favor, algo a lo que éste no puede negarse el día de la boda de su hija. Sus hijos, todos menos Connie y Michael, observan en silencio como su Don Vito Corleone reparte magnanimidad a cambio de que, en cuanto él lo considere oportuno, ese favor le sea devuelto.

Luego entra en escena Michael, el hijo menor que reniega del negocio de su padre; un muchacho idealista y honrado que pretende distanciarse de los asuntos de la familia. "Yo no soy como ellos, Kay", le asevera a su novia.
Pero el devenir de los acontecimientos empujarán a Michael a un destino que quizá le estaba impuesto de antemano y no lo abandonará hasta dos secuelas más tarde.

"El padrino" es la obra cumbre de Francis Ford Coppola, basada en el libro homónimo de Mario Puzo. Ambos, film y libro, nos brindan una imagen de la maffia como no había sido vista hasta el momento. Los asesinos anárquicos y crueles del crimen organizado eran presentados como hombres de negocios, seres racionales y sentimentales, para los cuales el asesinato solo formaba parte de los negocios.
En mi opinión, "El padrino" no debe entenderse como un policial ni como una película de acción, sino como un drama en toda regla, una tragedia familiar en la cual uno logra empatizar con esos seres para los cuales la defensa y el honor de la familia justifican cualquier acto.

Así, cuando Michael recibe la noticia de que su padre ha sido herido de muerte, no duda en ponerse a su disposición. La defensa de la familia, de los valores tradiciones, son consecuencia también de que el padrino rechace la oferta de financiar el negocio de las drogas porque no son populares, como el juego y el alcohol, lo que provoca el atentado que hará peligrar su vida.

Viendo "El Padrino" uno puede pensar que estos actores estaban predestinados para realizar su papel. Marlon Brando sencillamente marcó escuela. Al Pacino, por el que nadie daba un duro en aquellas épocas, compuso unos de los personajes más complejos y emblemáticos de la historia del cine. Mención aparte merece James Caan como el hermano mayor, el principal heredero de los negocios familiares, violento y tempestuoso, que no duda en otorgar una soberana paliza a su cuñado, Carlo, por maltratar a su hermana. El papel de Sonny es uno de mis favoritos; le roba el protagonismo a Michael durante media película.
También destacar Robert Duvall como el consiglieri, a Diane Keaton (como la esposa de Michael), Talia Shire (Connnie, quien obtendría más protagonismo en la segunda y tercera parte), john Cazale (Freddo) y demás. Todos en la película están soberbios.

En definitiva, un ya clásico del cine moderno que mezcla un ritmo pausado con escenas de violencia, cuyos personajes son tan adorables como peligrosos, temperamentales y fríos. Intimo y espectacular.

Léolo es un niño singular dentro de su familia. Vive en un barrio de inmigrantes de los suburbios canadienses, bastante pobre y deprimido. Él es el único que escribe en su casa, y sólo posee un libro que pueda leer. Su padre vive obsesionado con que la defecación es sinónimo de salud, su hermano sólo piensa en compensar con músculos lo que le falta en el cerebro, una de sus hermanas se encuentra en un hospital psiquiátrico y la otra es la guardiana de su harén de insectos, en tanto que su madre le profesa un amor incondicional. Por supuesto no hay que olvidar a su abuelo, quién intento matarlo de pequeño...

En este ambiente de ignorancia y miseria, no excento de amor, Léolo plasma sus pensamientos en hojas que luego serán recogidas por su amigo, un viejo vagabundo que se dedica a buscar en la basura restos de cartas y fotos. Así, todo lo que sabemos de este niño es a partir de estos escritos, en una voz en off que abarca toda la película. Y a partir de ellos deducimos que este chico no solo es el mas inteligente en su familia, sino que piensa como un adulto, aunque con las inquietudes típicas de la pubertad: vive locamente enamorado de su vecina y descubre la masturbación. Para escapar de este entrono poco saludable, todas las noches sueña que se encuentra con Bianca en el fondo de su armario...

"Léolo" es una obra realmente fascinante: mezcla lo desagradable con lo onírico, y el resultado es poesía en estado puro. El relato, que ya de por si podría resultar cansino, no decae en absoluto, y lo desagradable se digiere a base de imágenes inquietantes pero bellas en su fondo. Además se agradece la imagen de un niño alejada de los tópicos habituales: sus pensamientos y sus actos rayan la locura.

La música ayuda a completar el ambiente poético del film. Desde la intrigante melodía que recorre toda la película, pasando por la música étnica de distintas partes del mundo, hasta llegar a los clásicos imperecederos del rock: Tom Waits y Los Rolling Stones (la canción "You can´t always get wath you want" es uno de los momentos mas brillantes del film). Gran actuación del niño protagonista, y de todo el reparto en general. Un hermoso cuento oscuro.

Adela es una chica joven que se traslada con su pequeño hijo a Madrid, hasta que ocurre un hecho que le cambiará la vida. Antonia es una mujer mayor que regentea un pequeño supermercado y tiene que lidiar con sus tres hijas. Poco mas hay para aportar sobre el argumento de la película.

En el año 2007 "La soledad" se llevó los premios Goya más importantes, incluyendo el de mejor película. La misma había durado poco tiempo en cartelera debido a la escasez de público. Como es habitual en estos casos, después de los premios fue repuesta y la cantidad de gente que fue a verla fue mucho mayor. Imagino la decepción que habrán sufrido al ver que la mejor película española era semejante tostón. Bueno, supongo que habrá sido un año muy flojo. O eso, o que los genios de la Academia de cine consideran que hay que ser muy tonto como para no apreciar semejante "obra de arte".

Me gusta el cine europeo en general y el cine español en particular. Y que quede claro: no creo que la principal función del Cine sea entretener. Además de entretener, el cine puede hacer reflexionar o emocionar. "La soledad" no consigue nada de esto. Más bien parece un experimento creado por un director pretencioso que se propone afirmar: "esto es arte; si no lo entendéis, no entendéis nada". Por supuesto, la honorable Academia dijo: "nosotros entendemos".

El experimento se reduce a una supuesta exposición de la cotidianeidad, una serie de discusiones banales, típicas de clase media, la imagen dividida en dos (un recurso nada nuevo, por cierto; pero no os preocupéis, en ninguna de las dos imágenes pasa nada interesante), y unas escenas alargadas a más no poder en las cuales se nos presentan objetos inanimados para que podamos ser capaces de admirarlos. El resultado: un sopor inexplicable que dura hasta la mitad de la película. Justo en ese momento ocurre un hecho que te despierta (hecho que por cierto cuestiona la supuesta cotidianeidad que pretende exponer la película). Luego vuelve el sopor hasta el final.

Habría que avisar a la Academia que el premiar a una película como la mejor del año del cine español, cuando ésta está dirigida solo a "entendidos" no ayuda a que la gente se reconcilie con esta industria en horas bajas; el cine español ha demostrado que puede ser bueno sin necesidad de ser pedante. Para colmo, con un título tan pretencioso que no consigue reflejarse en la película (supongo que será el estado de las salas de cine a los 20 minutos de película).

Sinceramente, lamento el tono de esta crítica, pero es que "La soledad" ni emociona, ni hace reflexionar, ni entretiene. Solo indigna.

Kevin Spacey (Lester Burnham) ha llegado a un punto de inflexión en su vida: tiene un trabajo mediocre, una esposa para la cual casi no existe y una hija adolescente que no le hace ni caso. Pero la gota que colmará el vaso se dará cuando le presentan a la amiga de su hija, Mena Suvari. A partir de aquí el protagonista sentirá que la sangre vuelve a recorrer su cuerpo y que aún le quedan cosas por hacer en este mundo.

La ópera prima de Sam Mendes es sin duda su mejor obra. En sus películas siguientes, el director mantendrá alto su prestigio pero ninguna de ellas gozará de la calidad de "American Beauty". La historia de este hombre de 40 y tantos años, cuyo mejor momento del día es cuando se masturba en la bañera, que de repente un día descubre que vuelve a sentirse apasionado por algo o alguien, desprende melancolía por todos sus lados. De un momento a otro, este hombre descubre que todo lo que ha hecho hasta ahora, todo lo que ha conseguido, no le llena en absoluto. Entonces decide tirarlo todo por la borda y darse una nueva oportunidad. Deja el trabajo por otro de inferior categoría y menos horas, pasa de su mujer y de su hija, comienza a hacer ejercicio y vuelve a fumar hierba.

Hacía tiempo que Hollywood no sorprendía con una comedia dramática tan ácida como ésta. El excelente trabajo de la pareja protagonista Spacey-Bening es insuperable: el odio que se profesan no impide ver el amor que en algún momento hubo entre ambos; se quieren pero no se soportan. Lo mismo ocurre entre ambos progenitores y su hija. A su vez, la relación entre los tres adolescentes está muy bien desarrollada.

American Beauty es la típica película en la cual las cosas no son lo que parecen ser: la madre segura de sí misma, la niña pija experimentada sexualmente, el chico friky psicópata, el padre de éste que es un tipo duro e incluso el sumiso Lester, son personajes que poco a poco irán dejando atrás sus estereotipadas máscaras para descubrirse tal cual son.

Mención aparte merece la banda sonora, tanto la original (totalmente recomendable) como las canciones que remiten a viejas glorias, destancándose a mi juicio la canción de Annie Lennox, cuya escena comentaré en el spoiler.

Película totalmente recomendable, de un aura melancólica, un canto hacia el molesto contraste entre lo que podríamos haber sido, lo que soñábamos para nuestro futuro y en lo que nos hemos convertido finalmente. Pero aún así, apología de que nunca es tarde para volver a tomar las riendas de nuestras vidas, a pesar de lo que hayamos perdido.

Una obra de arte.

El ex boina verde John Rambo recorre Nortemérica en busca de antiguos compañeros de Vietnam. Probablemente, ellos sean los únicos que entiendan su situación y su falta de inadaptación a la nueva realidad. En su última visita, se entera que uno de ellos ha muerto a causa de un cáncer por alguna substancia producto de la guerra.

Así, desanimado, Rambo sigue su camino hasta que es abordado por el sheriff de un pueblo que le "invita" a abandonar el lugar. El pueblo es tranquilo, dice el sheriff, y no quieren problemas. Cuando lo deja en las afueras, el patrullero da la vuelta y puede ver por el espejo retrovisor que ese joven con aspecto de vagabundo vuelve sobre sus pasos. Entonces decide detenerle.

Una vez en comisaría, Rambo pasa los trámites de rutina, negándose a hablar. Un policía veterano se ensaña con él ante lo que el ex combatiente permanece impasible. Sólo cuando intenten afeitarle y Rambo recuerde las torturas sufridas en la guerra, reacciona y escapa internándose en las montañas. Se organizará una búsqueda para cazarle, y al intentarlo, Rambo desatará un verdadero infierno.

El nombre original de "Rambo" es "First Blood". El apellido del protagonista rebautizó la película una vez que este se hubo convertido en mito popular y en una serie de secuelas que distan bastante del original. El film que nos ocupa, es una aventura de supervivencia cargada de acción donde un hombre explota como consecuencia de su falta de adaptación a los tiempos de paz. Es un animal salvaje en un sitio domesticado.

"Rambo" puede ser entendida, muy a su pesar, como una crítica a la guerra. Cuando un soldado que carga armas que valen miles de dólares no encuentra trabajo ni lavando coches, entonces algo falla. Esa arma de guerra puede volverse en contra tuyo. Esa es una lectura, pero en definitiva, la película busca engrandecer la vida militar. Perdido Vietnam, alguna guerra había que ganar, aunque sea en el cine.Y Rambo se convirtió en un heroe que daría incluso para una serie animada para niños.

Sylvester Stallone encarna a este soldado que reivindica más reconocimiento por parte de sus compatriotas. Y realmente es un papel a su medida. Como crítica a la guerra, no tiene la sutilidad de "Taxi driver", pero tampoco la busca. "Rambo" es una película de acción bastante dinámica y entretenida. En 1982, se encargó de que la herida de Vietnam siguiera abierta. Y propició una serie de malas imitaciones y secuelas muy inferiores, tanto en su guión como en su mensaje.