Con la llegada de septiembre se marca la vuelta a las aulas de muchos jóvenes, pero también de sus profesores. En estas fechas da comienzo una “lucha” diaria entre el alumno que busca aprobar sin esforzarse demasiado y el profesor que busca captar su atención para poder enseñarles algo. La obra de Arthur Hiller Teachers realizada en 1984 busca reflejar el conflictos internos que se produce de la enseñanza básica desde un drama con tintes de humor. El film centra su atención en el profesorado alejándose un poco la cámara del estudiante, que suele copar el papel protagonista en este tipo de obras. Una película propia de su época, en cuanto a temática y recursos utilizados, perfecta para despertar a los nostálgicos de los años 80.

A pocos minutos del inicio ya se puede observar el caos que reina en la escuela: el constante tugurio, un alumno al que le han dado una puñalada y un enfrentamiento entre dos profesores por el uso de la máquina de copias. En este contexto aparece el conflicto principal de la película: la demanda por parte de un ex-alumno al colegio por haberse graduado sin saber leer, ni escribir. Un recorrido por las diferentes clases basta para mostrar las diferentes formas de “educar” que tiene cada profesor. Observamos cómo hay un profesor que pese a su buena voluntad no consigue captar la atención de los alumnos, por otro lado el profesor veterano que se dedica a dormir a la espera de su jubilación pero que a pesar de todo consigue mantener a la clase en silencio, también tenemos al protagonista un profesor que se implica con los alumnos, se preocupa por ellos y consigue ganarse su confianza y por último encontramos al nuevo “profesor de historia” que se ha escapa de un centro de salud mental y que sorprendentemente consigue captar la atención de los alumnos disfrazándose para representar el mismo los acontecimientos históricos. En la enseñanza a veces se tiende al individualismo, algo que a priori es difícil de comprender. El hecho de que cada profesor tenga formas distintas de dar sus clases, convierten la enseñanza en una carrera de obstáculos donde si tienes la mala suerte de toparte con una piedra te quedan dos opciones: consigues saltarla o abandonas.

Todos podremos ver reflejados momentos de nuestra etapa estudiantil en esta película, una parte profesorado en pasar los días sin muchas complicaciones que por conseguir enseñar a los jóvenes. Una mayoría de profesores sin vocación, mientras que los que realmente se preocupan por sus alumnos son tachados de idealistas, porque el trabajo de estos profesores pone en evidencia los errores del resto. Profesores que viven con el criterio de quitarse problemas de en medio da igual que aprueben o no, graduar alumnos teniendo el mínimo de problemas posibles «¿Que no sabe leer? ¿y a mí que mas me da? No es mi problema». Cada uno por su camino sin complicarse demasiado, así es posible que de cada 300 alumnos, 100 se queden en el camino por no encontrar un profesor que fuera capaz de captar su atención y sacar su verdadero talento. Finalmente la enseñanza es cosa de vocación, da igual que tengas un titulo o acabes de salir del psiquiátrico. Si sientes lo que cuentas, conseguirás transmitir pasión al resto.

Sayônara es posiblemente la palabra japonesa más común en nuestro país debido, sin duda, al doblaje de la película Terminator 2: Judgment Day donde se popularizó la frase «Sayonara, baby». Una palabra trágica que podríamos traducir como «hasta siempre». Sayônara es el título escogido por Kôji Fukada para dar nombre a una de sus últimas películas (su última película Harmonium fue premiada este año en Cannes). Un título acertado que consigue expandir el eco de esta palabra en mi cabeza, al recordar, los últimos minutos de esta obra. Este magnífico poema de ciencia ficción, realizado en Japón se estrenó en España en la Sección Oficial de la II edición de Filmadrid, donde recibió el premio a mejor película por parte del jurado de Días de Cine.

Una catástrofe nuclear a convertido a Japón en un lugar apocalíptico. La población intenta huir pero las largas listas de espera para ser evacuadas hacen prever que muchos no podrán salir jamás. En esta situación Fukada nos sumerge en el interior de una casa, aislada cerca de un bosque de bambú, donde viven las dos protagonistas: Tanya, una mujer de origen sudafricano y Leona, un androide en silla de ruedas. Sayônara es la primera película interpretada por un robot Geminoid F —creado por Hiroshi Ishiguro— aunque ya ha participado anteriormente en obras de teatro con el dramaturgo Oriza Hirata. En una de estas obras se inspiró Kôji Fukada para realizar la primera película donde un robot y un ser humano actúan juntos para hacer de una catástrofe futurista una increíble oda a la amistad.

Fukada construye sin la necesidad de artificios un futuro donde la radiactividad ha destruido todo, los últimos latidos de una humanidad que se encamina hacía su posible destrucción. Influenciado por Andrei Tarkovsky consigue crear un mundo ficcional desde el interior de los personajes, de una forma sutil, traslada al espectador a ese futuro donde la existencia de Leona no es un acontecimiento novedoso, más bien una pieza del pasado, un androide desfasado que no es capaz de caminar. Sin necesidad de mostrar cómo explotan las bombas sobre Japón o ciudades destruidas, acierta al generar en el imaginario del espectador una realidad aún más impactante, un futuro que consigue helarte los huesos, desde el cálido salón de la casa, contemplando desde la ventana, un mundo exterior en apariencia apacible.

El clímax de angustia en el que se establece la relación de los personajes, distorsiona la mirada del espectador. Cuando salen al exterior se percibe la metamorfosis que están sufriendo en su interior. Un homenaje a la obra Madre e hijo de Alexandr Sukurov donde las imágenes se deforman, mostrando el conflicto que se desenvuelven entre los personajes. Aislada de todo contacto humano, Tanya necesitada de la sociedad se enfría progresivamente, perdiendo parte de sus emociones para parecerse cada vez más al frío acero de un robot. Por otro lado, Leona es cada vez más humana, adquiriendo sentimientos y emociones enriquecidas por la poesía y el contacto humano. Una profunda reflexión sobre la esencia del ser humano, su relación con lo artificial y el valor de los sentimientos.

Una obra de gran belleza visual y narrativa que alcanza su momento más álgido en los últimos treinta minutos, con uno de los finales más emotivos que recuerdo. En un proceso lento donde contemplamos como la carne se convierte en piedra, mientras que el acero es dotado de vida. El humano desaparece pero el acero perdura: condenado a la vida eterna, está obligado a ser testigo del paso del tiempo y despedirse de aquellos que le acompañaron… Sayônara… La carne desaparece pero los sentimientos no se olvidan. Aunque la película se acabe, en mi interior siguen vivas las emociones que despertaron esos 112 minutos.

Sayônara.

Alejandro García
|@NoTodoEsUSA http://www.cinemaldito.com/sayonara-koji-fukada/

La Jetée es una obra de cine experimental realizada por Chris Marker en 1962. A través de la combinación de fotogramas fijos, que hacen referencia a instantes en la vida del personaje. Cuando era un niño el protagonista quedo marcado por una imagen que no puede recordar. La historia es narrada en tres temporalidades; pasado, presente y futuro. Después de la III Guerra Mundial el protagonista es hecho prisionero e invitado a participar en un experimento para viajar por el tiemp

Jose Luis Guerin en 1997 realiza su tercer largometraje: Tren de sombras. Guerin experimenta con la imagen construyendo una filmación doméstica, con la que, a través del montaje en una moviola, construye las historia del personaje. Gerard Fleury murió en extrañas circunstancias mientras grababa el paisaje en un lago, su última película familiar se encuentra deteriorada por el paso del tiempo, pero los recuerdos de la familia siguen vivos en la mansión de Le Thuit.

El director es reconocido por tener un estilo muy personal, no realiza obras por encargo. Está en contra del mercado cinematográfico que da poder a la productora por encima del artista. Su cine está cargado de experimentación y una búsqueda constante de nuevas formas de expresión. Un estilo estrictamente formal que busca exprimir al máximo la imagen, generando poesía visual alejada del cine convencional de entretenimiento. Guerin obliga al espectador pasivo a reflexionar.

Salomé Lamas viaja en busca del asentamiento más alto del mundo situado en Perú, La Rinconada, un lugar donde se realizan trabajos de minería ilegal. Bajo unas condiciones inhumanas, miles de personas trabajan para extraer el oro de la roca. Por otro lado nos acerca a los rituales y tradiciones de las personas que habitan el lugar. La película puede ser dividida en tres partes bien diferenciadas, una primera más observacional del terreno, observando desde la distancia el paisaje donde se asienta la población. Por otro lado una segunda parte que consta de un gran plano de una hora de duración donde una imagen hipnótica es combinada con extractos de conversaciones y noticiarios de la población de La Rinconada. Por último una tercera parte donde Salomé Lamas se acerca a la población, para escucharlos y conocer sus tradiciones y rituales, entremezclando ciertos momentos observacionales con otros donde se generan pequeñas ficciones.

Alejandro García
@notodoesusa
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