Primero debo decir que Crímenes en Familia es un buen producto cinematográfico filmado con gran solvencia técnica. La trama explora las enormes diferencias sociales traducidas en culturales y como éstas determinan el posible resultado de la acción penal ante la comisión de delitos, no excluyendo una sistémica corrupción del sistema judicial. El film empieza con un estilo de thriller, dos historias paralelas que involucran a la misma familia y que deben resolverse ante la justicia. Pero las historias las iremos conociendo en retazos, asistiendo a las actitudes y decisiones de un matrimonio maduro (Roth y Solá) envueltos en ambas. Es esa primera mitad y hasta un poco más lo más valioso de la película. Con un buen ritmo y un sólido guión, Schindel nos mete de lleno en las dos historias entrelazadas que conciernen temas como la violencia de género, la discriminación, el abuso infantil, el desamor matrimonial, la justicia burocrática y corrupta. Pero lo hace sin grandes estridencias, concentrándose en las historias individuales y dándole a personajes y actuaciones un tono realista bastante bien logrado. Lamentablemente una vez resuelto el enigma y habiendo reconstruido las historias, el film se alarga innecesariamente y se desplaza hacia un plano que podríamos llamar más psicológico o de "toma de conciencia" de la protagonista que lo debilita al hacerlo caer en una senda de corrección política y previsibilidad que poco aportan. Me sorprendió una actuación de Cecilia Roth algo rutinaria y por debajo de sus estándares. Excelente Solá en un rol en sordina muy bien logrado.

En pocos años se cumplirá medio siglo de este milagro del arte cinematográfico que regalara al mundo el gran Luchino Visconti. La he vuelto a ver (por cuarta o quinta vez) y me encuentro que nada de la belleza y poesía que me apabullara allá por los setenta (no la vi en estreno pues era pequeño en el 71) se ha perdido. Visconti hizo películas extraordinarias como El Gatopardo, Rocco y sus hermanos, Ludwig, Grupo de Familia y varias más, pero esta gema del arte brilla solitaria no solo en su obra sino en la historia del cine. Película única por su estilo y su construcción e irrepetible. Poco importa lo que en su momento fuera controvertido como la voluntad de Visconti de asociar el personaje con Gustav Mahler, y transformar el poeta de Thomas Mann en el compositor que vemos en pantalla. El entorno filosófico del relato de Mann se convierte en Visconti en apenas unas pinceladas recayendo la mirada sobre la persona del artista ya viejo que encontrará un amor imposible y que no puede permitir que aflore por el carácter inmoral del mismo. A pesar de ello, será ese sentimiento contradictorio y desgarrante por el que transitaremos de la mano de Visconti, el que le dará momentos ínfimos de una felicidad casi dolorosa en su ocaso final. Dirk Bogarde no necesitará casi texto alguno para componer uno de los personajes más ricos y antológicos de la historia del cine. Su personificación del envejecido artista cuyo mundo moral y estético es sacudido hasta sus raíces por la fascinación con el adolescente es conmovedora. Actuación monumental en un marco de reconstrucción de época (inicios del siglo 20) en el Lido y Venecia como nunca más se ha hecho. Cada escena es de una belleza plástica y un sentido poético superlativo. Muchas son verdaderos cuadros impresionistas (inspirados por Monet?) como las vistas de los amaneceres sobre el mar o las escenas en el balneario. Como pocas veces, la música (de Mahler) calza como un guante y enfatiza el sentido poético de estas dos horas maravillosas. Ya nunca más podremos separar los bellísimos acordes del adagietto de la quinta sinfonía de las imágenes no menos bellas de este film inmenso y maravilloso. Una de las mayores obras del séptimo arte

Vi esta película en el Festival de Mar del Plata de 2017, en el que obtendría el primer premio. Transitando un tono de comedia amable pero no superficial, Jacir nos conduce a través de un padre palestino cristiano residente en Nazareth y su hijo, exiliado en Italia, que vuelve por el casamiento de su hermana, a un paneo de una parte de la sociedad israelí no judía pero que vive bajo la preeminencia de un sistema político y socioeconómico que los hace ciudadanos de segunda. Pero lo bueno de Wajib es que evita el panfleto, se abstiene del discurso moralista y nos presenta en una serie de cuadros una muy rica galería de personajes humanos entrañables a través de los cuales podremos asomarnos a la riqueza cultural de una comunidad árabe que vive en Israel. El acento estará puesto en las relaciones humanas en ese contexto político y social, que será importante pero no el único que condicione la vida y deseos de los protagonistas. Actuaciones excelentes (en particular padre e hijo) nos sumergirán en una historia humana, si se quiere pequeña, que girará en su faceta más importante alrededor de los choques aparentemente irreconciliables entre un padre que se ha quedado en Israel a pesar de la opresión y que tolera y acepta la convivencia con la población judía, con quienes se lleva bien y un hijo que ha tomado una posición mucho más opositora pero que vive en Italia y que en muchas cosas reniega o ha olvidado muchas de las tradiciones de su pueblo. La directora ha logrado iluminarnos un conflicto de modo sutil, con humor y sin estridencias mayores. A veces se construye más con una crítica sutil que con una andanada de golpes bajos. Muy recomendable.

John Keats solo vivió 25 años. En vida, salvo por unos pocos, fue considerado como mucho un poeta de poca monta. Solo muchas décadas después de fallecido su obra fue revalorizada y es hoy considerado uno de los mayores poetas de habla inglesa, y quintaesencia del Romanticismo. La vida a principios del siglo XIX era extraordinariamente precaria, aún para aquellos un poco más acomodados. La breve vida de Keats transcurrió en las dos primeras décadas del siglo 19, mayormente. Inglaterra estaba camino a convertirse en la mayor potencia mundial pero arrastraba una sociedad de una desigualdad enorme, violenta, llena de miseria y dolor.

En el medio de esas calamidades sociales floreció, en casi toda Europa, el movimiento Romántico, con expresiones superlativas en poesía, teatro y música. Jane Campion toma los últimos pocos años de Keats y su relación con Fanny Brawnee, una jovencita de una familia burguesa medianamente acomodada. La relación entre ambos, bañada por un amor romántico y fatalista, quedó reflejada en las cartas de Keats a Fanny que se conocerían tras la muerte de ésta.

Basándose en hechos reales tejidos con imaginación, Campion compone una muy bella pelìcula en la que nos permite acercarnos a una época (hace ya 200 años) en que los códigos sociales eran bastante diferentes. La recreación de la época y los comportamientos de los personajes, incluyendo el uso de un inglés con toques arcaicos, son sorprendentes. El tono realista de la puesta en escena no obstruye un delicado y delicioso lirismo bañado por la propia poesía de Keats. Puede ser que en algunos momentos la película parezca avanzar con excesiva lentitud, pero la vida era mucho más lenta hace dos siglos.

Actuaciones excelentes de protagonistas y secundarios y una belleza fotográfica clásica ya en Campion completan este viaje en el tunel del tiempo para rendir homenaje a John Keats y a tantos jóvenes que lograron crear belleza en un mundo cruel y miserable.

Es entendible que luego de 50 años de actividad y otras tantas películas en su haber, la producción de Woody Allen tuviese altibajos y que en sus últimos años no repitiera el cine de alta calidad y originalidad de dos o más décadas atrás. Sin embargo, esta última producción lo muestra literalmente agotado. Una idea interesante que en otros tiempos podría haber resultado en un muy buen film por su parte, aparece desdibujada, malograda y casi se diría realizada con desgano.

Nadie espera a esta altura que Allen se transforme en quien nunca fue, pero en este film aparece repitiéndose de un modo excesivamente previsible. Llamativamente, quien fuera un excelente director de actores, casi no parece ejercer la dirección y los protagonistas parecen recitar sus partes sin demasiada convicción. Wallace Shawn no logra darle comicidad o humanidad a su personaje y el resto meramente cumple.

La excelente fotografía de Storaro, algunas ideas todavía rescatables en algunos de los homenajes a los maestros del cine del siglo 20 y algún breve diálogo ingenioso atenúan un poco este film finalmente fallido. Qué lejos quedaron Hannah y sus hermanas, Annie Hall, Crímenes y Pecados, Zelig, Bananas, Match Point......