Ambientada en el sur de Estados Unidos durante la Gran Depresión, la película tiene una intención aleccionadora. O al menos, intenta describir las formas mediante las cuales los niños van desarrollando su sentido común. El padre, como principal espectador de este desarrollo, se comporta como un modelo a seguir para sus hijos. Lo interesante es que ese padre, aunque idealizado por sus hijos, también expone ante ellos sus debilidades, producto no de su mal desempeño, sino de factores externos. “¿Cómo criar a nuestros hijos en un clima de violencia racial semejante?” parece preguntarse la autora de esta novela adaptada al cine. La respuesta viene en forma de consejo de padre a hijo: “la única forma de entender al otro es ponerse en su lugar, caminar con sus mismos pies”. Esta lección, tarde o temprano, es la que sus hijos adoptarán, empujados no por su padre, sino por sus vivencias personales.

Estéticamente, la película es impecable. El blanco y negro -utilizado a conciencia- remite directamente al pasado, pero además, le otorga al pueblo un clima onírico a misterioso, logrando una perfecta materialización de los miedos e inquietudes de los niños protagonistas. Algunas escenas nocturnas parecen sacadas de una película de terror clásico, agregando la música como elemento fundamental para recrear ese ambiente. Lo no-visible representa el umbral al cual los niños deberán enfrentarse. Pero ese umbral será también un lugar que lentamente pasará de la duda a la certidumbre, de la niñez crédula a la conciencia casi plena de que el mundo circundante, aunque misterioso, lentamente podrá ser explorado y comprendido.

Robert, operario en una empresa petrolera, sale con Rayette, una camarera atractiva aunque poco inteligente. A lo largo de la película, el maltrato de Robert hacia Rayette (Karen Black) aparece indiscriminadamente, se da mientras están jugando al bowling (por la poca destreza de Rayette) o en una cena familiar (debido a los vulgares temas de conversación elegidos por la rubia para romper el hielo).

Todas estas situaciones, incluyendo una escena en la cual Robert discute con una camarera por no permitirle elegir libremente su menú, adquieren un nuevo matiz cuando conocemos algo más acerca de la historia previa del protagonista. Abandonando su carrera como interprete de piano, decide alejarse de su familia y su ámbito social, optando por una vida despreocupada y sin objetivos a mediano o largo plazo. Cuando su hermana le avisa que su padre está enfermo, Robert vuelve a su hogar, obligado a enfrentarse con sus demonios.

Sin embargo, la nueva situación nada tiene que ver con las tensiones familiares del pasado. El padre, figura autoritaria y razón de la huida de Robert, es una sombra. Debido a su enfermedad no puede comunicarse con nadie y se mantiene en un estado de contemplación pasiva. Esto descoloca a Robert, quien comienza a plantearse el sentido de sus acciones. Lentamente, irá tomando conciencia de sus propias responsabilidades a la hora de tomar decisiones con respecto a su vida.

La película es una recolección de grandes escenas (Nicholson tocando el piano en un camión de mudanza o levantando de la ruta a una fóbica de la basura), aunque carece de un acercamiento global que permita unificar todas las situaciones.

Five Easy Pieces es considerada por muchos como la punta de lanza de un nuevo tipo de cine, marcado a fuego por las experiencias políticas de los años 60, y el fin de las utopías pacifistas. En este nuevo contexto, aparecen personajes trágicos y a la vez sencillos, que antes que exteriorizar sus sufrimientos, lo llevan como un peso oculto sobre sus espaldas.

Griffin Mill (interpretado por Tim Robbins) es un exitoso productor cinematográfico que se jacta de recibir 150 llamados al día, mayormente de guionistas con ansias de llevar sus historias a la pantalla grande y triunfar en la cada vez más competitiva industria. Pero la ficción se convierte en realidad cuando Griffin comienza a recibir amenazas de un guionista despechado. El crimen se interpone en su camino, poniéndolo en una encrucijada, de la cual tendrá que salir haciendo uso de sus dotes como businessman.

En un movimiento discursivo más que interesante, la película propone una trama que se asemeja a uno de los 150 “plot lines” recibidos a diario por Griffin, pero con el agregado de que, dentro del universo del film, esta historia es verídica. Esta vez, Griffin es protagonista de una historia con final abierto, y el riesgo de ser atrapado, aumenta minuto a minuto.

Al igual que en Shortcuts (inspirada en varios cuentos de Raymond Carver), Altman se destaca por su capacidad narrativa y el brillante manejo de los tiempos cinematográficos. La sutileza reside en el hecho de mostrar como una persona inescrupulosa puede triunfar en un mundo cuyos valores también han sido trastocados, siempre cuidando las apariencias y la reputación. En este aspecto, la película guarda relación con muchos de los clásicos films de cine negro pero con una vuelta de tuerca de estilo paródico.

Los cameos de celebridades se vuelven recurrentes, no con la intención de referenciar el Star System en sí, sino más bien, con la idea de recrear el ambiente de Hollywood de la forma más realista posible. Por ese motivo, la película se convierte en una crítica despiadada, no hacia una industria ficticia, creada para los propósitos del film, sino hacia el Hollywood real. En una escena que prácticamente resume ese universo, Malcolm McDowell (recordado especialmente por su papel en La Naranja Mecánica) aparece delante de Griffin y lo increpa por haber hablado mal de él a sus espaldas.

La escena final integra todos los elementos previamente desarrollados: cuando Griffin decide producir una película basada en su propia y deleznable experiencia, la realidad se convierte nuevamente en ficción, y los dilemas morales quedan sepultados bajo la máquina de ensoñación hollywoodense.

Hannah (Mia Farrow) es una actriz reconocida que gusta de mantener un perfil bajo ante los halagos de su familia. Holly (Dianne Wiest), quien se ve a sí misma como la oveja negra de la familia, intenta despegar en su carrera como actriz pero su energía negativa y su falta de talento para la actuación la mantienen alejada de cualquier posibilidad de éxito. Lee (Barbara Hershey) está cansada de su relación con un pintor que casi la duplica en edad y encuentra en Elliot (Michael Caine), el marido de Hannah, un romance que parece darle un renacimiento a su deseo sexual y a su vida en general. Mickey, el ex marido de Hannah, interpretado por Woody Allen en su ya clásica faceta de personaje pesimista, hipocondríaco y neurótico se enfrenta a la posibilidad de dejar de existir luego de que los médicos le piden que se haga estudios para descartar un posible cáncer cerebral.

La película entreteje de manera dinámica las distintas historias utilizando separadores con títulos que le otorgan un estilo coral, en los cuales los personajes atraviesan por momentos de ansiedad, depresión, goce y envidia en dosis similares. A nivel temporal, la historia se enmarca entre dos cenas de acción de gracias en dos años consecutivos, evidenciando cómo el núcleo familiar (incluyendo a las tres generaciones de abuelos, padres e hijos) es un complejo microcosmos que nunca permanece estático y en el cual coexisten, de manera paradójica, los secretos más oscuros y el amor más sincero.

Al igual que en el resto de su filmografía, Woody Allen evidencia de manera realista y entretenida los vaivenes en las relaciones amorosas y familiares, siendo la trama de la infidelidad de Lee la que mayor densidad dramática adquiere, por tratarse de un amorío con el marido de su hermana Hannah. A la vez que Hannah intenta entender lo que pasa por la cabeza de su marido, quien está perdidamente enamorado de Lee, su hermana Holly siente envidia por su éxito con la actuación, lo que finalmente la lleva a escribir acerca de Hannah en clave de ficción, logrando encontrar en la escritura su propia voz, pero revelando secretos familiares que terminan incomodando a Hannah. A su vez, la foto familiar entre una cena y la siguiente se modifica luego de que Mickey, el ex de Hannah, atraviesa por una crisis existencial que lo lleva a considerar convertirse a otras religiones, comenzando inesperadamente una relación con Holly, que ha podido reencauzar su vida. Con Hannah and Her Sisters, Woody Allen logra nuevamente retratar los miedos y las ambiciones del ser humano moderno, enfocándose particularmente en sus claroscuros y singularidades.