Gummo nos retrata a la población más desfavorecida de Xenia (Ohio), ciudad arrasada por un tornado. Gummo hace referencia, en un símil que relaciona a los hermanos Marx con las clases sociales, al lumpen. La población al margen de la sociedad (delincuencia, prostitución) se relacionarían con Gummo Marx, el único de los hermanos Marx que no se hizo conocido por abandonar el vodevil antes de que sus hermanos cobraran la fama. (Sería gracioso continuar el símil, Zeppo con la clase obrera por ser el hermano que sale en algunos films y Groucho, Harpo y Chico las clases poderosas. Que quede bien claro que es un símil solo por la fama alcanzada, ya que ideológicamente no tiene que ver con los pensamientos de los hermanos Marx, siendo por ejemplo la verborrea afilada de Groucho más revolucionaria y anticonvencional que sus películas coetáneas).

La voz en off dice que los asuntos de la gente perecieron en Xenia tras el tornado. Harmony Korine muestra los desechos del sueño americano, una población donde el tiempo no avanza. Tenemos nuestro particular guía, un niño con orejas de conejo al que seguiremos como Alicia para ver las aventuras de esta población deprimida.

Gummo es cruda, difícil de ver, hiriente pero a la vez es hermosa. ¿Cómo puede ser así? Muestra una oda a lo diferente, a los sueños de los desesperados. La realidad es horrible, peor que en una película de terror, abusos de todo tipo: violencia, racismo, pederastia, maltrato animal, prostitución. Dentro de esta sordidez tan bien retratada por Korine debido a su experiencia directa en los barrios que habitó en su infancia-adolescencia hay una empatía hacia lo marginado entre lo marginado: personas con síndrome de down, con trastornos psicológicos, albinos, homosexuales, enanos y gente en definitiva que busca vivir como se pueda. Aunque la grandeza de Gummo radica en difuminar estas fronteras entre lo que esta mal y lo que esta bien, para mostrarnos a los personajes sin maniqueísmos, de forma más impactante y realista.

En Gummo hay actores profesionales y amateurs, además del propio director como borracho en la escena con el enano. Las actuaciones son de una calidad tremenda, reforzando el realismo que quiere transmitir. Realismo que se complementa con el trabajo del director de fotografía Jean-Yves Escoffier, reclutado por sus grandes trabajos con Leos Carax. Se utilizan diferentes formatos como el VHS, súper 8, 16 mm, 35 mm, Polaroid, etc para que la película parezca documental, aunque con gran inteligencia Korine desmonta este realismo creado por los formatos, consciente que hace ficción se puede percibir en dos escenas (spoiler) en las que la voz en off chirría con lo mostrado. Por último, la música tiene la misma ambivalencia que los personajes, con una selección de canciones tan diferentes como Madonna, Roy Orbison (ya tenía gran importancia una canción suya en Blue Velvet de David Lynch) así como subgéneros del Heavy Metal: Black Metal, Death Metal o Trash Metal.

Gummo trasciende su condición de película de culto para convertirse en una obra clave de la historia del cine en los años 90.

La puerta del cielo es una oda a los perdedores a varios niveles. Por un lado el histórico, a finales del s. XIX después de la conquista del oeste y la guerra de Secesión,, EEUU forja las bases de su poder apoyado en las clases altas y en las decisiones que se toman en el Este del país. La ley no va a proteger a todos los ciudadanos por igual y la lucha por alcanzar los derechos pide un sacrificio muy elevado.

El género que más aprecia a los “perdedores” siempre ha sido el western. La puerta del cielo también tiene su marshall, sus pistoleros, sus prostitutas y sus borrachos. Cimino recoge el testigo de John Ford para mostrarnos una panorámica de una pequeña comunidad con todos sus problemas, así como del paisaje que los envuelve. Eso sí Cimino es más hiriente en criticar al sistema de lo que era Ford.

Otro nivel de oda al perdedor es extracinematográfico. La puerta del cielo acabó con la productora United Artists y perjudicó notoriamente al director Michael Cimino. A pesar del fracaso en taquilla y los líos de producción que aumentaron el presupuesto, la película tiene partes del mejor cine épico y también del mejor cine de autor. Los grandes presupuestos y el cine de autor en muchas ocasiones no conjugan bien y a partir de esta película las productoras cortarían las alas a sus directores. Cimino es de los directores a los que no les gusta sintetizar y las tres horas y media de duración de la película no ayudaron para conseguir taquilla. En mi opinión, la duración no es un handicap, en este caso ayuda a desarrollar a personajes y a crear escenas comunales sin prisas y de bella factura, para mi el problema de La puerta del cielo es que tiene varios finales, siendo las dos últimas escenas prescindibles a mi gusto.

Técnicamente es un prodigio, el diseño de producción y la dirección de arte hace un trabajo descomunal para crear la vida del s. XIX con sus clubes, tabernas, estaciones, salones públicos, universidades, el pueblo al lado de las montañas, etc. La fotografía es espectacular, Vilmos Zsigmond tiene un papel predominante para narrar la historia, destacan sus travellings circulares que crean paralelismos en diferentes momentos de la historia: sobre todo el vals en la universidad e intento de subir al árbol central con la escena del ataque final a la Asociación de ganaderos, así como el violinista en patines, que además es el encargado de la música del film, David Mansfield. Aparte de la música folk del joven Mansfield también se recurre en varias ocasiones al vals de Strauss el Danubio azul. El reparto no podía ser mejor, encabezado por Kris Kristofferson, actúan algunos de los actores que más me gustan: Christopher Walken, John Hurt, Brad Dourif, Isabelle Huppert, Jeff Bridges, Sam Waterston.

Como anécdota, primera película en el currículum de Willem Dafoe y tercera víctima del gafe del film. Dafoe aparece en la primera mitad del film de extra, es un ciudadano pobre del condado de Johnson County, por ejemplo sale en la escena de la lucha de gallos. En la segunda parte ya no aparece. En una entrevista Dafoe comentó que lo echaron del rodaje tras reírse de una broma que hicieron en el set de rodaje. A Cimino no le hizo gracia y le dijo a Willem que ya no volviera.

Aguirre no es fiel a la Historia, Herzog fusionó varios relatos en uno y ficcionó los hechos, transmitió lo más importante que es la personalidad de Lope de Aguirre. Su carácter ambicioso, paranoico, violento, rebelde que comete traición contra su propio rey Felipe II. Herzog también explica los sentimientos de los expedicionarios en territorio hostil en busca de riquezas o “Dorados” sin entender el papel del monarca en todo esto. Aguirre es el paroxismo del poder ,ejemplificado por Klaus Kinski a la perfección, y una figura fascinante de la historia.

Piccolo Grande Amore es un film realizado por el crítico de cine Jordi Costa e inscrito en un nuevo manifiesto de cine #littlesecretfilm.

Littlesecretfilm tiene varias reglas al igual que tenía Dogma, y a grandes rasgos consisten el film se rueda en secreto, en 24 horas, se anunciara en las redes sociales y el film se distribuirá gratuitamente en internet. Importancia de la improvisación y se autofinancian. No pretender erigirse en movimiento sino que pretende una nueva manera de crear, financiar, distribuir y amar al cine.

Piccolo Grande Amore es un homenaje a las canciones italianas de amor y al giallo de Darío Argento, sobre todo a la trilogía de los madres. Pero sobre todo el punto fuerte de Piccolo Grande Amore es la narración. Al igual que hace el director Carlos Vermut, director invitado de una escena. Al igual que en Rashomon, conviven muchos personajes con visiones diferentes, ya referidos al amor puro, ya referidos a una visión del mundo, que va desde la Iglesia, a la ideología de las tres brujas de Argento o a ninguna de las dos cosas. Es un film enigmático.

Jordi Costa es reflexivo y autoconsciente sobre el cine y sabe qué quiere contar y sobre todo cómo quiere contarlo. Al igual que Ignatius Farray, conocido por muchos por sus intervenciones en la hora chanante y gran descubrimiento para el cine, es autoconsciente respecto a la comedia ayudando al film a tener un humor novedoso.

Tropical Malady es una de las obras mas representativas del cine de Apichatpong Weerasethakul. Los críticos la podemos inscribir en la última corriente, el llamado "remodernismo". Es decir un regreso a la espiritualidad en el cine, que ésta no se pierda en la forma, nuevas ideas respecto a la narración y a la subjetividad.

Weerasethakul divide su film en dos. La primera parte trata sobre una historia de amor homosexual, donde el afecto esta descompensado y las ideas sobre esa relación son diferentes. La primera parte observaríamos una Tailandia occidentalizada, con gusto por las estrellas de rock y los videojuegos. Donde se conserva la religión y leyendas tailandesas como cultura superficial o supersticiones.

Antes de la segunda parte, hay un punto de inflexión, la entrada en el templo subterráneo. Como en la caverna de Platón hay una separación entre dos mundos.

La segunda parte, es la entrada en el mundo de las leyendas tailandesas y Apichatpong las trata con un respeto admirable. Pero lo que hace a Tropical Malady un buen film, es que Apichatpong no prefiere ninguna parte a otra, con lo que representa ideologicamente cada parte, las ideas occidentales y las leyendas tailandesas, sino que sabe unirlas de tal manera, con unos diálogos esclarecedores, que cada espectador puede quedarse con lo que quiera. Por ejemplo, ess el tigre, el espíritu de un chaman que cambia de forma o en cambio es la representación de los miedos y fantasías de un soldado desesperado.

Muchos puntos en común con su posterior película y ganadora en Cannes, Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas. Lo más disuasorio de Weerasethakul es la narración lenta, a veces a ritmo real, aunque tiene sus ventajas para sumergirte en la historia sin que parezca ficción al estilo de Tarkovski, Rosales o Tsai Ming-Liang.