Tan solo la secuencia intermedia de cerca de 25 minutos de la película de Spielberg da cátedra de cómo se debe filmar una relación entre animales y humanos partiendo de la inteligencia de mostrar el inicio de la relación entre el caballo y la nieta del granjero con un plano detalle del ojo con la niña acercándose al animal. En esta película priman las composiciones básicas dignas del mejor comercial de perfumes priorizando los colores bonitos del atardecer y las tomas en slow motion para parecer "trascendentes" todo muy bonito pero nada de cine, nada de sugerencia que la molesta narración en off de Winslet no pueda aportar más allá de la sobreexplicación.
De los actores se puede decir que la joven Foy lo intenta pero su personaje no logra despegar alguna emoción en lo absoluto, ya pasaron muchos años desde su conmovedora Murph en la película de Nolan. Para terminar la música no aporta nada, no construye o sugiere más que sólo poner énfasis en algunos momentos clave, es como si quisiera estar oculta, no quisiera trascender no quiisra transmitir alguna emoción o sentimiento.

Desde los primeros compases uno se siente ante la presencia de un planeamiento en lo que a puesta en escena se refiere, con ese plano secuencia pensado hasta el milímetro, donde del plano detalle que revela el eje central de la trama pasa a un plano general que revela a sus dos protagonistas: el carismático Sr. Lobo y el cínico Sr. Snake en una toma que podría ser sacada de las mejores películas sobre mafia como por ejemplo Goodfellas donde la cadencia e intensidad de las palabras de la conversación de los dos crean tensión dramática de lo que esta sucediendo en el off como se manifestará cuando se disponen a abandonar el local, revelando los rostros asustados de los comensales, replicando las sensaciones que despertaba la memorable escena del atraco en la fundamental Pulp Fiction, con un Tim Roth y una Amanda Plummer sobresalientes.

Luego de eso se produce el atraco del banco y se dispone a la presentación de personajes, cada uno demuestra su rastro de personalidad en la frenética secuencia que podría ser sacada de los mejores arcos de Lupin III, con infinidad de coches de policía sumándose a la acción dramática y una oficial de policía decidida a atrapar al mayor atracador de la ciudad, la plasticidad que ofrece la animación permite crear esa sensación de continuo dinamismo en las acciones y eso es sacado de la herencia de la animación americana de finales de los años 40 hasta mediados de los 50 en sus personajes.

Posterior a ello se vuelve a terrenos mas conocidos, pero sin olvidar el dinamismo que despierta cada nuevo plan del jefe de la banda, con giros y revelaciones de ultima hora incluidas en esta carrera contra el tiempo para salvar a la ciudad del malvado de turno, quizá es en los momentos intermedios donde la película muestra algunas de sus falencias, con un desarrollo poco interesante de sus secundarios como la Sra. Tarántula o el Sr. Piraña.

Pero inclusive con esos detalles resulta en su totalidad una producción notable por su continua sensación de desenfado, de estar libre a la hora de plantear los elementos visuales que componen el relato y sobre todo no apelar a la pirotecnia colorida, que muchas producciones animadas presentan en la actualidad. Un horizontes de posibilidades se abre con sus protagonistas conduciendo al atardecer en busca de nuevas aventuras y es un camino que su servidor desea seguir recorriendo con estos carismáticos personajes.

Por eso secuencias donde un plano detalle de los pies señala ese lugar incierto donde se adentrarán y donde se alejan del hogar común cobra mucha fuerza en la dramática, casi como una odisea por esos campos yermos llenos de autos abandonados y cadáveres en estado de putrefacción, donde no reina otra cosa más que el silencio sepulcral de lo que antes fue un entorno donde la vida bullía.

Por otra parte, esta película se ajusta a los cánones del suspenso como en muchas secuencias del tercer acto donde el montaje paralelo establece líneas de significancia entre diferentes partes de la acción dramática dando resultados muy notables como la secuencia final donde el terror por las grotescas criaturas es contrapuesto por aquello que estas más odian, más detestan y aborrecen, aunque siendo lo único por lo que consiguen alimento, el sonido.

El sonido es usado como arma cinematográfica, infringe dolor, pero a su vez es salvación, es vida, en un inicio era el grito desesperado de los inocentes por escapar de la muerte ahora es un grito, pero de libertad, pero compite con el silencio esta vez más preciso en su ejecución siendo manifestado solamente por la única persona que no puede oír, arrojando sus cartas desde un prólogo prodigioso en la mezcla sonora hasta el final en que se avecinara el ocaso de los alienígenas y la humanidad volverá a hablar con naturalidad.

Como en su día eran los moteros de Akira, con un color diferente de moto que indicaba sus diferentes facetas e idiosincrasias, basta con diferenciar al grupo de Kaneda con el de los payasos. Aquí el director Tetsuro Araki busca la expresividad con el movimiento, busca darle identidad a cada grupo en disputa con un estilo propio de aquella actividad física que es el Parkour, pero eso también se traslada a los personajes centrales, que escapan de los estilos deterministas de su colectivo y buscan expresar otros sentimientos con su desplazamiento, basta con solo ver la secuencia donde Hibiki y Uta están sincronizados por primera vez. Ella desprende sensualidad e ingenuidad en su baile y él expresa determinación en sus saltos. Esto no es nuevo en el director, ya que en la franquicia de los titanes también logro un efecto similar más en concreto con los personajes de Levi Ackerman y Historia Reiss.

La película también intenta revisitar el relato original de Andersen sobre aquella criatura que anhelaba su libertad a pesar del sacrificio por el ser amado, si bien altera gran parte del cuento, cambiando aspectos fundamentales de este como la presencia de la bruja y la cuestión final con las hermanas con el puñal, respeta el final donde este desdichado ser en pos de no sacrificar al ser amado entrega su vida para dejar que él viva, dando un momento verdaderamente conmovedor sin flashbacks que arruinen la cadencia de la secuencia, sino dejando que sea Sawano el conductor de emociones con una última aparición del tema principal de la banda sonora en todo su esplendor, siendo que morirá al final al igual que su protagonista.

Por otra parte, la película al exponer una cosmogonía concreta revela una cierta pretenciosidad que resulta meramente impostada para sacar reflexiones divulgativas que no vienen al caso y que nos alejan de lo capital de la obra, caso contrario de películas anime recientes como Children of the Sea donde la ampulosidad de los temas del cosmos estaba bien integrado a aquel viaje iniciático de su protagonista. Este punto condena parte del final donde se plantea una especie de reencuentro cuando el universo sea consumido con la entropía.

Si bien este es un punto negativo esta película no se le podría considerar fallida, sino una apuesta interesante que rescata ciertas tradiciones tanto de la literatura como del cine americano más clásico.

Otra vez la técnica animada ha triunfado, ya que no solo se enfoca en el apartado de su abundante paleta de colores, sino que esta tiene incidencia dramática dentro del conjunto, aportando a la construcción de los diferentes casos, desde el exótico Singapur con sus cielos de un celeste pleno hasta las apagadas calles de Londres bañadas de colores grisáceos tanto en exteriores como en los interiores pero que cuando despierta la pasión o la inspiración estos espacios interiores cobran vida reflejando el estado emocional de los personajes. En su último caso se apuesta por priorizar la iluminación para establecer relaciones entre personajes, véanse los ejemplos entre las conversaciones entre Makoto con su padre y su relación en la composición visual. Pero el mayor ejemplo de esto es la formidable escena del yate en pleno océano, dotados de una iluminación natural el director ya marca la pauta estética entre todos los presentes además de como compone los planos de la secuencia para dotar de la escena de la potencia dramática necesaria como aquel antes que Oz dispare hace un primer plano de nuestro protagonista casi completamente iluminado por el sol, incapaz de liquidar a sus compañeras, para que luego en la venganza contra Oz este en las tinieblas anticipando su caída y así ganándose la confianza de Suzaku.

El título de la reseña alude al personaje que es el eje de todo el desenvolvimiento de la trama, la misteriosa Dorothy una bellísima mujer de tez como el ébano que por su “fortuito” encuentro con Laurent lo invita a participar de su banda de atracadores, el Team Confidence, pero en su última aventura en Shanghái tras un error de cálculo, lo tramado se ve truncado por la ejecución de la chica debido a que el mago del lejano este no pudo devolverla a su hogar que iba a formar con el rubio francés, la narración nos lleva a un presente desolador, todos nuestros personajes deben vivir con su pasado pero a su vez deben confrontarlo, deben hacer ese viaje interno por la memoria, por aquello que dejo huella en sus vidas desde la guerra en medio oriente hasta las relaciones truncadas por la desconexión de los amantes. Al igual que ellos los secundarios también se ven embarcados en esa introspección como aquel viejo piloto o la anciana jefa de aquella nefasta corporación que tiene que mantener esa doble vida como la dualidad de los colores de su kimono.

Las pautas de los eventos están marcadas por dos elementos constitutivos que aportan a la narración visual y una marcada sutileza dramática, los juguetes que el joven Makoto saca de cada nueva ciudad que determinan la naturaleza del arco narrado como aquel rey que renuncio a la fortuna por amor o el simple campesino que tiene que volver a empezar para labrar su riqueza. Los gatos están presentes en la obra desde aquel que nuestro protagonista le entrega a su moribunda madre o que el joven Laurent cargaba cuando su madre cedió ante la locura los gatos están presentes en el ending cantado por Mercury, estos son seres solitarios al igual que todos los personajes, necesitan un hogar, necesitan amor.

Un viaje emocional de 23 episodios pero ante todo un triunfo del arte animado en un panorama donde las series de animación japonesa se estancan en clichés visuales repetidos hasta el hartazgo o en franquicias con un dramatismo exacerbado que dependen de golpes de efecto que rozan lo telenovelesco para mantener cautivo a la audiencia, aquí es la audacia de los puntos de giro, la pericia visual y el montaje los que permiten a la audiencia continuar el recorrido, es usar las armas que nos proporciona el cine para dotar de un alma a una serie inolvidable.