Los Miserables – Tom Hooper, 2012

Hace años que el género del musical clásico está agonizando, dando sus últimos coletazos para sobrevivir en un mundo donde priman otro tipo de producciones. A este respecto, Hairspray y Mamma Mia no hicieron más que acentuar la necesidad urgente de renovación de un género con guiones cada vez más planos y que pierde adeptos a una velocidad endiablada.

Chicago y Moulin Rouge lo intentaron a la vieja usanza, mezclando baile y sensualidad en un show coreográfico más cabaretero, logrando una modernización del género notable pero con argumentos que ya parecen demasiado exprimidos. Una película más de cabareteras y la saturación hubiese sido completa, ya sin vuelta atrás.

Los Miserables es una propuesta totalmente distinta, que tira de la narración más clásica y suprime las coreografías, lo que hace más creíble la historia. Aquí las canciones (muchas veces simplemente diálogos cantados, sin resquicio de canción propiamente dicha) están al servicio de la narración, no para dar forma a una coreografía que, en esta película, hubiera funcionado realmente mal, reduciendo drásticamente la intensidad dramática del film.

Precisamente la intensidad dramática es uno de los grandes pilares con los que cuenta esta película, aportando momentos realmente intensos donde los actores juegan un papel primordial. Punto y aparte para confesar que, de primeras, una película con Anne Hathaway, Hugh Jackman y Russell Crowe lo tiene todo para que un servidor la descarte en cartelera, pero he de reconocer que los tres están magníficos. Los cinco minutos de primer plano con una Anne Hathaway destrozada cantando “I Dreamed a Dream”, son de lo más intenso que he visto en el cine (esta actriz hace más en cinco minutos que muchas en toda su carrera) y le bastan para garantizar el Oscar a la mejor actriz secundaria. Hugh Jackman también está espectacular en la, probablemente, mejor interpretación de su carrera y el camaleónico Crowe no desentona (ni a nivel de actuación ni musicalmente hablando), lo cual ya me parece suficiente.

Otro punto fuerte del film es la ambientación: vestuario, fotografía, estética y dirección artística puestos al servicio de la historia, derrochando verosimilitud. Las escenas en las sombrías calles de París o las del alzamiento popular transmiten la sensación de estar viendo algo muy grande, una superproducción donde se ha invertido correctamente hasta el último centavo (algo difícil de ver hoy en día). Además, en ciertas ocasiones te queda la sensación de estar viendo una obra en directo, con lo que se consigue que, en muchas ocasiones, la unión entre público y obra sea casi perfecta.

Y aquí es donde radica el principal problema de la película, en las ocasiones donde no consigue esa unión. El hecho de que sea totalmente cantada (no hay ni un solo diálogo no entonado) hace que muchas escenas (como la lectura de una carta) pierdan fuerza, convirtiéndolas en casi cómicas. Aparte, es muy difícil para el espectador tener la concentración al máximo todo el rato ya que no hay momento de descanso entre canción y canción (aparte, desconozco si existe una versión doblada, la cual no tendría ningún sentido, con el agravante para espectador que no está acostumbrado a leer subtítulos y tiene que doblar su esfuerzo).

Por otro lado, hay muchas escenas –aquellas en que hay que prestar atención a varios personajes en pantalla- en las que resulta casi imposible seguir la trama sin dejarse la vista en el intento. Excesivos primeros planos en escenas corales y bruscos movimientos de cámara hacen que la mayor parte del trabajo sucio lo tenga que hacer el espectador. Esto, unido a la falta de respiro de momentos musicales, crea en muchas ocasiones un caos visual y sonoro del que es difícil recuperarse…es como estar leyendo en el sofá mientras alguien a tu lado te está hablando de su viaje a Croacia mientras te enseña fotos y pone música para acompañar…algo te vas a perder, seguro.

En resumen, gran experimento de un género que necesita un lavado de cara, que funciona a la perfección en lo que a capacidad interpretativa, intensidad dramática y ambientación se refiere, pero que falla en muchas ocasiones en la dirección, convirtiendo la película en ciertos momentos en un caos sin posibilidad de sacar la cabeza para respirar algo de paz. Unos planos alejados de las escenas más intensas o un mínimo de diálogo (aunque sea introductorio) habría bastado para que todas las piezas encajasen a la perfección. No obstante, tengo la sensación de que la Academia va a premiar considerablemente esta cinta con un mínimo de 3 estatuillas (actriz secundaria, vestuario y canción, banda sonora o maquillaje).

Este film, presentado en la sección oficial del Festival de San Sebastián, narra la intensa historia entre Ali -un boxeador retirado de clase baja con un hijo de 5 años que tiene que irse a vivir con su hermana-, y Stéphanie -una chica que trabaja de entrenadora de orcas en el acuario de la ciudad-. Tras un encuentro casual en una discoteca, la historia cogerá cuerpo en cuanto ella sufra un accidente laboral que le cambiará drásticamente la vida.
Jacques Audiard se está convirtiendo, por méritos propios, en uno de los directores más interesantes del panorama internacional. Su manera de rodar, personal, realista y dura, resulta un soplo de aire fresco ante la tendencia actual, en el que prima el rodaje efectista, superficial y sin involucrar al espectador, tratando de perturbarlo lo mínimo posible. Con Un Profeta (A Prophet, 2009) se ganó mi admiración (y fama internacional), al tratarse de una película dura, con escenas impresionantemente realistas y una profundidad elogiable tanto de guión como de personajes. De Óxido y Hueso, no hace más que confirmar las sensaciones pasadas.

Ahora bien, esta última película está lejos de alcanzar el nivel de la anterior y tiene, a mi modo de ver, problemas graves de guión. Demasiadas historias paralelas a las que hacer caso, sin entrar a profundizar en ninguna de ellas y generando una sensación extraña al espectador, que desea retornar a la historia principal cuanto antes. De hecho la primera hora de la película, en la que se centra en la relación de los dos protagonistas, es fantástica, siendo la segunda hora más enrevesada y peor resuelta (y, sin revelar nada de la trama, con un final que no está a la altura).

No digo que el metraje sea excesivo -la película creo que tiene una duración adecuada-, simplemente considero que el guión se pierde en temas que no interesan y desvían la atención de la genial historia principal (además de recrearse demasiado en el problema de la protagonista).

Los dos actores (Matthias Schoenaerts y Marion Cotillard) están fantásticos, dotando a sus personajes de un elevado realismo y profundidad. La escena de la primera vez que van a la playa es, simplemente, magistral, muy tierna, sensual e impactante a la vez. La química entre ellos se hace notar en la pantalla y, en una historia como esta, resulta totalmente imprescindible. Marion es, sin duda, una de las mejores actrices del panorama actual (guapísima en esta película sin maquillaje) y Matthias es un gran descubrimiento, convirtiéndose en imprescindible en este papel.

Dirección magistral, con escenas escalofriantes y de una altísima tensión (de esas que se escuchan murmullos en la sala); fotografía muy adecuada, con un uso magistral de la luz natural; actuaciones perfectas que ayudan a comprender el comportamiento de los personajes; pero con un guión que no funciona en la segunda hora de película y que baja notablemente el listón del film. No obstante, espero impaciente la próxima película del señor Audiard. un director que se escapa de los convencionalismos establecidos en el cine actual y que afectan también (y mucho) al productivo cine francés, pero eso es otro tema que ya trataremos en otra ocasión.

El Capital, 2012 (Le Capital, Constantin Costa-Gavras)

Le Capital narra la historia del joven banquero Marc Tourneiul (Gad Elmaleh) que, tras la enfermedad del presidente del banco más importante de Francia, asume el cargo con todo lo bueno y malo que eso conlleva. Chantajes, celos y toma de decisiones de dudosa moralidad constituirán la trama de este intento de denuncia al sistema bancario.

Antes de nada comentar que me parece elogiable el compromiso que, película tras película, demuestra el director. Ataques al Vaticano, denuncias sociales varias y, en esta última película, crítica al comportamiento de la banca en tiempos de crisis. Todo mi respeto.

Ahora bien, comentado esto, tengo que decir que no suelo conectar con las propuestas de este director. A falta de ver “Z” y “Desaparecido”, películas que pueden reconciliarme (cinematográficamente hablando) con este director, me da la sensación de que recarga en exceso sus propuestas, dándole un aire de cine comercial que emborrona el mensaje inicial.

Es lo que le pasa a El Capital, tiene discurso pero no es convincente. Me es imposible creerme un guión tan hollywoodiano, con unos personajes dignísimos del mejor James Bond. De hecho, muchas escenas del joven banquero parecen sacadas de una novela de Ian Fleming, como el lío irreverente e insulso con la modelo o el control exquisito en el uso de gadgets.

Personajes estereotipados, frases demagógicas y guión digno del Hollywood más comercial van estropeando cada vez más el mensaje crítico inicial. Los consejeros del banco son malos malísimos, no podía faltar una chica de moralidad intachable que intentará hacer cambiar al joven presidente, o enemigos y matones varios, la modelo y sus colegas drogatas….vamos lo que te encuentras al pasar las puertas de la Ciudad del Santander en Boadilla del Monte.

Intentos de aplauso entre los asistentes al preestreno de la cinta que no tuvieron demasiado éxito. O la gente está muy necesitada aplaudir a cualquiera que se demuestre promotor de la crisis, o no soy capaz de entender la sonora ovación que se llevó este film en el Festival de San Sebastián. Mensaje sí, cine poco…por qué no un documental???

El festival de Sundance de 2012 fue el elegido para presentar el primer largometraje del director americano Benh Zeitlin -que hasta la fecha sólo contaba con tres cortos en su haber-. Bestias del Sur Salvaje fue elegida mejor película tanto por el jurado como por el público, los dos premios más importantes y, a partir de aquí, todo han sido premios y elogios.

Aún así, fue toda una sorpresa la nominación de la película a 4 Oscars, entre los que se encuentran mejor película, mejor director, mejor actriz y mejor guión adaptado. Sorpresa mayúscula sobre todo por el de dirección (dejando fuera de posibilidades a Bigelow o Affleck) y el de actriz (Quvenzhané es la más joven en la historia de los Oscar es optar a un premio como actriz principal).

La película trata la difícil supervivencia de un padre enfermo y su hija de seis años, que viven en una comunidad al margen de la civilización en un territorio desolado, primitivo, en condiciones infrahumanas, llamado La Bañera. Bestias del Sur Salvaje se mueve entre una cámara en mano que te mete de lleno en el peculiar poblado en las condiciones en las que viven los habitantes (llegando a veces a ser una tortura para los "acomodados" ojos del espectador), y la voz en off de la niña, dulce, conmovedora pero cargada de una fuerza y orgullo impropios de su edad.

Precisamente es la niña, Hushpuppy (interpretada por una excepcional Quvenzhané Wallis), la que lleva de manera majestuosa el principal peso de la película, sólo compartido con la extraña belleza del universo que construye el director para generar su fábula existencialista y apocalíptica. El director, a semejanza de Malik en El Árbol de la Vida, combina la narración principal de supervivencia y el orgullo de vivir con imágenes del despertar de unos extraños animales (una especie de uros gigantescos, prehistóricos, casi mitológicos) que aceleran su paso hasta La Bañera, anunciando la extinción de los integrantes de tan primitiva sociedad.

Al final, la película se convierte en una apología de la vida, de la vuelta al primitivismo, de la utopía del ser humano no corrompido por la sociedad. Una especie de peligro de extinción del ser humano como tal, no como un producto de los diversos sistemas a los que está sometido de manera involuntaria. Hace referencia también al abuso de objetos y necesidades superfluas, la importancia de la amistad u otros valores corrompidos en la sociedad "civilizada".

A veces caótica, a veces mágica, a veces lenta, a veces confusa, Bestias del Sur Salvaje supone un experimento fantástico, una fábula infantil mezclada con pinceladas de realismo mágico e, incluso, de la filosofía clásica de Platón. Todo esto aderezado con una banda sonora genialmente acoplada y con la actuación de Quvenzhané, una niña de 6 años con una capacidad expresiva totalmente impropia y que transmite más que la mayoría de actores del "star system".

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Nota VOSP: 7,6 / 10