Biografia bien llevada e hilvanada en cuatro trasfondos con sus subtramas, una fallida vida privada y su relación con las mujeres; una buena historia como científico teórico ante los trabajos del Proyecto Manhattan en Los Alamos, una zona desértica de Nuevo Méjico, centrandose en la creación de la primera bomba atómica, en agónica competencia con la Alemania nazi; un magnífico dilema moral social ante los reparos de conciencia de Oppenheimer tras Hiroshima y Nagasaki, su oposición a la investigación sobre la bomba termonuclear; un clásico thriller usa de acoso, en plena era macartista, utilizando su pasado izquierdista muy próximo al Partido Comunista estadounidense en los años 20 y 30, ante deshonrarlo y apartarlo de la Comisión de Energía Atómica de los EEUU por su oposición a los intereses de la carrera nuclear.  
La estructura narrativa fragmentada característica del Nolan en la que se nota su mano en la construcción de un guión en el que hasta el menor diálogo es tratado con la épica de mil batallas (apoyado por la música  zimmerian de Ludwig Göransson) y en el que la ambigüedad argumental y ética sirve para mantener la tensión durante las 3 horas de metraje. Sin embargo, su firma también está presente en el rol casi insignificante al que relega a los personajes femeninos de Emily Blunt y Florence Pugh, que cumplen por encima de lo que se les pide. Sin embargo, la mejor actuación como secundario es la de Robert Downey Jr., quien se despoja de su armadura de superhéroe, para convertirse en el vengativo (Lewis Strauss), el para nada humilde vendedor de zapatos que terminó liderando la Comisión de Energía Atómica de los Estados Unidos y que aquí es retratado como todo un Judas contar Oppenheimer. 
La puesta en escena es soberbia y su presentación técnica impecable. Perfecta para quien espere algo cercano al blockbuster, en lugar de una película que sigue a rajatabla la línea doctoral norteamericana para triunfar, puede que en la noche de los Oscar tal vez quedé un tanto decepcionado el filme. En realidad la película, aunque tiene explosiones, trata de gente hablando, de gente con sus pequeñas miserias humanas, su vida en pareja, sus amistades, sus traiciones, enemistades, infidelidades, sus envidias, sus egos y sus dudas, por lo que puede empatizar con facilidad, con el espectador de calle sin más revisionismo critico.

Película española del 2017, de una duración de 95 minutos, con una valoración de 6/10, dirigida por Ana Murugarren y guión de Ramiro Pinilla, con un presupuesto de 2 millones.
Una adaptación de la novela "LA HIGUERA" escrita por el Premio Nacional de Literatura Ramiro Pinilla, protagonizada por actores como Carlos Areces, Karra Elejalde, Jordi Sánchez, Pepa Aniorte y Ramón Barea.
Quizá sobre el papel esta comedia entre dramática esperpéntica, con elementos fantásticos y trasfondo político, tuviera cierta gracia, pero el resultado en imágenes es bastante alucinante. El filme relata la historia de un falangista que se convierte en ermitaño al ver la mirada de odio del hijo de una de sus víctimas. No es que sea exactamente un proceso de redención porque la historia se desplaza por territorios imposibles, en los que Karra Elejalde no sabe qué hacer con este ermitaño al cuidado de una higuera. Lo mismo para Carlos Areces o Jordi Sánchez, actores dotados para la comedia pero no para tanto disparate. 
Todo lo nutritivo de la historia se lo carga sobre sus espaldas el personaje de Rogelio (Karra Elejalde) , falangista reconvertido en anacoreta, con ese tacto único que tiene el actor para deshojar la tragedia en comedia. No es fácil pillarle el punto a lo que tiene de gruesa metáfora y de sutil esperpento (el personaje de Ermo (Carlos Areces), de bruta y sucia comicidad, es irrespirable en su caricatura), lo cual te obliga como espectador a afinar el tiro.
Es un largometraje entretenido y sobre todo interesante, en una extraña fórmula que funciona, aunque en tramos decaiga en ritmo. Sin embargo no puedo hacer otra cosa que recomendarla al estar ante una obra con muchos ingredientes que atrapará a los espectadores. Y no nos confundamos: no estamos de nuevo ante otra historia de la guerra civil, sino ante una hermosa narración que tiene como telón de fondo aquellas y que resulta un soplo de aire fresco en nuestro cine.
En medio de un conjunto que va adquiriendo poco a poco un tono surrealista, de relato berlanguiano, no parece haber un sentido oculto, aunque quizá se esconda alguna metáfora sobre el mal y su castigo, digo yo. Pero en fin, quién lo sabe, porque el espectador buscará en vano un motivo del actuar del protagonista, cuyo peregrino personaje le va al pelo al apreciado Karra.

Un drama con una construcción de atmosfera opresiva, en la España rural de principios de los 70, duras mujeres que intentan salir adelante en el exigente mundo rural. De eso intenta hablarnos esta historia, de nacimientos y de abortos, de la compleja situación de la mujer enfrentada al hecho de la maternidad en un mundo patriarcal. Su directora y guionista Camborda ubica su relato en la Galicia profunda, esa que se abraza con Portugal de ida y vuelta y comparte miseria y solidaridad, hambre y ganas de vivir.

Se podía haber situado su historia en cualquier otro tiempo y, salvo por detalles de vestuario y atrezzo, y el largometraje conservaría intacta su reflexión y alma. Ese desgarro universal que ahoga e interpela a toda mujer al margen de su origen y situación, en la que se expone la maternidad, la feminidad la supervivencia, y la fatalidad, pues en esta historia las mujeres se ayudan sin pedir explicaciones, incluso cuando tender una mano pueda arruinarles la vida.

Es un metraje de pocas palabras que se recrea en el detalle y el mensaje en un ambiente triste y oscuro, y en el que intenta buscar su rayo de esperanza, con la que salir hacia adelante a pesar de la fatalidad. El guión se ajusta a códigos narrativos más reconocibles en el cine independiente español, con posibilidad de resultar ser más familiar e identificativo para el público.

Tiene un problema a tener muy en cuenta, la película no es capaz de huir de ciertos motivos visuales y conceptuales que en España nos suenan muy mascados,  los vemos en el contraste individuo/naturaleza, ciertas imágenes asociadas a la clandestinidad o la maternidad, por ejemplo. La suerte es que se va abriendo paso todo aquello que la hace también diferente y que Camborda ha conseguido proteger.

La película tiene tendencias conservadoras evidentes, pero por lo menos se atreve a retarnos, en la rima de su introducción y su desenlace final, además de varias secuencias brillantes y filmadas con precisión como la de apertura; la de la verbena; la fatídica, la de la taberna, en ellas esta la esencia a rescatar de esta película, que sin atreverse a romper ciertas cadenas, busca la forma de contar una realidad histórica y al mismo tiempo de interpelar al espectador actual. Una operación compleja, en la que se aúna fatalismo y optimismo que acaba saliendo. Quizás también al final le habría venido mejor, haber desarrollado más la decisión final que nos ofrece, ante el poder obtenido una mejor puntuación por mi parte.

La película es muy buena y sabe expresar más allá a pesar de carecer de diálogos, pero que su directora novata hace poner al espectador en primera fila, con un extraordinario juego de tomas y sonidos, en la que nos hace saber aquello que está pasando, aun sin mostrarnos toda su crudeza escenica. A pesar de ser la obra prima de Paz Vega, parece una experimentada realizadora, que intenta ponerse bajo la piel del público. La mirada inocente de los niños aporta una carga emocional impactante al retrato de una familia fracturada, haciendo visible la crudeza del tema desde una perspectiva diferente.

Un metraje que se hace muy creíble la historia que cuenta, haciéndonos tener una visión retrospectiva, ante recordarnos enseñarnos de dónde venimos, en su recorrido.
No obstante tiene sus peros, y a la trama le falta más evolución, pues los personajes quedan pronto dibujados y muestra el camino hacia donde desemboca, y le quita final que cierre la historia de la protagonista.Talvez hubiera sido mejor acabarla, mostrándonos una Rita veinte años después, y en que tipo de mujer se ha convertido, dando respuesta a una evolución.

Las interpretaciones buenísimas tanto la niña Sofía Alepuz con una expresividad increíble amarga, tierna, magnífica interpretación de la niña, en la que se conjuga con el primer enamoramiento.
Como Paz Vega ofreciéndonos sufrimiento, una mujer asfixiada que no sabe cómo salir de su angustia.
Como Roberto Álamo como perfecto machista maltratador de manual. Tal vez dibuja un personaje un tanto simple, para una historia rodeada de tanta sensibilidad.

Paz Vega realiza un arriesgado pero exitoso debut como directora, brindando una nueva perspectiva sobre el tema de la violencia de género en el cine. A través de una narrativa que mezcla ternura e intensidad, Vega logra un equilibrio que no solo conmueve, sino que hace reflexionar al espectador sobre el impacto de la violencia en los niños. Un debut en la dirección que resulta prometedor.

Un interesante biopic en formato de docudrama que nos descubre a la sensibilidad y el amor por la música del creador Mauricio Aznar, un rockero mano de los noventa, el cual conjugó el amor por la música en su experiencia entre dos mundos diferentes.
El debut de su director, el zaragozano Javier Macipe sumerge su trabajo en una sanísima duda sobre si lo que se está viendo es una ficción, o se trata de un docudrama (rodado en Argentina con actores no profesionales y familiares del personaje implicado). Por lo que nos despierta el interés y la duda de que parte de ficción y realidad hay en esta sentimental historia.

El largometraje está dotado de un habilidoso juego por parte del director para provocar, ante una narrativa poco habitual, con cambios en el punto de vista o rupturas en el tiempo y espacio. Incluso muestra la tramoya haciéndolo parte de lo que se cuenta, o altera los códigos cuando el protagonista se dirige a alguien y anuncia al momento actual, algunos incluso descubrirán a Mauricio Azar, en una buena caracterización en una estupenda actuación, que nos tocará la fibra de las emociones. Con una puesta en escena con mucho oficio, que dota de nivel a Macipe.

Pepe Lorente el actor que encarna a Mauricio Aznar, resulta determinante. También lo es gracias a un reparto donde la mayor parte del casting argentino está constituido por miembros de la familia Carabajal que se auto interpretan. El resultado deslumbra por su frescura, su profundidad y su extraña serenidad. A diferencia de tanto paternalismo de músicas autóctonas, en La estrella azul, un guitarrista aprende a transformarse en un guitarrero al tiempo que comprende que no es uno quien busca a la muerte, sino que es la muerte la que te encuentra en su camino, dos frases del filme que nos encuadra la historia y sus personajes.
La película es una historia de descubrimiento, no solo por su argumento, sino también en su propio proceso de realización. Y Macipe lo consigue articulando con elegancia el guion, dotando el metraje de frustración, recubrimiento, amor, sorpresa, y solidez de un artista. Estamos ante una producción sencilla, pero amable y bien cuidada, con momentos musicales logrados y con mucho sabor popular.