«‘Aguas profundas’ es una película incomprensible por su carencia de sentido, que no consigue adaptar a nuestros tiempos su interesante premisa.»

Después de 20 años de hiato cinematográfico, el director Adrian Lyne estrena la película Aguas profundas (Deep Water), con una desconcertante historia protagonizada por Ana de Armas y Ben Affleck. El filme está basado en la novela homónima escrita en 1957 por la reconocida autora estadounidense Patricia Highsmith. Sus obras han sido inspiración en numerosas producciones desde que Alfred Hitchcock adaptase en 1950 su novela 'Extraños en un tren' ('Strangers on a Train').

Dentro de la historia:
Aguas profundas narra la historia de una pareja que se ve envuelta en un juego psicológico propiciado por Melinda (Ana de Armas), quien establece una dinámica romántica/sexual notablemente liberal frente a su esposo Vic (Ben Affleck), que se siente superado por el comportamiento imprevisible de su pareja.

La mayoría de los relatos de la escritora Patricia Highsmith tratan acerca de la mentira, la culpa y el crimen, así que no es casualidad que en esta segunda adaptación (que no un remake) de Aguas profundas, precedida por 'Eaux profondes' (Michel Deville, 1981), estos temas sean los protagonistas junto a una dosis de suspense. Este tono tan marcado en la película funciona bastante bien, pues logra desconcertar desde el principio al mostrar comportamientos llamativos entre los personajes. Sin embargo, deliberadamente, el suspense está por encima de la coherencia, sobre todo porque muchas de las acciones no se explican o no quedan del todo claras, aunado a un nulo desarrollo de personajes, sin trasfondo y sin contextos.

En este sentido, las acciones de los personajes resultan terriblemente impulsivas y caprichosas, sin ningún sentido, sin diálogos orgánicos ni oportunos. Es posible que el desarrollo de esta trama sea consecuencia de la época en la que fue escrita la novela, lo que significa que su adaptación llevada a la actualidad es errática, condescendiente e injustificada.

El guion está firmado por Zach Helm y Sam Levinson, este último es el creador y guionista de la controvertida serie de HBO Max Euphoria, así como de la desgarradora película 'Malcolm & Marie' (2021), de la cual también es director. Asimismo, la dirección de Adrian Lyne, quien desde el 2002 no dirigía ningún filme hasta ahora '(Infiel/Unfaithful)', es genéricamente correcta, con una excelente fotografía y un gran manejo del ritmo y la banda sonora. Y es por estos motivos que resulta incomprensible que esta película termine por carecer de sentido, sostenida solamente por reiterados deus ex machina y las grandes concesiones que el espectador tiene que otorgar para que la trama funcione.

Las actuaciones del reparto son generalmente correctas, sin que destaque ninguna en particular. Ben Affleck mantiene su estilo serio e inexpresivo, que recuerda por momentos a su papel en 'Perdida/Gone Girl' (David Fincher, 2014). Por su parte, Ana de Armas explota su sensualidad en una interpretación con más matices y registros emocionales.

A diferencia de otras adaptaciones de Patricia Highsmith, como la remarcable Carol (Todd Haynes, 2015), donde la trama del romance y sexualidad en los personajes está mejor expuesta, 'Aguas Profundas' no consigue convencer con su argumento, pese a que su premisa es tan interesante como merecedora de ser mejor explicada, sobre todo hoy en día donde el tema de los tipos de relaciones sexoafectivas está demandando más diversidad y visibilidad en nuestra sociedad.

Conclusión:
'Aguas profundas' en una película incomprensible por su carencia de sentido. Si bien está narrada con cierta pericia, no consigue adaptar a nuestros tiempos la interesante premisa de la historia y se conforma con transcribir una trama de forma superficial, sin dotarla de contexto actual ni desarrollo en la psicología de sus personajes. Esta adaptación es una oportunidad perdida para mostrar lo complejo de las relaciones personales y de pareja. No ahonda en los conflictos emocionales ni crea la suficiente empatía para que entendamos o nos importe lo que se nos cuenta.

Lo bueno: la fotografía y el ritmo narrativo.
Lo malo: nulo desarrollo de personajes y la incomprensión de su planteamiento.

Nota: 4/10

Escrita por Gabriel Bonanni Caldeira

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Un blues para Teherán es la primera película del periodista, escritor y crítico de cine español Javier Tolentino, quien después de treinta años de trayectoria profesional, se embarca en la realización de un filme documental sobre el pueblo iraní, tomando como hilo conductor la música dentro de su cultura. Como opera prima destaca por plasmar con absoluta belleza los paisajes, testimonios y vivencias de la sociedad, acompañado de una banda sonora exquisita que se funde junto a las imágenes, transmitiendo sentimientos de nostalgia, pasión, tristeza, admiración o valentía. 

En cuanto al lenguaje narrativo, Tolentino opta por contar la historia como un ente omnipresente, con planos fijos que son testigos silentes de lo que sucede ante la cámara; indudable homenaje al cine iraní. No obstante, su aportación especial es precisamente la inclusión y la implicación de la música pues, en palabras del propio protagonista, en la filmografía iraní es escaso el uso de la música como elemento comunicador o acompañante.

Un blues a Teherán es una oda al cine iraní, una muestra de su cultura, de sus voces y de su música. Un filme realizado con respeto y admiración, con un mensaje reflexivo que invita a revisarnos como sociedad. Con esta obra, Javier Tolentino comparte con el mundo su visión sobre el cine, su sensibilidad y su aporte a este arte que tanto ama y por el que lleva trabajando tantos años. 

Escrito por Gabriel Bonanni Caldeira, para CINEZIN.

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Juan Schnitman, director argentino ganador del Premio de la Crítica en el DA 2015 por la película El incendio, presenta su último filme titulado Sangre, que narra la historia de un triángulo amoroso, sumergido en una maraña de mentiras que los lleva a una situación compleja y violenta.

La película adolece de un guion inconsistente que pretendía ser intrigoso. La trama se mueve en situaciones generalmente previsibles, con algunos giros interesantes, pero que no logran estar bien planteados ni mucho menos desarrollados, en parte, por la escasa profundidad que poseen los personajes. Tenemos a dos personajes que pasan de unos hábitos sexuales a convertirlos en comportamientos obsesivos. Si bien, las escenas eróticas están muy bien conseguidas, el resto de actuaciones resulta muy superficial y poco creíble. Esta característica se aprecia también en la puesta en escena, en la forma en cómo está rodada, con un aspecto más publicitario que cinematográfico.

Por otro lado, el maquillaje es muy bueno al igual que la banda sonora, pero esta última se convierte en un elemento muy incisivo que sugestiona demasiado la trama. En conclusión, Sangre es un filme entretenido, pero que se queda corto con las motivaciones de sus personajes que están poco desarrollados, además con interpretaciones superficiales; y con una dirección artística anodina que le resta personalidad y tridimensionalidad al conjunto.

Escrito por Gabriel Bonanni Caldeira.

El Father Plays Himself (El Father como sí mismo) es un documental que supone un ejercicio cinematográfico interesante y peculiar donde el cine se encuentra consigo mismo y todo lo que eso involucra. La premisa del filme retrata cómo un hijo reimagina y filma parte de la vida de su propio padre, quien se interpreta a sí mismo y que lo enfrenta a sus batallas internas relacionadas con el amor filial, el ego encarnado, la soberbia y la rebeldía desenfrenada que transgrede tanto la realidad como la ficción.

Esta película bien podría interpretarse como un gran tras cámaras sobre esa película que el hijo quiere filmar sobre su padre. Por momentos consigue despertar interés y expectación, mientras que en otros puede resultar repetitiva y sin tanto sentido, más allá del ejercicio cinematográfico que representa. Mención destacada a Jorge Thielen Hedderich, quien se interpreta a sí mismo y logra descomponer la realidad y la ficción de una manera destacable.

Precisamente esa descomposición sitúa a la película en un limbo un tanto confuso y ambiguo que genera una sensación extraña de estar viendo el desarrollo de la producción de un filme y sus vicisitudes.

Escrito por Gabriel Bonanni Caldeira

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Es un documental homenaje a una de las películas venezolanas más importante de la cinematografía nacional y latinoamericana: El pez que fuma, dirigida por Román Chalbaud y estrenada en 1977. La película trata sobre un cabaret donde se congregan personalidades de los bajos fondos de la ciudad, donde la encargada mantiene una relación tormentosa con su amante, y un empleado desencadena un conflicto pasional entre ambos.

El documental tiene un gran valor por contar con entrevistas actuales del director y parte del elenco original de la película, que a su vez fue una adaptación de una obra de teatro homónima también escrita y dirigida por Chalbaud. Además de entrelazar imágenes de la película y documentos gráficos de la época, recrea situaciones simuladas que complementan la narrativa.

La estructura del filme es convencional, cercano a un estilo televisivo que le da un aspecto más ligero, aunque en el fondo está dotado de mucha importancia testimonial y documentaria. Un país llamado el pez que fuma permite recordar o conocer por primera vez uno de los hitos más importantes de la cinematografía venezolana, que aporta valor e interés a las producciones antiguas del país.

Escrito por Gabriel Bonanni Caldeira

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