"La hora final" (On the Beach), dirigida por Stanley Kramer en 1959, fue la primera película que rodó Ava Gardner como independiente tras el rodaje de "La maja desnuda" que fue su último film con la Metro Goldwyn Mayer. Por fin, tal y como ella había deseado desde hacía mucho tiempo, había dejado de estar ligada por contrato con la M.G.M. Se rodó en Australia en escenarios naturales y el submarino que aparece fue cedido para la filmación por el propio gobierno australiano. Ava se había operado hacía poco de la marca que tenía en el pómulo como consecuencia de una caida cuando en una fiesta quiso hacer de rejoneadora. Su médico de confianza de Londres en aquel instante le aconsejó que dejara pasar tiempo en lugar de operarse y esos fueron unos meses malísimos porque Ava no hacía más que mirarse el hematoma que no se iba hasta que el propio médico londinense al final la operó brevemente y sólo quedó un pequeño hoyo en el pómulo de Ava.

Volvía a trabajar con Gregory Peck con quien ya había filmado "Las nieves del Kilimanjaro" en 1952 y "El gran pecador" en 1949. Esta sería la tercera y última vez que trabajó con él. Su estancia en Australia que empezó bien portándose cariñosa y amable con todo el mundo terminó muy mal por culpa del acoso de la prensa y de las malas intenciones de los periodistas a la hora de publicar cosas sobre ella, pues la ciudad de Melbourne que en la película figura como la última ciudad del mundo antes del final de la humanidad, por una frase que ni siquiera fue de Ava, saltó tanto a la fama que hizo que la ciudad de Melbourne fuera una de las más citadas en los diarios de todo el mundo. "La hora final es una historia sobre el fin del mundo y ciertamente Melbourne es el lugar más idóneo para el rodaje". Esa fue la frase que en realidad fue escrita por un periodista de Sidney en su diario.

Kramer se dio cuenta de la gran actriz que tenía ante sí y el personjae de Moira es uno de los mejores realizados por Ava Gardner, en parte porque la historia de Moira y sus comprtamientos coincidían con el estado anímico que la propia Ava Gardner tenía por aquel entonces. La película inicial duraba tres horas y diez minutos pero los estudios la rebajaron a dos horas y como pasa con grandes películas, la versión de cine de dos horas se hacía mas larga que la de tres y diez. Por ejemplo la versión de tres horas de "Bailando con lobos" se hace más larga que la versión original de cuatro horas. Y es que muchas veces ser corta el ritmo con la supresión de escenas por el motivos que sea.

El uso de la canción folclórica "Waltzing Matilda" es muy acertado pues te hace sentir junto con las imágenes reales grabadas en Australia de que estás en ese país donde esa canción es la más apreciada y la que está más intrínsicamente arraigada en Australia. También está muy acertado el haber escogido el blanco y negro para el rodaje de los últimos y tristes días de la humanidad. En color no su hubiera conseguido resaltar correctamente el estado de ánimo de una población entera que sabe con antelación que ha de morir inexorablemente. Las interpretaciones de Gregory Peck, Ava Gardner, Anthony Perkins y un Fred Astair que no canta ni baila en esta ocasión, son excelentes.

"Gusnmoke", traducida en la versión que vi por la televisión como "Humo de revólver", es una película sencilla del genero "western" prácticamente desconocida dirigida por Nathan Juran que fue codirector artístico en la oscarizada "Que verde era mi valle" de John Ford de 1942. Más conocido como director de películas de serie B de ciencia ficción, en 1953 realiza este sencillo western con todas las características del género, sobretodo de aquellos westerns en que parte de la trama consiste en trasladar grandes cantidades de ganado de un lugar a otro y las dificultades halladas en el camino, en este caso provocadas por intereses de un terrateniente. No faltan escenas de pistoleros ni escenas de amor o luchas de conciencia por la amistad o la traición a un amigo. La película se ve con agrado si te gusta el género "western", pero para mi lo más llamativo ha sido el "guiño" que hay a otra película, también del Oeste en su aspecto musical.

Viéndola quedé sorprendido cuando en una secuencia, la actriz Mary Castle, conocida entre otras cosas por su parecido a Rita Hayworth, interpreta el papel de la bailarina-cantante "jefe" del "Saloon" del pueblo y al igual que en "Arizona" ("Destry Rides Again" en su título original), dirigida en 1939 por George Marshall, también la bailarina-cantante "jefe" del "Saloon" del pueblo interpretan la misma canción titulada "See What The Boys in the Back Room Will Have", sólo que en esta ocasión la actriz es Marlene Dietrich que la canta con más "desparpajo" y de manera más "sexy". Me gustó la versión de 1953 de Mary Castle, pero había oído tantas veces la de Marlene Dietrich, que cualquier diferencia me resonaba.

William (Busby) Berkeley fue un famoso director y coreógrafo americano capaz de montar en sus películas musicales unas coreografías nunca vistas hasta el momento que se caracterizaban por contener un número grande de actores con los que formaba figuras geométricas a modo de caleidoscopio muchas veces.

En la película “Los Hijos de la farándula” (Baby’s In Arms” 1939) nos encontramos con Mickey Rooney y su pareja Judy Garland formando un equipo que será dirigido por Berkeley en varias ocasiones. Todas ellas tienen en común el entusiasmo desbordado de Mickey Rooney y la química con su compañera Judy Garland, para llevar a cabo planes para crear empresas en el mundo del espectáculo, pero ésta es la mejor de todas las películas en las que participan en cuando a la gran calidad de los números musicales que interpretan desde el principio hasta el apoteósico final.

En el comienzo se ve como el mundo del vodevil, al que pertenecen toda su familia, está siendo anulado por el gran cambio que supuso la llegada del cine sonoro y todos los hijos de los compañeros, amigos y familia que componen los que fueron grandes actores de la farándula en el pasado, deciden unirse y llevar a los teatros números musicales poderosos y atractivos.

La voz de barítono de Douglas McPhail potencia en gran medida la belleza de los coros de voces de los números musicales, el último de los cuales titulado “God’s Country” (“El país de Dios” = Norteamérica) es de gran atractivo y entusiasmo dejando aparte la ideología americana a ultranza. Todas estas películas terminan con un número musical en el que Mickey Rooney y Judy Garland van a la cabeza de todo el equipo hacia la cámara, se miran mutuamente, vuelven a mirar a la cámara y se termina la película.

Aparte de la música, en todas destaca el tremendo entusiasmo que pone Mickey Rooney en sus interpretaciones y el equilibrio que supone la cara, voz y bailes de su compañera Judy Garland.

Hoy he entendido desde el lado opuesto algo que siempre me ha sorprendido. Cómo películas muy buenas siempre hay alguien que le parece que son malas. Este es el caso de esta película que acabo de ver y que me ha parecido muy buena la primera media hora pero luego, poco a poco ha ido perdiendo interés hasta hacerse soporífera y estar deseando que se acabara.

No me importa que la fotografía sea muy bonita y la banda sonora estupenda si veo que la acción, que dice basarse en hechos reales, está contada de manera absurda, con diálogos vacíos, emociones falsas, aparición y desaparición de la figura de Michael Douglas muy forzadas, situaciones de cacería absurdas, gran despliegue coreográfico con los Masais para matar leones, que luego se van a la primera de cambio.

Me ha parecido un guión desilvanado y flojo con escenas que quieren ser tensas y de terror pero lo que son es excesivamente alargadas y aburridas, con un final feliz que lo único bueno que tiene es que por fin se ha terminado esta aburrida película que había empezado muy bien.

Lo siento, ahora me pasa al revés que en otras ocasiones, cómo puede haber personas que esta película les parezca buena o incluso una obra maestra. Todos los buenos momentos que tiene se estropean por duración excesiva y pérdida de tiempo sin que pase nada.

Película rodada en excelente tecnicolor en Tossa de Mar, Catalunya, España, que, curiosamente, empieza con unos pescadores hablando en catalán sin subtítulos. Hay que decir que lo que pone en la carátula de los DVDs de que surgió una gran amistad entre Ava Gardner y el torero Mario Cabré es totalmente falso. La misma Ava explica en sus memorias lo mal que le llegó a caer esa persona y el mal recuerdo que guarda de él. Basada en una leyenda de un buque fantasma cuyo capitán está condenado de por vida a navegar solo y únicamente cada siete años se le conceden seis meses para desembarcar y si encuentra una mujer que se enamore de él hasta el punto de ser capaz de dar su vida, se terminará la maldición. James Mason interpreta el papel del capitán y Ava Gardner la mujer que, después de enamorar sin hacerles caso a varios hombres, está entre ellos el torero Mario Cabré, que en la película recibe el nombre de Juan Montalvo, pero acabará enamorada del capitán holandés al punto de estar dispuesta a dar su vida por él. El mayor atractivo del film es la interpretación sobria de James Mason pero sobre todo, la impresionante presencia de Ava Gardner. Sólo por verla a ella ya vale la pena su visionado. Se hizo una estatua de bronce de ella que aún se conserva en Tossa de Mar y que ha sido motivo de turismo.

Resulta muy curioso ver un pueblo catalán, claro que en 1950, con banderas españolas recibiendo a su héroe que es el torero Juan Montalvo. El encargado de comprar los toros para la película no entendía del tema y los que compró eran de hastas muy peligrosas, pero Mario Cabré consintió en torear a pesar de todo para demostrar su amor por Ava Gardner. Gran paralelismo con la película en la que en la corrida de toros (realizada en la plaza de Gerona ya que en Tossa no había) también le dedica el toro como Juan Montalvo a Pandora Reynolds, o sea, a Ava Gardner. Esta es la primera película que vemos a Ava asistiendo a una corrida de toros. Aquí le nació el gusto por los mismos y por España que aumentaría al conocer a Ernest Hemingway, aunque ya había participado en una película cuyo inicio se basa en un relato breve de Ernest Hemingway en "Forajidos" The Killers, en el original. Las siguientes películas con toros fueron "Las nieves del Kilimanjaro" y "¡Fiesta!" de Henry King en 1952 y 1957 respectivamente, la primera inspirada en un breve relato de Hemingway y la segunda basada en la obra del mismo título y mismo autor. O sea, en total cuatro películas relacionadas con Ernest Hemingway que, porteriormente serán 5 ya que en "El angel vestido de rojo" de Nunnally Johnson en 1960, con Dick Bogarde y Joseph Cotten, éste representa a Hemingway en la guerra civil española. El gobierno franquista denegó el permiso y se tuvo que rodar en Italia.

Pero volviendo a "Pandora y el holandés errante", pudiéndose considerar que es una película de autor, ya que su director quería presentar su visión personal sobre el amor y la muerte, no fue bien entendida por el público y a la MGM no le gustó, de manera que fue recortada y modificada cuando se estrenó sin gran éxito y no sería sino mucho después cuando se podría ver la versión íntegra que, junto a la maravillosa fotografía en color de Jack Cardiff, hizo que ésta sea considerada una buena película y hoy en día casi de culto para los cinéfilos.