La emoción me embarga de tal manera que no sé ni como empezar esta crítica para que no se convierta en una amalgama de halagos sin sentido ni orden. Así que voy a intentar organizarla un poco, empezando por los datos más técnicos y después añadir las alabanzas.
“Piranha 3D” es un remake libre de la obra de Joe Dante de 1978, también hay que destacar otra obra en la misma línea titulada Piraña 95 que también tomaba como referente esta para enmarcarla en la década de los noventa. Este remake está dirigido por uno de los directores franceses que más han destacado en el género de terror de los últimos años, Alexandre Aja. Aja fue nominado a la Palma de oro en Cannes por uno de sus primeros cortometrajes, pero la fama le llega por la premiadísima obra “Alta tensión”, que arrasa en el Festival de Sitges y causa gran impacto en otros como el Grand Prix of European Fantasy Film in Gold o el Golden Trailer. Esta película francesa se convierte en seguida en un éxito de crítica y un referente para el estilo de terror desarrollado por Wes Craven . El director continúa su filmografía en EEUU, dirigiendo un remake de “Las colinas tienen ojos”, que luego tendrá una secuela titulada en España “El retorno de los malditos” que intenta seguir el estilo de Aja. En el 2007 escribe el guión de “Parking 2” que finalmente dirigirá Franck Khalfoun con el que también participará en otras películas. Su última obra antes de “Piranha 3D” es “Reflejos”, entretenido filme de suspense con fantasmas que pese a ser algo tópico cuenta con increíbles toques de talento tanto en el guión como en la dirección. La gran novedad es que el guión está mucho más centrado en desarrollar al personaje principal y por lo tanto hace crecer la identificación con el espectador.
Tras este pequeño homenaje al director, debo destacar las principales estrellas que participan. La película cuenta con actores como Christopher Lloyd (Regreso al futuro), Richard Dreyfuss (Tiburón, Encuentros en la tercera fase, Always), Eli Roth (Malditos Bastardos), Ving Rhames (Pulp Fiction), Jerry O´Connell (premiado por Cuenta Conmigo), Elisabeth Shue ( El Santo, Desmontando a Harry de Woody Allen, Leaving Las Vegas), Ricardo Chavira (Ganador de dos premios del sindicato de actores) y Dina Meyer (Poodle Springs).
Sigue en SPOILER

La nueva película de Alex de la Iglesia no consigue darnos todo lo que nos había prometido. Igual es culpa de que tras los galardones venecianos se esperaba una obra maestra que analizara las dos Españas. Algo que sí hace, pero la profundidad del análisis queda tristemente empañada por un exceso de violencia que no siempre parece justificada. No quiero decir con todo esto que la película no sea buena, simplemente que no consigue apasionar. Puede ser porque a diferencia de sus otras comedias negras como El día de la bestia o La comunidad, esta tiene demasiado de negra y poco de comedia, o quizá que falta un Alex Angulo de Muertos de risa o un personaje que nos demuestre cierta cordura. Es cierto que la metáfora que quiere transmitir es acerca del circo que supone España y como los dos bandos la atacan a pesar de quererla. Pero no queda claro. Yo, la verdad, soy más optimista con España, soy consciente de que mantiene grandes errores, odios y envidias sin superar, pero muchos de estos son aplicables a otros países. Es cierto que hay mucho
cazurro, lo demuestran la audiencia de Sálvame, los altos índices de descargas ilegales en internet, la tortura de los toros y los nacionalismos, en especial el abertxalismo radical. Pero en España no
todos son "pueblerinos" también hay intelectuales, escritores, directores de cine y grandes hombres en las ciudades que creen en la innovación y el futuro.

"Cocodrilo, un asesino en serie" no es una simple película de cocodrilos, no es para nada Mandíbulas ni La bestia bajo el asfalto, es un relato político de la situación de los países en vías de desarrollo. Gustave sólo es una metáfora de las enfermedades del tercer mundo que el primero no tienen interés en curar, de las mafias que se ayudan de dichos problemas para alcanzar poder, de los señores de la guerra, de la información como una vía posible para luchar contra las injusticias y de cuando los humanos acaban siendo tanto o más animales que los propios depredadores. Esta película también es una película de género, pero no simplifiquemos porque lo que nos quiere contar va mucho más allá de otros productos (que también pueden ser muy defendibles) del género.
La verdad sí me siento obligado a decir que las actuaciones no son muy buenas (Purcell deja mucho que desear, y Jones repite papel) y que el guión podría haber sido muchísimo mejor, especialmente en profundidad, documentación e interés, pero que con todas esta numerosas carencias, el fin que persigue es noble.

La película de Lewis es un fiel retrato a la nostalgia del esfuerzo, de la infancia y del amor. Todo lo que le ocurre parece propio de un buen hombre que sabe alegrarse con las pequeñas cosas de la vida en el mundo de Hollywood dominado por el capital y las marionetas(metáfora infantil incluida)
Realmente divertida y soñadora.

Al nacer, el cine empezó a mirar. Poco a poco, como sucede con las personas, fue aprendiendo y pasó de alumno a profesor, desarrollando un modo de observar propio. De esta forma, las películas dejaron simplemente de mirar para pasar a enseñar a ver y a lograr que el ser humano, preso en una rutina de competición agresiva y cruel, pudiera comprender el significado de los silencios.

Muchos me dirán que no todo el cine es así y que examine la mayor parte de las películas estrenadas en las carteleras. Si bien esto es cierto, eso no modifica el significado del arte. Hay personas que mantendrán que no todo el cine es arte y otras preferirán pensar que todo el cine es arte pero que no todas las películas son cine. No tengo el objetivo de responder a esta disyuntiva en este artículo, sino de valorar el cine que sí nos ayuda a comprender mejor nuestro entorno y a nosotros mismos. En concreto, pienso que una de las obras actuales que mejor representa este espíritu es El hijo, de Jean-Pierre y Luc Dardenne. El filme de estos hermanos belgas se estrenó en 2002, año en el que fue presentada y reconocida en Cannes.

La historia que nos cuentan los Dadenne se centra en Olivier, un monitor de carpintería que inicia en el oficio a jóvenes problemáticos. Olivier vive en ese espacio, fuera de él ya no existe nada. Su vida cambia cuando se incorpora a sus clases un nuevo chico, Francis. Él no sabe que hundió la vida del que ahora es su profesor y con el que cree estar estableciendo una extraña relación de amistad. Lo que podría haberse convertido en una historia de venganza es un descenso a los infiernos mucho más doloroso, en el que dos personas enfrentadas se van conociendo.

En definitiva, lo que vemos en El hijo muestra ese avance en la manera en la que hoy es capaz de mirar el cine. Las películas han conseguido convertirse en profesores gracias a saber mirar donde ya nadie lo hacia, dentro de las personas. El modelo en el que vivimos no desea que el arte enseñe al ser humano a sentirse responsable de algo más que su función diaria en la gran cadena que ha creado el capitalismo. El orden impuesto marca unas directrices basadas en trabajo y evasión. No hay más, no hay momentos de diálogo, de desarrollo de alternativas o de reflexión. Por eso, es tan importante el cine. Es uno de los últimos recursos que nos quedan para decirle al ciudadano que no está solo en el mundo, que todo tiene una implicación y que no se deje seducir por ese sistema que le esclaviza la mitad del día y le da ‘pan y circo’ para que se mantenga adormilado y callado el resto de la jornada.