Parece que los documentales están en una etapa dorada, tanto de calidad como, y esto es lo extraño, de éxito de audiencia. Si el año pasado fue Searching for Sugar Man, el 2013 ha sido el año de The act of killing de Joshua Oppenheimer y Christine Cynn. El documental, producido entre otros por Werner Herzog, aborda el tema del golpe militar en Indonesia en 1965. El resultado del golpe fue una dictadura militar que exterminó a millones de “comunistas”. La característica diferencial de este genocidio es que los militares se valieron de gansters y organismos civiles armados para desarrollar esta matanza.

Increíblemente, en Indonesia desde entonces, ser un ganster no solo está bien visto, sino que el propio vicepresidente expresa en sus discursos que al país lo que le falta son más gansters. Debido a que estos matones exterminaron a los comunistas, ser un ganster se ha convertido en sinónimo de hombre libre y, por lo tanto, contrario a los comunistas.

El documental se construye a través de la figura de uno de esos asesinos, llamado Anwar Congo, autor de nada menos que mil muertes. El mafioso, hombre simpático, fan del cine Hollywoodiense, del baile y cariñoso abuelo, es un héroe nacional. Junto a sus amigos de exterminio y con ayuda del gobierno está realizando una película conmemorativa de las matanzas. A través de entrevistas relatadas por sus propios protagonistas y de escenas del rodaje de ese film conmemorativo, donde se recrean los asesinatos y torturas, se arbola The act of killing.

El documental, es como sus protagonistas, de difícil interpretación y complejos sentimientos. Hay escenas de humor e imágenes bellamente surrealistas combinadas con testimonios brutalmente veraces. La película, además de relatar los hechos, intenta profundizar sobre el acto de matar, como su título indica. Cuando asesinar no tiene castigo legal ¿el autor es perjudicado de alguna forma? Si tienes la total convicción de que matar a esa persona está bien, ¿sientes algún remordimiento al hacerlo?

Los propios protagonistas conversan entre ellos, con muchas risas y algunas lágrimas, de sus experiencias. Algunos siguen creyendo que los comunistas merecían morir, otros saben que, aunque en ese momento lo creían, no era cierto. Unos tienen pesadillas, otros van al psicólogo y otros no sienten absolutamente nada porque, no lo olvidemos, ser un gánster está recomendado en Indonesia y ese era, simplemente, su trabajo.

Es increíble ver la verdad que desprende este film, extraordinario ver, cual conversación de bar, como relatan que violaban a toda chica que encontraban, coincidiendo todos en que las de catorce años son las mejores. Oír sus métodos para ahorrar manchar todo de sangre y, después, ver como bailan y tocan la guitarra. Asombroso ver cómo se divierten y cantan después de recrear como mataron a miles, porque, aunque de distintas formas, todos han seguido con sus largas y felices vidas. Los crímenes de guerra los definen los ganadores y ellos lo son. Su único castigo puede ser su propia conciencia, pero, ¿estando educados para no tener, finalmente la tienen?

En la última maravillosa media hora del documental, después de ver escenas de esa surrealista e increíble película conmemorativa, empezaran a desvelarse los sentimientos más ocultos de lo que significa matar. Sin accesorios, ni leyes, ni penas, ni obligaciones, sino, lo que significa acabar con la vida de otra persona en el cuerpo y la mente de uno mismo. Los testimonios, absolutamente naturales y despreocupados, son lo más chocante de este film que, además, goza de bellas e increíblemente humorísticas imágenes.

No se pierdan este documental, nominado al Oscar y ganador de numerosos y merecidos premios. The act of killing es una de las cosas más únicas y reveladoras del cine reciente, tan real que parece inventado, sobre la maldad y la conciencia de las personas, por encima de leyes o ideologías.

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Her es la nueva película del original Spike Jonze. Esta historia de amor, ambientada en un futuro cercano es, sin duda, una de las propuestas más originales del año. Ganadora de numerosos premios, entre ellos el de mejor guión en innumerables galas.

La nombrada mejor película del año por la Asociación de Críticos Norteamericanos y de Críticos de Los Angeles es, sin discusión, la película más redonda hasta la fecha de Spike Jonze. Al autor, un director con gran capacidad y sin duda mucho talento, siempre le han criticado su gran irregularidad. Su forma de dirigir, heredera de su etapa de cortometrajista y de su labor en los viodeoclips, daba resultados interesantes pero que no se mantenían sin bajones más de diez minutos a pesar del talento que residía en ellos.
Sin embargo, con Her muestra su madurez. Por primera vez en Spike Jonze, la película, aunque no es perfecta, no es irregular y el interés aumenta conforme avanza la historia. El film, también escrito por Jonze, cuenta la historia de amor entre Theodore (JoaquinPhoneix) y Samantha (Scarlett Johansson). El solitario Theodore, cuyo aspecto parece alzarse como un alter ego del propio Spike Jonze, está deprimido y en pleno proceso de divorcio de su mujer. Trabaja en un curioso negocio de cartas por encargo donde es todo un poeta. Un día, encarga el nuevo modelo de sistema operativo, más inteligente que nunca e increíblemente divertido. Este SO se llama Samantha y establecerá una relación “amorosa” con el protagonista.

La historia, una clara reflexión sobre la tecnologización del proceso amoroso intenta reflexionar sobre si este amor es posible y sobre todo, si puede ser real. Joaquin Phoenix, uno de los grandes de la interpretación actual, vuelve a regalar una interpretación magistral, creando un personaje profundo y sensible que desprende sinceridad y crea un gran vínculo con el espectador, todo un libro abierto de emociones. El otro punto clave de la película es Scarlett Johansson, que solo aparece como voz. Su interpretación, totalmente sonora, y por lo tanto inédita con el doblaje, es un ejemplo de naturalidad, seducción y espontaneidad. El reparto es completado por Amy Adams, Olivia Wilde y Rooney Mara, que cumplen excelentemente sus papeles.

De una forma fresca y singular, la película trata el amor de una manera única que emocionará a los románticos y no desesperará a los más cínicos y pesimistas sobre ese eterno tema. Fresca, emotiva y con muy buena música, la película de Jonze, como sucedía en I’m here, se convierte en un fresco del día a día y la evolución de sentimientos en una relación de pareja. Las conversaciones y las situaciones vividas en la evolución de este singular emparejamiento se retratan con poesía, belleza y música pero también con gran veracidad sin olvidar el sentido del humor y los pequeños momentos divertidos que hacen la vida. Por eso, es importante ver Her, porque en esta película hay más verdad e inteligente reflexión sobre el amor que en todas las deplorables comedias románticas que llenan los cines y los televisores cada día. Un final muy adecuado y sin duda muy inteligente cierra este relato sobre la soledad y el miedo a uno mismo en las relaciones sociales; sobre la tecnología y la sociedad, sobre los prejuicios, el odio, el pasado, los recuerdos y, por encima de todos ellos, el amor.

Una película original, conmovedora, especial, bella y que desprende sinceridad y pasión del autor en ella. Eso es Her, una película sobre el amor, una película sobre conectar.

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De los creadores de Lluvia de albóndigas llega LEGO, la película. Se podría esperar que una película de una marca de juguetes solo crearía una obra simplemente entretenida, destinada al público infantil, y que tuviese como objetivo único el conseguir que esas jóvenes mentes les pidiesen a sus padres sus propios legos al terminar el film. Pues no, esta película de animación para todas las edades, no es solo una de las críticas más sencillas, y por ello, más lúcida, al capitalismo y a su forma de unificar y normalizar a la sociedad en una masa uniforme, seguidora de modas y marcas, sino que además es una gran película.
Esta historia se sitúa por completo en un genialmente recreado universo LEGO, salvo alguna excepción que nos remite a películas como Matrix o El show de Truman. Cuenta la historia de Emmet, un chico normal que será tomado por el elegido para salvar el mundo. Tendrá que enfrentarse a Megamalo, un ser cuyo único objetivo es normalizarlo todo. Con la ayuda de los maestros constructores (los únicos capaces de pensar por sí mismos, en donde se encuentran las personas más creativas y relevantes de todos los tiempos, reales o ficticias) Emmet y la chica de la película, Super Cool, intentaran impedir que Megamalo lleve a cabo su plan definitivo.

Hablando de la película como blockbuster de animación destinada a un público masivo, lo primero es decir que la experiencia en sala es francamente genial. Es divertida en todo momento y su recreación de un mundo de LEGO está llena de detalles. El humor, muchas veces genialmente absurdo, no falta en ningún momento. Pero sobretodo, son los personajes secundarios los que hacen que la historia y el entretenimiento no decaigan ni un minuto. El poli malo bipolar es un enemigo genial para un equipo en donde vemos a un ilusionado astronauta, a un pirata a lo transformer, a Gandalf, Superman, Linterna Verde, Wonderwoman, Shakespeare y hasta a Milhouse. Por encima de todos ellos destaca Batman, más divertido que nunca y digno de un spin-off propio.

Además del entretenimiento de la película, que funciona también en adultos y que contentará a los fans del blockbuster como pocos films, La LEGO película tiene mucha inteligencia. A pesar de estar dirigida a un público infantil y de estar al servicio de una empresa internacional de juguetes, el film se atreve a jugar con los símiles del mundo real llevados al mundo LEGO y ridiculizarlos sin ningún miramiento. No solo se critica al Starbucks, a la canción de moda dictada por los medios, etc, sino también al sistema político democrático que actúa de manera dictatorial, en la sombra, haciéndonos creer ser participes de una libertad que, en realidad, está totalmente controlada. El mundo LEGO, como el mundo real, está falto de creativos y lleno de gente rutinaria, y como para el mundo real, su única esperanza son esos marginados y extraños seres llamados creadores, gente que aún piensa por sí misma.

Además, la película corona su mensaje con una bella enseñanza que esperemos que cale muy hondo en su público, tanto infantil como adulto. Los adultos, a veces, metidos en la rutina del trabajo y la vida “responsable”, nos olvidamos de cómo era cuando éramos imaginativos y creativos, como era cuando éramos niños. Todas las personas con su nombre grabado en la historia, como los maestros constructores de la película, han sido gente que, en su época, veía lo que nadie veía y que pensaba lo que otros nunca pensarían, hombres y mujeres que, en definitiva, fueron niños más tiempo de la cuenta.

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Con la etiqueta de haber ganado el Gran Premio del Jurado en el último Festival de Berlín, el último trabajo de Wes Anderson ha llegado a nuestras pantallas. El realizador texano, uno de los grandes de los últimos años, ha realizado la que es, sin duda, su película más ambiciosa. Para ello, ha utilizado todas sus conocidas características y las ha llevado hasta sus propios límites.

El Gran Hotel de Budapest nos narra la historia de un aprendiz de portero en el citado hotel, interpretado por el debutante Ton Revolori. Su maestro es Gustave H., interpretado por un magistral Ralph Fiennes, alma absoluta del hotel y de la película. Con una estructura de absoluta caja rusa, Anderson llega hasta el nivel más bajo, en donde sucede la historia antigua del hotel, la de su esplendor. En esa época veremos como Zero, el aprendiz, seguirá a su maestro Gustave H. con una obediencia absoluta. El personaje de Gustave H. es un elegante, histriónico y amanerado encargado del hotel, conquistador de ancianas ricas que desarrollará una fuerte amistad con su aprendiz. A raíz de la herencia de una de las ancianas, Gustave H. será acusado de asesinato y él y Zero vivirán todo tipo de situaciones inimaginables a raíz de ello. Por supuesto, la película tiene un reparto mucho más extenso en donde destacan Adrien Brody, William Dafoe, Jude Law, Edward Norton o Harvey Keitel. Pero además de nuestros dos protagonistas, que están excelentes, destaca la presencia de Saoirse Ronan, la enamorada de Zero. Las demás estrellas anunciadas en el cartel cuentan sus apariciones por simples cameos.

El film, de una belleza apabullante, con una dirección artística absolutamente descomunal y un diseño perfecto vuelve a confirmar a Wes Anderson como uno de los directores más interesantes de la actualidad. Sus planos simétricos, su cuidada fotografía y sus situaciones teatrales convierten a este gigantesco hotel en una casa de muñecas abierta para el espectador. Es destacable la unidad visual que mantiene todo el film, a pesar de los cambios de formato de la imagen, que se ajustan de distinta forma según la época a la que suceda la secuencia.

La película, aunque está contado en clave de comedia contiene mucho humor negro, ciertos toques de brutalidad y dosis de sorpresa. Mezclando géneros tan dispares como el carcelario, el amoroso o el de investigación, Anderson nos cuenta una forma de vivir y de pensar, cristalizada en el personaje de Ralph Fiennes que parece encantarle. Se nos remite a una época y una forma de vida en donde importaba la elegancia, los modales, el perfume, el encanto y la buena conversación por encima de la inminente guerra.

Estamos sin duda ante el film más ambicioso y mejor realizado de Anderson. Una historia compleja, narrada de forma perfecta, una gran unión de personajes con un arqueotipo muy determinado pero, con un fondo inmenso y además con la ambientación más poderosa.

Sin embargo, a pesar de ser muy superior a Academia Rushmore o Los Tenembaums: una familia de genios, su excelencia formal y narrativa no alcanza la emoción que provocaban sus dos obras anteriores, Moonrise Kingdom y Fantastico señor Fox .Tampoco ayuda a ello la ligereza del final.

Estamos ante una película que, aunque puede dejar frio en cierto modo al público, no deja de ser deliciosa, inteligente, única y muy disfrutable. Con un Ralph Fiennes genial y varios giros que nos dejarán boquiabiertos Wes Anderson se asegura con esta película un puesto en las primeras posiciones de la lista de mejores películas de este recién comenzado año cinematográfico.

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Después de un preestreno absolutamente gratis, el segundo largometraje de Paco León ya está en nuestros cines de forma corriente y llega después de ganar en el Festival de Málaga el premio al Mejor guión y Mejor actriz secundaria. El director nos trae la segunda parte de la historia de Carmina y lo hace, de nuevo, con mucho humor negro e inteligencia.

Al contrario que Carmina o revienta, esta segunda parte ya no está estructurada en forma de falso documental, sino de pura comedia costumbrista. El aumento del presupuesto también se hace evidente en una historia más larga y ambiciosa, con más personajes y escenarios pero manteniendo el carácter de película independiente, en el mejor sentido de la palabra, totalmente intacto. Esta vez Carmina, interpretada por Carmina Barrios, madre del director deberá ocultar la muerte de su marido todo un fin de semana para cobrar la paga extraordinaria. Le ayudará su hija, María León, hermana del director. También, volverán a repetir personajes como la amiga de la reina y aparecerán otros en forma de pintorescos vecinos y amigos de Carmina.

Da gusto ver como en alguien que uno considera un buen actor cómico, encima encasillado en un papel de exyonki retrasado se escondía alguien tan astuto e inteligente, capaz de devolver la comedia española a sus características más grandes. Si el gran cine español ha tenido un rasgo común ese siempre ha sido el humor negro, apoyado además en el costumbrismo o folklore nacional, que se lo digan sino al gran Berlanga. Muchos parecen no querer acordarse de esto y se centran en un humor simplemente grosero y deplorable sin ningún ingenio y gracia para conseguir cierta taquilla, imitando además, al cine americano de consumo para adolescentes en busca de pechos en pantalla.

Paco León, en su paso a la dirección, pasa de todo eso, intenta resucitar el humor negro, el espíritu de las grandes comedias españolas, de los guiones de Rafael Azcona, de El pisito, El verdugo o Placido. Además de crecer como director en cuanto a estética y variedad temática, Paco León también muestra su evolución como guionista incluyendo muchísima situaciones y personajes cada vez más histriónicos, guardándose un buen cartucho para el final. Todo ello lo hace acompañado de su madre, una actriz como la copa de un pino, todo un personajazo que solo su hijo conocía y de buena gana comparte y explota, cámara mediante, para el mundo. Como habla, como mira, como se mueve, como simplemente está y, sobretodo, como calla Carmina barrios sigue siendo un espectáculo. María león, por su parte, también sigue demostrando su futuro como actriz con otra buena actuación.

Sin embargo, juega en contra de la película que la sorpresa por ese humor, ese personaje principal, esa habla y ese estilo ya no existe al tratarse de una segunda parte por lo que se sale del cine menos impresionado que la primera vez. Me decepcionaría si Paco León dejará una tercera parte de Carmina, ha demostrado más inteligencia.

Carmina o revienta, Carmina y Amén, dos de las mejores y más inteligentes comedias del cine español en mucho tiempo. Porque otro cine español es posible. Con poco dinero, mucho humor negro, personalidad y autentica consciencia de su país y su cine, Paco León y su Carmina significan sin duda un brote verde en el cine nacional.

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