Como en la escritura, en el cine hay dos grandes vertientes: la ficción, que equivaldría a la narrativa (novelas y cuentos) y por otra, los documentales, que en la escritura se asemejan a los ensayos. En esta comparación notamos una ausencia significativa: ¿Dónde queda la poesia?
To the moon forma parte magistral del escaso género de la poesia cinematográfica. Una Oda-collage muy potente que nos muestra esa libertad creativa para la cual, de momento, no hay demasiados espectadores capacitados: No hay acción, solo rotación -lunar y humana-. No hay ficción, solo momentos. Las estaciones de la vida, de la humanidad. Por semejanza de los astros, también nos recuerda los efectos de las fases solares: verano, otoño, invierno, primavera.

De una extrema belleza plástica y de una poética indiscutible, ‘To the Moon’ es una muestra de los significados que los humanos damos a este astro, a su luz y todo aquello que recibimos de él.
Es un retrato ‘ordenado’ de la vida en la tierra bajo los efectos de la luz de la luna. Una trayectoria emocional en ocho fases. Es la designada ‘lunación’ con sus desequilibrios entre oscuridad y luz, entre negro y blanco; entre las tinieblas de la muerte y la luminosa vida; entre las fases negativas de creciente sombra i la fases positivas de luz creciente.

Finalmente se concreta en nueve partes que estructuran la película. La novena cierra el ciclo con el eclipse de la luna llena:

1. Luna llena. Full moon.
“Poque la luna se siente amada”. ‘Because the moon feels loved…’
Muestra la plenitud que la luna alcanza y que lleva, con su luz, a la tierra. Plenitud que en la tierra, es la unión, por amor, entre dos seres. Bajo su luz, las parejas se encuentran, se acarician, se abrazan, se besan y juntas se dirigen hacia la luna.

2. Gibosa menguante. Waning gibbous.
“Porque está sola en el cielo, siempre sola…”. ‘Because it is alone in the sky, always alone…’
Se rompe la plenitud y se abre paso la oscuridad, la rendija por donde llegan la soledad y la añoranza que pueden llevar hacia la locura.

3. Cuarto menguante. Last quarter.
“Pico de la luna”. “Loom of the moon”
La luna, poderosa, produce efectos sobre la tierra, como las mareas… y mucho más. En el fondo la luna rige la vida y es fuente de ella. Textos de William Shakespeare, James Joyce…

4. Luna menguante. Waning crescent.
“El hombre lobo encuentra la puerta de la casa abierta” The werewolf finds the house door open … Cuando domina la oscuridad, la superstición, la brujería, los monstruos y fantasmas aparecen. Momento de tinieblas, de ritos de adoración y finalmente de muerte.

5. Luna nueva. New moon.
“la bajamar ha llegado a mi”. ‘Ebb tide has come to me ‘.
Sin la luz de la luna no hay vida, la tierra queda viuda. Los espíritus huyen de los cuerpos. En ese invierno de oscuridad, es la muerte quien se expande. Los cadáveres habitan los cementerios. Nosotros morimos mientras ella sigue inmutable vagando por los siglos.

6. Luna creciente.
“Déjame empezar de nuevo” ‘Let me begin again’.
Reaparece la luz de la luna y con ella renace la esperanza, la luz y se vuelve a iniciar el ciclo de la vida. Una cigüeña nos lo indica. Como en primavera, las plantas florecen, la vida despierta, nace la esperanza. Los niños junto a las flores protagonizan la alegría de la luna creciente.

7. Cuarto creciente. First quarter.
Parte de un sueño que estaba teniendo la luna”. ‘Part of a dream the moonlight was having…‘
Crecen flores e hijos. Dominan fantasías y sueños.

8. Gibosa creciente. Waxing gibbous.
“La luna es nuestra” The moon is ours.
Momentos de esplendor donde el hombre se apropia del mundo y también de la luna. Y a su vez, la luz de la luna se apropia de la tierra que ilumina. Tierra que pasa a ser un satélite suyo.

9. Luna llena. “Fragmento de tierra” nos muestra el observatorio del hombre (del sultán Jai Singh en Jaipur, Delhi). Los eclipses en que la tierra -proyectando su sombra- apaga la luz de la luna, y por lo tanto, una tierra que se dirige hacia la oscuridad, hacia la extinción de la vida.

Vemos pues como las emociones, los estados de ánimo y de la vida misma, en relación con la luz de la luna son los conductores para entender las distintas fases del pequeño astro.

Película realizada principalmente a partir de más de cien fragmentos hallados en los archivos cinematográficos mas importantes del mundo entero, mezcladas con filmaciones originales en 16mm de paisajes naturales, marítimos y terrestres (filmados por los cinco continentes) bañados por la luz la luna. Imágenes de una gran belleza. La obra se completa con una espléndida y exquisita banda sonora con fragmentos poéticos sobre la luna extraídos de toda la literatura universal: ‘Palimpsest’ de la poeta Jennifer Foerster (2018), ‘Clair de Lune’ de Guy de Maupassant (1884), ‘The house of breath’ de William Goyen (1949), ‘En attendant Godot’ y ‘ Molloy’ de Samuel Beckett (1951), ‘Extracción de la piedra de la locura’ de Alejandra Pizarnik, “Ulysses”(1922) de James Joyce, “The tempest” y “King Lear” de William Shakespeare, Cuento de hombre lobo recopilado por Christina Tudor-Sideri en el pueblo de Frumoasa situado al este de Transilvania (Rumanía), “Elegy of the forest” (1993) Wisar Zhiti, “Concerning the face which appears in the orb of the moon” de Plutarco, traducido por Harold Cherniss WC Helmblod (1957), ‘Anothe Couple of drunks” (1951) de Clarice Lispector, traducida por Katrina Dodson, “Let me begin again “ (1984) de Philip Levine, “Lunalae”(2019) de Doireann Ní Ghríofa (2019), “The Moonlight’s Dream” (1977-1980) de Robert Penn Warren, “Berlin Childhood Around 1900” de Walter Benjamin, “Los hermanos Karamazov” (1880) de Fyodor Dostoevsky. Y piezas de música también dedicadas a la luna en las que no me extenderé.

To the Moon recorre ligeramente las edades y las ideas que las personas han extraído de la luna para meditar sobre la frágil y fugaz naturaleza de la humanidad.

Los hermanos Oligor, con su fascinante espectáculo “Las Tribulaciones de Virginia” nos mueven hacia un microcosmos sensible, delicado, tierno, que conecta con nuestro niño interior, con nuestros sentimientos más puros y que nos traslada al mundo de los sueños con total sinceridad. Los hermanos Oligor construyen un auténtico espectáculo sobre el amor más frágil. Magia sin truco, que nos permite lo que parece imposible: recuperar la inocencia.

Hacer con casi nada, un mundo nuevo, distinto, es sencillamente genial, todo lo contrario a la mediocridad a la que estamos acostumbrados en el “gran cine” de Hollywood: Un presupuesto descomunal para conquistar la taquilla con esos llamativos super-espectáculos vacíos de contenido y sin tener nada auténtico que transmitir.

Al ver los hermanos Oligor no pude evitar un recorrido por parte de esa magia y fantasía que en algún momento de la vida destapó de nuevo mi inocencia. Inocencia que no se pierde nunca, solo se sepulta. Como nos cuenta Jomi Oligor “la mediocridad se instala cuando menos te lo esperas” y va formando duras capas sobre nuestro niño interior.

Mi recorrido empieza en 1970 cuando un niño llamado Federico intenta recuperar sus sueños: Su deseo de hacer renacer el circo, resulta ya imposible, pero, al menos, deja constancia de la magia de ese espectáculo. Un gran homenaje a los pallasos de su infancia Los Clowns (1970) de Federico Fellini es un raro film, personal e inclasificable, que contiene la esencia de sus sueños; su ventana a la fantasía. Sin duda, su film más auténtico.

Sigue en el recorrido, para quienes les encante hacer algo de cualquier cosa, un sorprendente mundo de carruseles: la Fabuloserie, musée d’art brut en Dicy, al sur de París. Posiblemente el mundo de fantasía en miniatura más complejo jamás construido por un hombre, le Petit Pierre, Pierre Avezard.
Existe una película del cineasta francés Emmanuel Clot (1951-1983), colaborador de Francoise Truffaut, de unos ocho minutos de duración que en 1980 ganó el premio Cesar al mejor cortometraje documental (sin ficha en filmaffinity)

Los amantes de lo frágil y efímero, admiradores de la delicadeza de lo hecho con casi nada, en filmaffinity tienen El círco de Calder (1961) de Carlos Vilardebó, documental sobre el circo que hizo Alexander Calder en el París de 1926 a 1931, ayudado por su mujer, Louisa James. Vilardebó filmó varios cortos sobre el circo de Calder.
El Whitney Museum of American Art de Nueva York tiene las figuras del Calder Circus en una sala de su exposición permanente donde se proyectan las filmaciones de Vilardebó.


Con Los Clowns (1970) de Federico Fellini, la Fabuloserie en Dicy de le Petit Pierre (1977-1980), y el Circo de Alexander Calder (1927) terminamos el recorrido por ese círculo de mi imaginación. Circo donde en el centro sitúo ahora a los hermanos Oligor, porque ellos han ido más allá de la mecánica de la fantasía y han centrado el espectáculo en las emociones humanas. Con sinceridad, delicadeza y valentía entran en la intimidad del ser humano, en lo que llevamos dentro, enterrado por la mediocridad.
No nos perdamos su fascinación por la vida y el amor.

En el fondo esta película, como tantas otras, queda dentro del más clásico paradigma del cine de Hollywood: Los hombres buenos ganan, los hombres malos pierden. Los que defienden el orden y la ley son altos, guapos inteligentes y valientes.... los malos, todo lo contrario. Ninguna duda. Cosa que la convierte en fácil de ver y comprender para todos los públicos. Simple y previsible. Ninguna aportación a destacar.

La historia se desarrolla en el tiempo anterior a la llegada, en el tren de las doce, del asesino Frank Miller (Ian MacDonald) que viene al pequeño pueblo de Hadleyville para matar al Sheriff Will Kane (Gary Cooper). La tensión de la espera; ese tiempo en que el narra la convulsión que se produce en el pueblo al recibir la noticia (los malos renuncian al efecto sorpresa). Los infructuosos intentos del Sheriff de reunir a personas dispuestas a defender el orden y la ley recuerdan las estructuras narrativas de los cuentos infantiles: Este no quiere, este tampoco, el siguiente menos, el otro no puede y a seguir buscando. En esta fase la película nos arenga sobre la valentía y la cobardía de los seres humanos, la lealtad y la amistad. Así el encuentro en la Iglesia permite exponer las visiones y los miedos de los habitantes del pueblo. La gente pone excusas porque en el fondo, ya sabemos, tienen miedo y evitan morir.

La acción solo se producirá, tras larga espera, en los minutos finales de la película. El enfrentamiento empieza con la bajada del tren de Frank Miller a hacia el minuto 72 de 85. Y de una forma poco brillante, técnica y narrativamente, se produce el enfrentamiento. Recordar aquel fallo de sonido de los tres disparos iniciales. ¿Fallo técnico o narrativo?

No me sirve un producto realizado por una industria con el propósito de entretener, en el que matar gente sea la principal diversión del espectador, por muy sazonado que se presente.

´Double Indemnity’ (conocida como ‘Pacto de sangre’) es una novela negra del escritor James M. Cain publicada por primera vez en Liberty Magazine en 1936, después de su polémica primera novela: ‘El cartero siempre llama dos veces’ (1934).

´Double Indemnity’ (conocida como ‘Perdición’) es también el film de cine negro del director Billy Wilder estrenada en 1944, adaptación de la novela homónima de James M. Cain.

Sin embargo cuando aparece esa recurrente voz en off que nos explica lo que está pasando (para que nadie se pierda) parece que te están leyendo alguna novela de Raymond Chandler. Y cuando escuchas "¡Adiós, nena!" es inevitable pensar en Philip Marlowe...

No se trata de casualidades, o imitaciones, Raymond Chandler, junto Billy Wilder, fue el guionista del film, impregnándolo de su peculiar estilo.

Esta primera incursión en el cine negro de Willy Wilder, resulta, pues, como las novelas negras de James M. Cain i Raymond Chandler que se leen casi sin respirar, un entretenimiento excelente, perfecto, pero poco más.


Los perfiles psicológicos de los personajes, como pasa en las novelas negras, resultan sin casi relieve: flojos, superficiales, tópicos, estereotipados...con la consistencia justa para no perder la verisimilitud del gran público.

Más allá de algunas frases ingeniosas y unos buenos momentos de entretenimiento ¿Que mensajes nos transmite el film?¿Que reflexiones nos plantea? ¿Qué emociones nos activa? ¿Cómo nos unimos emocionalmente a la película? ¿Cuales son sus aportaciones al cine? ¿En que sentido resulta innovador?

En estos momentos no sabría escojer si se trata de una película redonda o una película vacía.

En el mismo 2020, año de la pandemia en que estuvimos encerrados en casa, aparecen distintos filmes 'crudos', que muestran la vida asocial en plena naturaleza:

En 'A Shape of Things to Come' de Lisa Malloy, J.P. Sniadecki nos cuenta la vida de un hombre solitario en el desierto de Sonora entre Estados Unidos y México.

'Acasa, my home' de Radu Ciorniciuc situada en Bucarest, es la historia de una pareja y sus nueve hijos que viven en los humedales i ciénagas del Văcărești, un entorno natural olvidado en el centro de Bucarest!

La adecuación del parque Văcărești, significa por un lado la recuparación para la ciudad del espacio natural más importante de la ciudad y por otra, la extinción del hábitat de la familia Enache, y el comienzo de su dura transición, sin certezas ni seguridad.

Cerca del parque Tineretuluiy, ahora el nuevo parque Natural Văcărești queda bien delimitado por las edificaciones comerciales del Sun Plaza, donde hallamos el Kentucky Fried Chicken en Șoseaua Olteniței 85, o el Leroy Merlin en Calea Văcărești 391 y otros muchos establecimientos de un Bucarest tan internacional como cualquier otra capital europea que devora lo propio para mostrar lo ajeno.