"Víctima de Guerra" es una de esas películas que no llegan a nuestras salas, que no cuentan ni con una promoción adecuada, ni con una distribución suficiente, para acercar su historia al espectador. Una película que para poder disfrutar hay que recorrerse los videoclubs, donde llegará aleatoriamente, o tener suerte en la programación de alguna filmoteca. Y es que resulta curioso observar como las distribuidoras provocan que el público, en general, se acostumbre a mirar cine con sangre a borbotones, cuerpos despedazados, amenazas letales…, y luego les resulte incómodo distribuir historias que cuentan eso mismo desde una realidad casi documental. Y más curioso es ver como el mismo público que se regodea con escenas de crímenes híperviolentos, o agresiones sexuales, se declara “impresionable” cuando ven títulos como el aquí comentado.

Con "Víctima de Guerra" el polaco Tomasz Wiszniewski consiguió una película fuerte y lograda, con una evidente pero tremenda propuesta de denuncia social, en la que quedan clarísimas las nocivas consecuencias de la guerra y los diversos efectos que trae un conflicto bélico. Una película que muestra una realidad cruel e injusta para los más débiles, que pone en evidencia la brutalidad fomentada por los encaramados al poder, sugiriendo las implicaciones de la intervención “liberal” en los países devastados por la miseria y el despotismo local, y denunciando la indiferencia y pasividad de quienes quieren vivir ajenos a la realidad pero sacando provecho de su lado oscuro.

Por su trayectoria es de esos “films malditos”, cuya calidad le llevará a convertirse en obra de culto, pero que a la mayoría del público le es esquivo, por lo que su duración en la cartelera tendrá los días contado, y de momento sólo podrá degustarse recorriendo bibliotecas o en cualquier canal de TV en un horario imposible. Esperemos que con el tiempo termine revelándose como lo que es, uno de los mejores y más demoledores dramas sobre la guerra que se hayan realizado en este nuevo milenio.

Film sencillo e idealista que nos muestra el mundo que podría ser y que el “incuestionable” razonamiento moderno no permite. Una reflexión sobre la dictadura del dinero, la contaminación, el consumismo, las jefaturas…, narrado en clave de comedia de ciencia ficción sin necesidad de estridencias. Coline Serreau ("Caos" -2001-, "Solutions locales pour un désordre global" -2010-) buscó un futuro ideal en valores, organización y forma de relacionarnos, y le salió una sociedad libertaria. No se lió con elaborados discursos teóricos (el espectador, en este sentido, llega a las mismas conclusiones sin necesidad de que se las remarquen, lo que es de agradecer), adoptando un tono de comedia (por momentos infantil) que le permite alejarse de las pretensiones intelectualizadoras en las que otros hubiesen caído.

Puede que parezca ligera e intrascendente pero tras ese envoltorio consigue que su discurso se haga más asequible desarmando las resistencias a cuestionar la importancia real de las cosas, los valores que hemos adoptado por inercia, y el empeño en resignarnos a ver un futuro cada vez más deshumanizado.

"El planeta libre" pasó desapercibida tras su estreno, ha sido gracias al boca a boca (y a la cinefilia de internet) que ha podido ser recuperada, convirtiéndose en la actualidad en un referente para todo aquel que guste del cine comprometido, con mensaje y entretenido.

Estrenada con expectación en el Festival de Cine de San Sebastián del 2006, y nominada a los Goya como mejor documental, “Lucio” nos narra la vida de Lucio Urtubia Jiménez, activista libertario que desde los 17 años estuvo envuelto en múltiples actividades subversivas (contrabando, atracos a entidades bancarias, secuestros, falsificación de documentos), viviendo bajo ordenes de búsqueda y captura de tribunales internacionales (hasta en cinco ocasiones), y haciéndose finalmente famoso, a mediados de los años 70', tras estafar más de 3.000 millones de las antiguas pesetas al First Nacional City Bank (actual Citibank ) falsificando cheques de viaje de la American Express mientras proseguía con el oficio que le acompañó toda la vida, pues era y siempre fue albañil. Sus actividades siempre fueron orientadas a financiar los grupos anarquistas y organizaciones de izquierdas de todo el mundo.

El documental, que bien podría ser un thriller, se vertebra entorno a 20 entrevistas efectuadas a las personas vinculadas de una y otra manera a su vida (entre los que se encuentran sus más allegados, su biógrafo Bernard Thomas, el comisario a cargo del “Caso Urtubia”, su abogado defensor Thierry Fagart, o el que fuera ministro de relaciones exteriores francés Roland Dumas), complementando, con imágenes de archivo y recreaciones ficticias, la trayectoria de un hombre al que se termina cogiendo cariño por su coherencia, su sentido de la responsabilidad y la inquebrantable fidelidad a sus principios.

Lucio tuvo una vida llena de momentos históricos: compartió casa durante los últimos años del maqui Quico Sabaté (su maestro del anarquismo, del que heredó su ametralladora Thompson), preparó el secuestro del nazi Klaus Barbie en Bolivia, colaboró en la fuga del líder de los Panteras Negras, contactó con el Che para una finalmente frustrada falsificación masiva de dólares, simpatizó y apoyó a los grupos anarquistas que intentaran matar a Franco...

Retirado en el parisino barrio de Belleville, en el piso superior de un inmueble en el que creó el «Espace Louise Michel» (centro cultural sin ánimo de lucro que organiza todo tipo de actividades anarquistas y de lucha contra el sistema) este documental rinde tributo a un personaje que representa sólo una pequeña parte de la historia silenciada del exilio español.

Una infeliz ama de casa (Carmen Maura) malvive en una humilde vivienda del madrileño Barrio de la Concepción, zona repleta de edificios-colmena en los últimos años del Madrid de Enrique Tierno Galván. Le gustaría integrarse en la sociedad de consumo pero sólo consigue consumirse a sí misma, día tras día. Vestida siempre de retales sólo las anfetaminas le dan suficiente energía para trabajar como criada en varias casas, además de en la suya. Con esta premisa Almodóvar dio vida a "un ama de casa de la que puede decirse que no ha tenido las mismas oportunidades que Carolina de Mónaco… el aspecto cómico de la película es un lado equívoco, porque no cuento una historia de amor, sino el horror y la injusticia en la que vive una mujer… una heroína cuyas propias deficiencias son producto del ambiente donde vive”.

Corría el año 1984 cuando llegó a las carteleras españolas esta rara, divertida e inclasificable película. En los tres trabajos anteriores de Pedro Almodóvar (en los que se nos presentaba como un autor simpático y trasgresor) nada hacia presagiar que saliera de su círculo de incondicionales del ambiente de la movida madrileña para mostrarse como un gran conocedor de los resortes cinéfilos, sorprendiéndonos con esta novedosa y subversiva “¿Qué he hecho yo para merecer esto” que supo incrustar el peculiar ambiente en las más clásicas tradiciones hispánicas (el cine social, el sainete y la estética realista de un... Berlanga, p.e.), y fusionarlo hábilmente con el melodrama de mujeres de Hollywood, la estética kitsch y el neorrealismo italiano de los años 40 y 50, hasta el punto de parecer un argumento de Cesare Zavattini para el Vittorio de Sica de esos años.

Dejaba claro que sería un autor a seguir en el futuro.

"Down by law" fue el tercer largometraje de Jim Jarmusch, la película que le dio a conocer a él y a Roberto Benigni. En el nos presenta a unos personajes que, como todos los de su filmografía, no tienen ni la moral de los héroes ni la ética de los antihéroes. Unas vidas sin épica que sólo parecen bañadas de un nihilismo existencial, y cuya fijación por el mañana responde, como dice la prostituta negra de Jack, «por que siempre andan jodiendo el presente».

Jarmusch surgió de esa nueva hornada que se dio en llamar “cine independiente”, aunque el concepto de cine independiente ha sido aplicado con tanta ligereza que ya es un término cuyo uso es prácticamente inútil. Hoy en día, hasta se han considerado independientes directores como Michael Mann, Curtis Hanson o Neill La Butte. Buena culpa de ello, al margen de una crítica despistada, lo han tenido sus coetáneos, que, con el tiempo, han ido convirtiendo su cine en productos comerciales para que los estudios obtengan su buen rendimiento. Hollywood, los ha transformado en productos refinados del merchandising.

Por suerte, Jim Jarmusch sigue fiel a sus principios. Su carrera cinematográfica no ha derivado hacia el entretenimiento de masas, y su particular modo de concebir los guiones nos ha permitido descubrir a un poeta del humor. Con "Down by law" Jim Jarmusch compuso el mejor título de una trilogía que inició en 1984 con "Strangers than paradise", y que cerraría en 1989 con "Mistery train", haciéndonos disfrutar, en ocasiones a carcajadas, de unas situaciones, ambientes y paisajes que inciden en la soledad y la solidaridad del individuo.