1972. Scorsese, anónimo en las butacas del Kodak Theatre, se lleva las manos a la cara al ver cómo Marlon Brando rechaza una estatuilla. Sólo vuelve a moverlas para saludar con media sonrisa a Coppola, colega aventajado que ya es galardonado con el título de mejor película por “El Padrino”.
Durante más de treinta años soñaría con manosear aquél falo dorado alimentando sus curtidos deseos fetichistas.
Ya le llegaría el turno. Pero antes tendría que curtir el estilo que le caracteriza: Italia + New York = Catolicismo + Gángsters + Violencia. Constantes que nacen progresivamente en sus primeros trabajos fílmicos.
Buscar el Scorsese de hoy en “Boxcar Bertha” sólo es posible sabiendo que sacamos al feto prematuramente (distinguiremos extremidades pero quizá no pueda separar los dedos aún). Las virtudes de su estilo cuajarían con la madurez y, sobre todo, con el aprendizaje y la evolución de un lenguaje (“freeze frame” y HENRY “Que yo recuerde, desde que tengo uso de razón, siempre he querido ser un gángster”).
Barbara Hershey (actual pareja del “lostie” Sayid) y el inmortal onanista David Carradine protagonizan el segundo largometraje del retaco italoamericano en una de esas genuinas producciones de Roger Corman que tanto ayudaron en las carreras de aquellas “nuevas” generaciones.
En un contexto rural (alejado del retrato newyorkino posterior), Scorsese filma un manifiesto ideológico bizarro (hay dudosos apoyos a la prostitución) pero atractivo en su inocente “carpe diem” y antifanatismo. Lo primero que llama la atención es el tono onírico apoyado en una ceremoniosa puesta en escena (evidente en los numerosos desnudos pero visible desde la secuencia inicial con los rítmicos presos, los paletos inertes y el rascamiento de pierna: ¡menudo ritual para el aterrizaje de una avioneta!) y un montaje de sonido rudimentario pero muy expresivo (a resaltar los silbidos del tren que nos impiden oír algunos diálogos).

Y es que es muy difícil ver una película y, posteriormente, cada vez que oyes algo de ella, desear de una forma irracional volver a verla. Sólo pasa con las aclamadas "obras maestras" del cine, personalmente con varias de Billy Wilder, Polanski, y parte de la antigua ciencia ficción.

Tras la estupenda "La Mosca" llegó "Dead Ringers", título original de esta cinta. Con Jeremy Irons en la cabeza, en un doble papel, y Geneviève Bujold en el opuesto femenino.

¿Temática? La total caída psicológica de este par de gemelos, a la par que la física (característica principal del cine del canadiense). El entorno laboral de los protagonistas, ginecología, permite mostrarnos toda esa experimentación física y su inevitable deformación a medida que la historia avanza.

La música, del inseparable de David: Howard Shore, aclamado tras componer para Peter Jackson. La relación entre David y Cronenberg es semejante a la de G.Lucas/Spielberg y Williams, que nacen desconocidos y escalan paralelamente hasta alcanzar la cima, en una simbiosis artística.

En la cinta, Howard nos muestra toda una gama de composiciones siniestras, que reducen la claridad de la imagen, haciendo de la oscuridad principal medio sonoro y visual. Posteriormente, en otras películas como "El Maquinista" de Brad Anderson, se ha utilizado este acompañamiento acústico en la degradación del personaje. El uso de chirriantes strings corresponde a las escenas de aislamiento y depresión y los pianos y "atmospheres" suaves a las escenas de sexo o más mórbidas (tal y como ya hizo en "Crash"). Recalco, de nuevo, el paralelismo, o quizás la inspiración, de Roque Baños de esta película, que no quiere decir plagio, puesto que nos ofrece algo tan diferente como original.

En definitiva, un goce visual y sonoro que da mucho que pensar y que ahonda más en el estudio de la psicología humana-animal llevada desde el primer corto de Cronenberg, grande entre grandes.

Na Hong-Jin hace películas únicas en su especie. El director de The Chaser (que compitió en sección oficial en Sitges 2008) y de The Yellow Sea (que ganó “mejor director” en Sitges 2011) ha vuelto a encandilar al público de su festival favorito.

The Wailing (traducida aquí como El Extraño) cuenta la historia de un pueblo cuya tranquilidad se pervierte con la llegada de un misterioso japonés. Lo interesante de la historia es cómo va mutando en su tono. Durante todo su primer acto es una comedia negra muy divertida (de lagrimones), luego pasa a ser un cuento tradicional con entes sobrenaturales, y acaba siendo una carnicería chamánica con un ritmo que avasalla.

Comedia. Drama. Terror. Thriller policíaco. Gore. En otras manos hubiera salido un gazpacho mutante, aquí es la combinación de ingredientes perfecta. Y a pesar de sus más de dos horazas y media, los personajes y el universo que construye Hong-Jin son tan entrañables que uno no quiere que la proyección se acabe nunca.

En la sala de prensa ya se hacen apuestas de cara al palmarés y éste es uno de los títulos que más se nombra.

The Wailing se estrenará en salas españolas el 18 de noviembre distribuida por La Aventura. No os la podéis perder.

Las películas de viajes en el tiempo suelen pecar de pretenciosas o, por el contrario, de infantiles en sus tramas. Y, casi siempre, vemos en su máquina transportadora un diseño megalítico o completamente hortera (¡un Delorean intertemporal!). Todas las historias tratan el tema de una forma científica, con sus teorías, sus paradojas y sus conflictos morales, pero pocos de forma verosímil. Y es “La Jetee” la que, con su sobriedad, nos regala un testimonio de lo que ha podido, es y será viajar en el tiempo.
Como en aquél maravilloso capítulo de la cuarta temporada de “Lost” titulado “La constante”, el protagonista de este cortometraje francés (como todo drama francés, alargado y con su punto de pedantería) tiene en su retina cerebral un “momento” en su infancia que, impregnado ahora en su edad adulta, sirve a unos científicos holocausticos para, progresivamente, hacerlo volver al pasado, primero a través de sus recuerdos y luego físicamente. Faraday enunciaba una ecuación para viajar entre dos puntos del tiempo, con sus incógnitas y gradaciones, pero con un elemento común: un sentimiento, una imagen, una relación, un objeto, una localización. Con ese pilar cubierto, es posible el billete de ida y vuelta. Y es que la estructura cíclica en este tipo de películas es muy común. Ya lo dijo Vigalondo en “Los Cronocrímenes”, la pescadilla que se muerde la cola es una posibilidad, pero la “marca del zorro” en la que varios ejes temporales coexisten en un mismo eje espacial es rizar un rizo que ve en “Primer” su máxima cota de complejidad.
Nuestro protagonista recuerda vivazmente ese recuerdo infantil porque está presenciando su propia muerte. Un giro predecible, efectista y paradójico tratado con frialdad en un tratamiento formal que es el que le da originalidad.
Lo que se reproduce cuando visionamos “La Jetee” es un audiovisual, sí, pero no con imágenes en movimiento. Son fotogramas congelados de momentos representativos que van conformando escenas narradas por una voz en off seca y expositiva, apoyada en ciertas partes por música, sencilla y secundaria.

Una nueva apuesta de Tele5 en el apartado de coproducciones. “Hierro” cuenta la historia de una madre que pierde a su hijo viajando hacia la isla de El Hierro y de cómo la locura puede apoderarse de una mujer en situaciones límite. Dirigida por Gabe Ibáñez, recordado en esta ciudad por su “Máquina” (un cortometraje que comenta de forma muy caliente el uso que le da una chica a una peculiar máquina que tiene entre las piernas) y muy contento de proyectar su película en la pantalla de Sitges donde dice ha visto “Blade Runner” o “2001”. “Hierro” viene de la “semana de la crítica de Cannes” donde perdió la virginidad y volvió a ser editada por lo que lo que se proyecta en Sitges es la verdadera versión comercial. Su atmósfera oscura y penetrante y su imaginería narcisista dividieron opiniones aunque no de forma radical. Otra pequeña aportación de la industria española al fantástico donde se demuestra lo bien que sabemos hacer las cosas con el dinero justo y el talento suficiente.