Sin duda, junto a 'Laura', una de las mejores películas de Otto Preminger, aunque leyendo críticas cómo "Es simplemente la mejor película de un juicio que se ha hecho.” (Kim Newman) o “Es el mejor melodrama judicial que este viejo juez ha visto.” (Bosley Crowther) y "Probablemente sea el mejor drama judicial jamás hecho” (Adrian Turner) uno se plantea la necesidad de situar correctamente esta obra.

‘Anatomía de un asesinato’, un excelente drama judicial de Columbia Pictures del 1959 (FF:8,0) tira del filón de los dramas judiciales de gran éxito que la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) y la United Artists establecieron dos años antes, en 1957.

Me refiero, por supuesto, a “doce hombres sin piedad” (1957) de Sidney Lumet con Henry Fonda, basada en la novela de Reginal Rose (FF:8,69) y a “Testigo de cargo”(1957) de Billy Wilder basada en una obra de teatro de Agatha Christie, e interpretada por Charles Laughton, Marlene Dietrich y Tyrone Power (FF: 8,64).

Michelangelo Antonioni un día dijo «Mi piacerebbe rifare L’avventura a colori».

Así que Enrico Ghezzi i Michele Mancini, dos jóvenes cinéfilos de la RAI3, le tomaron la palabra. Juntos concibieron un programa de una hora titulado Falsi ritorni, per un’archeolologia del set (En cinematografía, el entorno elegido o construido a propósito para rodar las escenas de una película. Plató).

En ese programa había dos “falsos retornos” a los platós sicilianos: uno al plató d’Aci Trezza donde se filmó ‘La terra trema’(1948) de Visconti (Visconti ya había muerto) y el otro al islote Lisca Bianca donde se filmó ‘L’avventura’(1960) de Antonioni (Antonioni fue invitado).

Estos retornos se presentaron en el programa de televisión como búsquedas arqueológicas de las filmaciones originales. Michele había involucrado un grupo de jóvenes de la Academia de Palermo y les llevó a la isla a buscar lo que quedaba del film. El equipo, con mono naranja, recorrieron el islote buscando pisadas y otras pruebas de las filmaciones, en esa llamada ‘Archeologia del set’ (de ‘l’Avventura’).
Así mismo Enrico Ghezzi i Michele Mancini invitaron a Michelangelo a que filmara su propio regreso a Lisca Bianca, y el, gustosamente aceptó, El resultado fue el documental que en esta ficha se presenta. Escasos ocho minutos dentro de un programa de una hora.

Enrico Ghezzi, de RAI3: “Sí, habíamos invitado Antonioni a venir a rodar imágenes en color por primera vez en aquellas islas al final de nuestro trabajo que duraría un mes, quince días allí y quince en Aci Trezza. Pensamos que podía hacernos una visita corta, pero en cambio quería venir más de diez días: estaba entusiasmado y casi conmovido por seguirnos, con Michele que iba a buscar las huellas de los zapatos dejadas por alguno miembro de su equipo a finales los años cincuenta. En total, Antonioni rodó tres o cuatro días, pero permanecimos juntos mucho más tiempo. Fue un acto de extrema colaboración; el trabajo no fue tanto, pasamos todo el final de la velada discutiendo sobre cine y era una persona muy agradable, muy ingeniosa, pero lo que salió, el corto filmado en Lisca Bianca, resultó ser un apéndice de la penumbra absoluta, los minutos más oscuros del cine italiano sin género.”

Enrico Ghezzi: “Nuestro trabajo en las Islas Eolias se editó en unos cincuenta minutos y luego se presentó en Rotterdam y se emitió varias veces. Está documentado en la obra de dos volúmenes Michelangelo Antonioni: arquitecturas of vision, editado en 1986 por Mancini y Perrella. La película de Michelangelo se presentó en Cannes en 1989.”

Por su parte Antonioni describe la experiencia Ritorno a Lisca Bianca con estas palabras: “Dos jóvenes estaban haciendo un programa de televisión sobre L'avventura y me pidieron que regresara a Lisca Bianca y filmara algunas imágenes. Eso es lo que hice a mediados de julio y debo admitir que el impacto fue muy fuerte porque ... esa isla me rechazó. En realidad, fui yo quien se sintió rechazado; no era la isla. Obviamente la isla no hace nada. Así que fui yo quien sintió que lo que estaba haciendo allí en ese momento era totalmente inútil y bastante insoportable. Ya no quise estar ahí.”

Sin ninguna duda se trata de una película mayúscula, de las que forman parte por derechos propios de la historia del cine. Dinámica y directa, es una adaptación cinematográfica, libre, de la novela "Frankenstein o el moderno Prometeo", de Mary Shelley. publicado inicialmente en 1818, que posteriormente la autora reescribió por completo hasta conseguir la versión definitiva que encontramos en las librerías, publicada la primera vez en 1831.

1831-1931. Es decir, "el doctor Frankenstein" de James Whale es un homenaje para celebrar el centenario de la publicación de la novela definitiva de Mary Shelley.

Se trata de una adaptación cinematográfica de Frankenstein que adopta tanto la temática, de moda en aquella época, como la estética de los inicios de expresionismo alemán: El gabinete del doctor Caligari (1920), El golem (1920), Nosferatu (1922), El doctor Mabuse (1922).

La semejanza con golem,una de las primeras películas de monstruos de la historia, en la que un rabino da vida a una figura de arcilla permite entender que ante el éxito cinematográfico del ser que cobra vida, en Alemania se hicieran diversas versiones (en las que intervino como director Paul Wegener): en 1915 "El Golem" de Henrik Galeen y Paul Wegener, en 1917 "El golem y la bailarina" (cómica) de Paul Wegener y Rochus Gliese; y finalmente en 1920 "El golem" de Paul Wegener y Karl Boese.

Ello permite entender que la industria norteamericana, concretamente Universal Pictures, tomara buena nota de los éxitos del expresionismo alemán, y como suele suceder hizo su versión, en este caso escogiendo una novela de éxito como "Frankenstein", donde la magia queda sustituida por la ciencia y donde dar vida y superar a la muerte son los temas centrales de la investigación del Dr. Frankenstein.

Todo comienza con una esfera de cobre de 20 cm de diámetro que pesa 28 kilogramos, colgada de un cable de 67 metros de altura que en 1851 empleó León Foucault para demostrar que la tierra giraba sobre si misma… Esto nos sitúa en el Panteón de París (inspirado en el Panteón de Agrippa de Roma) , donde en 2017, desde el día 3 hasta el 14 de octubre hubo una exposición viviente proyectada por el reconocido bailarín, acróbata y coreógrafo Yoann Burgeois. En cada uno de los cinco grandes espacios de la planta en cruz del Panteón, Yoann Burgeois dispuso sus ingenios para plantear retos a los grandes fantasmas. Los grandes fantasmas son esas fuerzas vivas, invisibles e inevitables: La gravedad, la inercia, la fuerza centrífuga...

Para el espacio central donde baila el péndulo de Faucoult, Yoann idea un genial anti-péndulo, que colgado del suelo -fijado por la gravedad- convierte a Yurie Tsugawa en un tente en pie que baila lentamente con sus oscilaciones contra el péndulo: Es el "Prólogo".
 
El segundo espectáculo asombroso es "Inercia", el conocido como tocadiscos. Plato cuadrado que gira sin parar con Elise Legros i Jean-Yves Phuong montados en él; ofreciendo imágenes insólitas y inverosímiles.

El tercero es "Trayectoria", en la que un mecanismo contrapesado permiten a Sonia Delbost-Henry volar por el espacio.

El cuarto "Equilibrio" (o Libra) donde Estelle Clément-Béalem y Raphaël Defour intentan sentarse en unas sillas cuando el suelo resulta extremadamente inestable.

El último y más genial es "Energia" (con Yoann Bourgeois, Damien Droin, Emilien Janneteau, Lucas Struna) donde los bailarines -por llamarlos de algún modo- se someten a la gravedad para vencerla.

Louise Narboni, montadora y directora, junto con Yoann Burgeois documentaron la exposición con este excelente filme 'Los grandes fantasmas' (Les grands fantômes )(2019) 58' .

El resultado es un filme sorprendente entorno al movimiento y el ingenio humano que luchan por el equilibrio y superar la eterna gravedad.

Magnético, impecable, pura poesía,

Jean-Pierre Améris, el director francés del cual últimamente no nos llegan sus discretas comedias, propenso a encontrar historias reales en las que inspirarse (Un cabaret en la campiña) o novelas ( El hombre que ríe) en "La historia de Marie Heurtin" recrea parte de la viida de Marie Josephine Heurtin, nacida en Vertou (Francia) en 1885 y muerta en Larnay (Francia) en 1921. La historia empieza a los diez años, cuando siendo una niña sordomuda, ciega y prácticamente salvaje es entregada a la institución religiosa de Larnay (cerca de Poitiers) y es acogida por la hermana Sainte-Marguerite, una tenaz monja,

Historia potente que le sirve a Jean-Pierre Améris,para realizar su mejor película, la mas lograda de toda su carrera. Una drama dónde Jean-Pierre Améris consige uno de los efectos que busca en las comedias: La celebración de la vida con todo su goce. El camino para llegar a ello en "La historia de Marie Heurtin" es distinto a de las películas de humor, requiere un esfuerzo con recompensa, el necesario para transmitir con mayor intensidad y certeza el mensaje al espectador: lo maravillosa que puede llegar a ser la vida, ayudando, amando, educando a las que más lo necesitan.
Sí, está claro, no se trata de una película para el entretenimiento, aunque te enganche con suavidad y firmeza. Tampoco es una película estética, de las que uno reconoce como una obra de arte. Su estilo narrativo y sus composiciones están bien pero no resultan una obra de autor con estilo propio.
El lugar donde situar "Marie Heurtin" -como ya habrán adivinado- es en el campo ético, aquel en que la transmisión y el conocimiento que nos comunica -con tenacidad y sacrificio de ambas protagonistas- alimenta esencialmente al espíritu y a los sentimiento nobles y postivos. Lo cual trasciende profundamente a la superficialidad y a menudo falsedad, del ocio, traspasándonos una emoción sentida y auténtica.
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Mas que una aproximación al “estilo trascendental” anunciado por Paul Schrader, donde destacan las figuras de Carl Dreyer, Yasujiro Ozu y Robert Bresson, con sus profundidades o levedades existenciales, "La historia de Marie Heurtin" (2014) resulta, pues, vitalista y radicalmente humana, aproximándose mucho a historias reales, extremas, que requieren gran tenacidad y perseverancia por parte de aquellas personas que no tienen la conexión con el mundo, ni su lenguaje. Y requieren también gran determinación, tenacidad, amor y un ánimo inquebrantable por parte de aquellas personas que asumen el compromiso para hacer posible la transformación, es decir para liberarlas de su sufrimiento.

Películas franceses que tienen nexos en común:

1. "La escafandra y la mariposa" (Le scaphandre et le papillon. 2007) del famoso pintor (plate paintings) y director Julian Schnabel. En esa película el protagonista, Jean Dominique Bauby, antiguo redactor jefe de la revista "Elle" queda totalmente paralizado, sin poder hablar, comer o respirar sin asistencia mecánica. Es el resultado de un trágico accidente de diciembre de 1995 (aunque la situación de parálisis sea prácticamente idéntica, nada que ver con el deprimente alegato antibelicista de “Johnny cogió su fusil” (1971) de Dalton Trumbo)..

2. La excelente “El pequeño salvaje” (L'enfant sauvage. 1970) del reconocido director y en este caso también actor -encarnando al doctor Itard-, François Truffaut. Película que trata de la educación de un chico totalmente salvaje encontrado en la región de Aveyron, que terminará llamándose Víctor gracias al médico francés Jean Marc Gaspard Itard, quien tras descartar que se tratara de un deficiente mental incurable -como decían algunos especialistas-, con paciencia, esfuerzo y satisfacción le educara. En 1801 i 1807 el doctor Itard, pionero en la educación especial, publicó dos libros de memorias sobre su interesante experiencia con Víctor.

Víctor, el chico salvaje de Aveyron (1787-1828) junto a su médico y pedagogo Jean Marc Itard; Marie Heurtin (1885-1921) de la mano de Sor Marguerite y finalmente Jean-Dominique Bauby (1952-1997) con la ayuda de enfermeras y especialistas, conforman tres conmovedoras historias. Filmes magníficos basados en hechos reales que nos maravillan al presentarnos esos titánicos esfuerzos de superación, recorriendo tortuosos caminos para que las personas vuelvan a ser, vuelvan a entender, vuelvan a hablar y amar. Historias que conectan con aquella conocida frase: “lo hicimos porque no sabíamos que era imposible”.