De lo particular a lo general, eso es lo que hizo Mikael Hafström en este film para recordar el bombardeo en Pearl Harbor desde una historia mezcla de espionaje, venganza y romance en la ciudad de Shanghai.
Si bien es interesante esa manera de plantearlo y el reparto es de primer nivel, el móvil que desarrolla al personaje principal resulta demasiado propio de una película de acción sin contenido. A pesar de esto, el largometraje tiene una serie de matices que abarcan varios géneros y algunos buenos momentos que valen la pena.

En primer lugar hay que decir que la creación de esta película surge de un concurso ganado por Jason Eisener en el marco del film “Grindhouse” (2007). ¿Cómo es esto? Los creadores del díptico, Robert Rodriguez (“Planet terror”) y Quentin Tarantino (“Death proof”) organizaron un concurso de trailers falsos de películas inexistentes tales como “Machete” y “Hobo with a shotgun”. Estos trailers gustaron tanto que los llevaron a la pantalla grande. Ya vimos el estreno de “Machete” en 2010 (Robert Rodriguez) y ahora fue el turno de “Hobo with a shotgun”. Si bien hay actores diferentes al del falso trailer, podemos darnos una idea clara de lo que será el film, sobre todo el estilo y a qué cinéfilos apunta.
Desde su presentación, el film utiliza la tipografía, el tipo de música y la elección de colores saturados que remiten al estilo Tarantino-Rodriguez, a películas como “Kill Bill”, “Machete” y, por supuesto, “Grindhouse”.
Hobo es un homeless que llega a una nueva ciudad a través del ferrocarril. En su llegada veremos un cartel que dice: “Bienvenidos a ciudad Esperanza (sobre la cual está escrito con aerosol “basura”), donde acaba el ferrocarril y la vida (“infierno” con aerosol) empieza”. Básicamente esto es el film, una constante oposición entre una ciudad basura y los ideales de un vagabundo (paradójicamente), y entre el infierno que vive la población y la vida que sueña Hobo. Podemos ver esta característica que sigue la serie de films nombrados anteriormente: el tratamiento por oposición extrema de valores simples que ya hemos visto y leído en miles de textos. Es, precisamente, esta intertextualidad y constante remisión a “films de culto” lo que prevalece a la hora del disfrute estético, incluso por encima de la historia misma (quizás no ocurra tanto en “Kill Bill”, donde ambos aspectos parecen ser de igual importancia).
Como juicio personal, creo que el film se excede demasiado en algunas escenas que dejan de ser disfrutables, aún dentro del delirio y la parodia que promueve. La reiteración de recursos como los torrentes sanguíneos que fluyen sin parar, las cara Abby siempre ensangrentada, las salpicaduras a la cámara y la iluminación colorida van perdiendo su gracia a medida que se repiten una y otra vez. Por otra parte, si bien tenemos al gran actor Rutger Hauer (quien por sí mismo remite a films de culto), el resto del reparto difiere de las estrellas puestas en “Machete” o “Grindhouse” haciéndola menos atractiva. A pesar de todo, la innumerable cantidad de guiños y “perlitas” que nos deja el film la hacen entretenida y asquerosamente graciosa y adrenalínica.

El mal ajeno propone una mezcla de géneros que hacen de soporte a un guión y una historia sumamente interesantes.
Tiene como punto fuerte un montaje que sintetiza de muy buena manera una trama algo compleja y larga, con muchas incógnitas que serán develadas, a mi entender, en los momentos justos como para que el público se mantenga sentado y el tiempo se pierda inconscientemente. El personaje principal (Diego) se encuentra muy bien construido, interpretado y sus transformaciones son correctamente acentuadas según lo necesita la narración. Los personajes de soporte cumplen su labor, aunque hay que decir que una de las figuras del cine español como es Belén Rueda fue algo desaprovechada con un personaje al que le faltó protagonismo y fuerza en la historia.
Desde el punto de vista de los códigos cinematográficos utilizados, se puede decir que es un film naturalista que, si bien suele jugar con el desenfoque del fondo, el resto de las técnicas utilizadas son siempre funcionales al relato (aún teniendo en cuenta que se trata de una historia que alude a lo sobrenatural). Al filmarse casi enteramente en interiores, el uso de la iluminación toma protagonismo en algunas escenas, aunque por lo general tiene un acompañamiento discreto. La musicalización también cumple un rol de acompañamiento al devenir dramático, aunque se destaca por la participación de la Orquesta Sinfónica de Euskadi.
Es una muy buena película, que empata inmediatamente con el público por su descripción de lo cotidiano y porque narra una historia de una forma que puede ser creíble. Es atractiva desde el primer minuto por su personaje principal, y porque su desarrollo se inicia con vehemencia y luego suele mantener el ritmo, sin la necesidad de disparos, explosiones o efectos especiales, sólo sobre la base de un buen guión. Deja en claro rápidamente a donde quiere ir con su título, “El mal ajeno”, mostrándonos en pocos minutos de cinta de qué se trata, y advirtiéndonos que hará valer la fuerza de esas tres palabras. Se resguarda en la intriga constante y, lo mejor, no deja ningún cabo suelto sobre el final.

“No importa quién dirija las películas que protagoniza, porque Jason Statham siempre –bueno, el 98% de las veces– logra transformar un producto mediocre en un gran acontecimiento cinematográfico” (Maia Debowicz: El Amante). No es el caso de ‘Hummingbird (Redemption)’, aunque Statham logra transformar una porquería de Steven Knight en algo, al menos, mediocre (y hasta un poquito más). Ahora queda claro que ‘Promesas del este’ fue puro Cronenberg. Knight (guionista de aquél film de 2007), ahora director, repite tópicos como la mafia (china en esta caso), la trata de blancas y la realidad social del submundo que habita en una gran ciudad como Londres, pero no hace más que ponerlo todo en una licuadora, junto con el calvo de traje negro (o sea, Frank Martin de ‘El transportador’) y una monja del este de Europa , y que salga lo que salga.

Joey Smith (Jason Statham) supo ser un soldado de las fuerzas especiales británicas en Afganistán. Ahora, fugado de un hospital mental, es un vagabundo alcohólico que alucina con picaflores (de ahí el título). Golpe de suerte mediante, cae (literalmente) en casa de un fotógrafo de clase alta, la cual estará deshabitada desde enero hasta octubre. Serán estos los meses de la rehabilitación, puesta a punto, venganza y caída del antihéroe que, lejos de buscar redención (el título, creo, hace más referencia al personaje femenino), se acepta a sí mismo como una máquina para matar creada por el Estado británico. “Me dijeron que suba a una montaña y matara gente… ¿qué esperaban que baje?”. Hipocresía, el tema central por el que intenta rondar Steven Knight. A veces lo logra, como cuando pone en escena la doble moral del ya rehabilitado Joey, ahora gángster, quien gana buen dinero trabajando para la mafia china pero lo usa para alimentar a sus ex compañeros vagabundos y para su hija. Otras veces la embarra, y hasta da vergüenza ajena, como cuando utiliza al galán británico para calentar a una monja, vestirla de seda roja y emborracharla en una exposición de fotos de penes, para que termine rogando por un beso del dolape.

Redención es lo que busca Cristina, la monja vivaracha de pasado turbio que huyó del este de Europa para misionar por los pobres, no Joey, personaje que sólo aprovecha una cuestión momentánea del azar para solucionar el presente de pobreza de su ex mujer y la hija que dejó “huérfana”, y para un ajuste de cuentas con el asesino de una amiga vagabunda. “Ahora no sólo eres el ‘ángel Joey’, sino Dios todopoderoso aplicando justicio” (Cristina, reprochándole su soble moral). Joey sabe que, sobrio, es una máquina letal y que la única manera de no hacer daño a los demás es desactivándose con alcohol y abandono. Joey empezó el film ya transformado, por la guerra, y sin posibilidad de reinserción social. Esta es lo poco de lectura extra superficial que me deja ‘Hummingbird’, por lo demás, sigo disfrutando de un Statham que pelea con su cuerpo como casi ningún otro actor lo puede hacer (con facha, estilo y cara de malo), y con armas, hasta con una cuchara.

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Como en el policial noir, Rosario Dawson (‘Seven Pounds’) hace de “Femme fatale” y enfrenta a los dos protagonistas masculinos, James McAvoy (‘El último rey de Escocia’) y Vincent Cassel (‘El cisne negro’). Salvo algunos lapsos romántico-eróticos, ‘En trance’ es frenética y violenta (incluso, con algo de gore), con una estética moderna que tiene algunas escenas entre oníricas y surreales (en un momento hace un primer plano estupendo con un lente ojo de pez), y donde se destaca una musicalización que enfatiza los momentos más vertiginosos, casi como un video clip (que quedan tan bien cuando lo hacen los que saben). Lo mejor, el shock que produce el cambio en la empatía del personaje Simon (James McAvoy), cuando ya es demasiado tarde y el espectador había decidido identificarse con él, teóricamente el más débil, la víctima, el buenudo que se encuentra enredado en un lío del que no tiene como salir. Lo peor, el romance (no el erotismo, que se agradece teniendo en cuenta la explosiva Rosario Dawson, ni el drama de violencia de género, que saca lo mejor de McAvoy) entre los integrantes del triángulo amoroso que a veces se parece más a un paso de comedia. Lo mas o menos, el guión al límite del verosímil, por ejemplo, cuando Elizabeth le pasa a Simon con un beso tres balas que tenía escondidas en su boca, o cuando se muestra un asesinato en un auto a plena luz del día, y algunas otras situaciones al límite del “podría ser” del verosímil que uno siempre tiene en la mente.

Pese a los baches de su trama o a ciertos absurdos, recomiendo que se dejen llevar por la hipnosis de ‘Trance’. Boyle los mantendrá en trance frenético, y los dejará exhaustos luego de una hora y media, pero vale la pena, aún como mero entretenimiento.

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