Me he quedado sin palabras, qué película… Hay films que se te quedan grabados en la memoria por las sensaciones que han despertado en ti y éste va a ser uno de esos pocos que lo consiguen. MARAVILLOSA, ESPLÉNDIDA, SOBERBIA, FANTÁSTICA, es una película con alma, un baile para los sentidos, belleza en estado puro. Escribo esta opinión no desde la razón sino desde el corazón porque no he disfrutado la película, la he SENTIDO como bien dice Natalie al final. Me ha calado bien hondo, me ha llegado tanto que (gracias a la interpretación de la DESCOMUNAL Natalie Portman) me he metido de lleno en la historia como hacía tiempo que no me pasaba. Darren Aronofsky crea en los últimos 40 minutos un climax tan intenso y brillante que culminan con un final catártico que me dejó en tal estado de shock que me costó varias horas salir del mismo. Curioso detalle fue que hacía tiempo que no veía una sala de cine llena a rebosar sentada durante 5 minutos largos al finalizar la película mirando, en un silencio casi sepulcral, los títulos de crédito como no dando crédito (valga la redundancia) a lo que acababan de presenciar.

Que el título y el argumento de la película no os confunda. Las ventajas de ser un marginado no es otro filme indie más sobre las bobadas de la adolescencia. Es sorprendente la madurez y sensibilidad con la que aborda temas mil veces tratados de formas banales o en clave de comedia absurda norteamericana como son el primer amor o las correrías de instituto, sin resultar ridícula. Stephen Chbosky adapta y dirige su propia novela homónima sobre la iniciación en las experiencias de la pubertad de un quinceañero que esconde un oscuro suceso en su vida que poco a poco se nos irá revelando hasta culminar en un clímax final tremendamente inquietante, a la vez que emotivo.

Estáte atento a: el uso de la música diegética como canalizador de los sentimientos de los protagonistas y la interpretación del futuro talento Ezra Miller.


Adrián Peña (@thebigkahuna3)
http://bigkahuna3.blogspot.com.es/

Un chico con trastornos bipolares conoce a una chica con ciertos problemas de comportamiento mientras ambos intentan estabilizar sus vidas. La historia, por mucho que David O. Russel intente convencernos de lo contrario con los excéntricos perfiles de sus protagonistas, es de lo más convencional del mundo (sin que ello implique que sea mala). Una comedia romántica agradable de chico conoce a chica, con los actores jóvenes de moda (Bradley Cooper y Jennifer Lawrence), que consigue transmitir hilaridad y emotividad en sus momentos más psicóticos gracias a unas excelentes interpretaciones de los protagonistas y del elenco de secundarios capitaneados por el gran Robert De Niro. Película que seguramente dé la campanada en los próximos Oscar.

Estáte atento a: los momentos que Cooper y Lawrence comparten minutos y el momento "baile" final.

Adrián Peña (@thebigkahuna3)
http://bigkahuna3.blogspot.com.es/

Cada cierto tiempo, llegan a nuestras pantallas pequeñas joyas cinematográficas provenientes de los países nórdicos que cosechan tanto éxito en taquilla, que Hollywood es incapaz de resistirse a realizar un remake. Casos como Déjame entrar (2008) o la trilogía Millenium son claros ejemplos de ello. Dichas películas, casualmente, suelen adaptar novelas que han obtenido bastante éxito, ya sea en su propio país o alrededor del mundo, y Headhunters —el filme que aquí nos ocupa— no iba a ser una excepción.

Basándose en la novela homónima de Jo Nesbø, el director noruego Morten Tyldum nos cuenta la historia de Roger, el cazatalentos más exitoso de Noruega, un hombre que lo tiene todo: una bella mujer, una lujosa casa de diseño, un buen trabajo y un estilo de vida que no debería permitirse. Para mantener ese ritmo de gastos, se dedica a robar obras de arte y venderlas en el mercado negro, hasta que Clas Greve, el perfecto director general que Roger va buscando para su compañía, entra en su vida para arrojarlo en una inesperada espiral de engaños y violencia.

Headhunters es un thriller vertiginoso lleno de sorpresas, con un argumento bien fundamentado que va descubriendo sus cartas inteligentemente a medida que avanza el relato y con un protagonista que se nos muestra como el principal atractivo del filme.

Roger, magníficamente interpretado por Aksel Hennie que aporta al personaje esa singular mezcla de vulnerabilidad y fuerza que el papel requiere, sufre un turbulento proceso de transformación a lo largo de la película, tanto en lo físico como en lo emocional. El Roger del principio es un tipo firme en sus actos y convicciones pero completamente inseguro de sí mismo en lo que concierne a la relación amorosa con su esposa, tanto, que está convencido de que necesita compensar sus escasos 168 cm de altura robando obras de arte para no perderla. A medida que avanza la película parece que el “Karma” se vuelve en su contra obligándole a revolver y hundirse —literalmente— en toda la mierda que ha ido acumulando a lo largo de su avariciosa vida para, luego, resurgir como una persona nueva convencida, ahora sí, de que sus 168 cm de altura son más que suficientes para complacer a su mujer.

El viacrucis que atraviesa nuestro protagonista —pasamos de ver a un Roger impávido, frío, cerebral y ruin a ver a un Roger frágil, emotivo y honesto— provoca en el espectador una atrayente contrariedad emocional. Nos cae antipático por todos sus defectos pero, a la vez, lo adoramos por su profundo romanticismo y debilidad. Esa complejidad psicológica del personaje principal, inusual en este tipo de género, hace de Headhunters un filme que no sólo entretiene, sino que también hace reflexionar sobre lo que somos capaces de llegar a hacer por algo que queremos.

La personalidad del protagonista no es lo único que sufre una metamorfosis. Tyldum consigue adaptar la estética de la película a los repentinos cambios que sufre la historia. Mientras en la primera mitad, aquella en la que los personajes tienen su vida controlada y organizada, la dirección de Tyldum es sobria, sin muchos movimientos de cámara, las localizaciones son en interiores perfectamente ordenados y la fotografía está llena de colores claros, en la segunda mitad, aquella en la que el caos se apodera de la vida de los personajes, su dirección se vuelve frenética, con continuos movimientos de cámara, las localizaciones son en espacios naturales donde impera el desorden y la fotografía es oscura y sombría.

Lars Gudmestad y Ulf Ryberg han escrito un guión que casa a la perfección todas las piezas que ha ido dejando por el camino pero que, durante el trayecto, parece estar más preocupado en buscar la situación más rocambolesca en lugar de, por ejemplo, hacer mayor hincapié en el leit motiv del antagonista. A pesar de ello, es un acierto la introducción de varios toques de humor negro —dignos de los mismísimos Coen— que amenizan esos momentos tan inverosímiles de la segunda mitad.

Esta última perla nórdica que ha llegado a nuestra cartelera es una mezcla entre el juego del gato y el ratón de No es país para viejos (2007) y la resolución narrativa de filmes como Sospechosos habituales (1995), The game (1997) o Plan oculto (2006), que distraerá, divertirá, sorprenderá y hará meditar a todo aquél que le apasionen los thrillers de enmarañado devenir.


Si te ha gustado la crítica aquí podrás encontrar más: http://bigkahuna3.blogspot.com.es/

O sígueme en @thebigkahuna3

Takashi Miike, un cineasta siempre dado al exceso, parece haber encontrado en Harakiri (Seppuku) de Masaki Kobayashi la continuación del camino que ya inició con 13 asesinos hacia un cine más contenido y formalmente más clásico. Ello nos demuestra que el autor de Dead or alive (1999) es capaz de canalizar todo ese derroche de visual y encauzarlo hacia un lirismo tendente a la moderación.

En este remake del filme de Kobayashi de 1962, se trata la violencia de una manera implícita. No vemos las características secuencias impetuosas a las que nos tiene acostumbrados Miike, sino que la belleza de las imágenes que contemplamos contrasta con el terrible dramatismo y la tremenda violencia que esas mismas imágenes contienen. Se podría decir que Hara-Kiri: Muerte de un samurái es una epopeya intimista con tintes de tragedia griega.

“Menos es más”, parece haber querido transmitir Miike a los espectadores contándonos una historia con una gran carga emocional y simbólica que trasciende más allá de su sencillo planteamiento. En el siglo XVII, Hanshiro, un samurái pobre, solicita llevar a cabo el suicidio ritual conocido popularmente como el Harakiri en la residencia del clan Li con el fin de morir dignamente.

Este punto de partida desgrana un relato donde el amor, la traición, la venganza, el honor, la civilización japonesa de la época y los códigos samuráis tienen lugar, pero, a pesar de centrarse en unas costumbres específicas de un período histórico concreto y de un grupo social —los samuráis— propio de una cultura diferente a la occidental, el mensaje que Miike transmite es universal.

El sufrimiento humano que los personajes padecen en el filme trasciende épocas, países y culturas. En esencia, lo que el cineasta nipón nos está expresando es el rechazo a la imposición a raja tabla de una serie de normas o leyes por parte de un poder superior incapaz de sentir compasión por los problemas ajenos. De ahí que las dos secuencias más representativas del filme sean las únicas en las que Miike nos muestra la violencia de una manera más explícita. La recreación en el harakiri con la espada de bambú refleja la cruel intolerancia del poder (por su férrea creencia en las normas de conducta samurái) hacia la piedad y, la increíble batalla final, no es otra cosa que la representación de la lucha de los valores humanos y solidarios (personificados en Hanshiro y su sed de venganza) contra la tiranía y la intransigencia (personificadas en los guerreros del clan Li y, sobre todo, en la armadura roja dentro de la residencia) del autoritarismo.

El ritmo y la fuerza con la que inicia la película decaen en cierta medida hacia la mitad de la misma. Si el uso de flashbacks para narrar la historia genera interés en el espectador, la excesiva recreación de Miike en los hechos que llevan a Hanshiro a tomar la decisión de practicarse el harakiri, sobrecargan a la cinta de escenas que redunda en una idea que podría haber sido contada con menos minutos de metraje.

A pesar de ello, Harakiri: Muerte de un samurái se presenta como una obra de una impecable factura técnica, que desprende ternura en sus momentos más humanos y una imponente vehemencia en sus momentos más intensos, en la que la narración fluye, como si de una poesía se tratase, hacia el final trágico al que, inevitablemente, está predestinada.


SI OS HA GUSTADO LA CRÍTICA, PODÉIS ENCONTRAR MUCHAS MÁS AQUÍ: http://bigkahuna3.blogspot.com.es/