"... tan insólito y peculiar como la manera del propio Txarly de desenvolverse con el teclado y de criticar con un afilado ingenio toda película que pase por sus manos."

Así pensaba continuar esta crítica conjunta, una idea cojonuda de Grandine a la que no pude rechazar involucrarme, pues todo lo que sea agradecer lo que ha aportado Txarly a Filmaffinity es poco. Y digo pensaba continuar porque había escrito un amplio texto en el que comentaba todas y cada una de las grandes críticas suyas que me habían encantado y con las que había encontrado una manera distinta de apreciar el cine y valorarlo. En un principio no pensaba escribir mucho, pero era ponerme a recordar lo que Txarly ha escrito que no podía parar de escribir, tanto que a lo que pensaba dedicaría menos de una hora acabo convirtiéndose en casi toda una madrugada. Pero como viene siendo habitual en mí, la mala suerte me persigue. Había sido tanto el tiempo que dediqué a rememorar que cuando finalicé la crítica y le dí a enviar todo lo escrito repentinamente desapareció y se actualizó la página de escribir la crítica incapacitando el poder volver hacía atrás para recuperarlo. Una putada vamos, ya nunca se me olvidará darle a copiar antes de enviar. Así que cómo entenderéis pillé un rebote impresionante y perjuré en todo lo habido y por haber, no sin antes arremeter con lo primero que pillé a mano, que yo para este tipo de cosas soy muy visceral.

El desenlace en spoiler, jur jur, que emocionante, esto ni Hitchcock...

No es raro sentir cierto miedo a la paternidad tras ver Tenemos que hablar de Kevin, lo realmente extraño es que el hijo fruto de una pareja formada por John C. Reilly y Tilda Swinton no sea el anticristo. Y no muy distinto es el comportamiento de su primogénito, un niño que parece haber llegado al mundo sin otro propósito que el de sembrar el mal a su alrededor. Partiendo de esa premisa y sin tratar de buscar explicaciones al origen de su malvado comportamiento, como por otro lado tampoco hace el film, es interesante comprobar como el resultado se asemeja más al de una película de terror puro y duro que al drama familiar.

Comprendiendo el montaje como una parte fundamental de la (no) narración, Lynne Ramsay afronta el trauma obviando deliberadamente lo sucedido desde un inicio, centrándose en desvelar poco a poco el discordante e inevitable desencadenar de los trágicos hechos. Pero no para pretender encontrar las causas ni a los culpables, los motivos ni las razones, porque a veces no hay, sino tratando de generar un estado de desasosiego mental y emocional similar al que padece esa madre, interpretada como solo podría hacer Tilda Swinton, que (con)vive con toda la culpa y dolor en su vientre. Y fuera de él.

Para lograrlo, la historia se articula y construye en torno a inconexos (a priori) flashbacks que dan forma y sentido a su terrible realidad. La mala relación con su hijo (al que probablemente nunca deseó) va más allá de la desobediencia infantil y la rebeldía propia de un adolescente, alcanza profundos extremos de violencia mental, desde el chantaje hasta el horror más cotidiano, cristalizados a través de no pocos elementos del género de terror que están fuertemente presentes en el film, tanto en la atmósfera como en la tensa resolución de varias secuencias. El tono estilizado y la abstracción lograda aumentan la sensación de estar presenciando cine de género, tanto, que en su afán estético discurre por caminos más cercanos al cine de Wes Anderson -como si el de Kevin fuera el temible reverso de sus atormentados personajes-, (ab)usando de coloridos simbolismos con tanta carga explícita (la película empieza en la tomatina de Buñol, la madre limpia con sus manos pintura roja, se esconde en el supermercado tras latas de tomate, etc…) que terminan por aproximarla al giallo.

Según palabras del propio Satoshi Kon, Paranoia Agent nacía como extensión de su mundo fílmico en forma de serie de televisión en la que desarrollar las ideas y las historias que no había podido contar en sus películas, pero afortunadamente nos encontramos ante mucho más que eso, con una historia de entidad y profundidad semejante a la de sus mejores películas logra ir más allá de la narración convencional ajustada al formato televisivo, rompiendo las barreras entre la realidad y la imaginación -esas que a veces nosotros mismos confundimos- para que al fin, si ponemos un poco de nuestra parte, podamos comprender un poco más el extraño mundo en el que vivimos.

El desconcertante opening con el que abre la serie nos presenta a los personajes principales en extrañas circunstancias (las catastróficas desdichas vendrán después) riendo ajenos al mal que les acecha: El llamado "chico del bate", un joven conocido por llevar unos patines dorados y golpear a sus víctimas con un bate torcido del mismo color. Este inquietante personaje, que practicamente funciona como MacGuffin de la serie, nos va acercando episodio por episodio a las atormentadas vidas de sus víctimas, que cuando más desesperadas se encuentran y necesitan una solución para sus problemas son atacadas por su figura, que les ayuda a resolverlos... en esta vida o en la otra.

Cuesta hablar en pasado de Satoshi Kon -fallecido en agosto de 2010 tras sufrir un cáncer de páncreas- pero más aún cuesta saber que no volveremos a ver un proyecto suyo (ojalá salga a la luz su película inacabada, 'The Dreaming Machine'), por eso su obra cobra más valor si cabe. casi un año después de su pérdida es buen momento para recomendarla y disfrutar llegando a los límites de su capacidad creativa a lo largo de trece magníficos episodios de apenas 25 minutos de duración. Porque Paranoia Agent es una serie con la que hay que dejarse llevar, que te adentra en los misterios del comportamiento y las obsesiones del ser humano, que se degusta no solo su factura técnica y su complejo guión (que en esta y otras de sus obras muchos tienden a comparar con el cine de David Lynch), sino por la libertad de la que goza su dibujo para transgredir y trascender a su propia existencia (sirva como ejemplo el episodio de la productoria de la serie de animación), por no hablar de su sólida estructura en la que cada nuevo episodio desvela una historia que supone una carrera hacia adelante entre dos mundos en busca de respuesta a los problemas que quizás no queremos solucionar. Y de los que tampoco encontraremos respuesta (o si) en su peculiar ending, en el que el sueño eterno parece la única opción para poder olvidar y descansar de los males que nos atormentan.

Keane es una experiencia fascinante por lo intrínseco de su desarrollo a la par que resulta desgradable, cruda y retorcida al mostrar hasta que límites de degradación humana puede llegar una persona tras un, dejémoslo en supuesto, shock traumático que no vemos con el que empieza el film, y que nos plantea si en algún momento hubo un comienzo de la locura o si esta estaba presente en su ser todo el tiempo.

La cámara persigue constantemente al protagonista, nos hace testigos de su camino, vemos su desintegración paso a paso, nos adentra en su interior. No da ningún tipo de explicaciones pero muestra su personalidad vuelta en locura de una manera tan pura, tan humana, que aún habiendo perdido este hombre a visión nuestra toda la humanidad posible, su interior es de lo más humano pues simplemente se mueve en busca del afecto, es como un pequeño bebe en un cuerpo de adulto. No es capaz de controlar sus emociones, no hay miradas ajenas que le opriman, es sólo él. Pero la comunicación humana, el intercambio de sentimientos y el amor le hacen cambiar, lucha consigo mismo para poder dar una apariencia normal, para sacar esa persona que tiene dentro de él. Pero su personalidad es tan volatil e impredecible que en ningún momento sabes a dónde puede estar apuntando, hasta que lo ves derrumbándose, dándose cuenta de sus actos, de quién es en realidad, y llora. Lloramos todos.

La actuación de Damian Lewis es una de las mejores que he podido ver. No sólo debe interpretar un personaje, sino que toda la película gira sobre su personalidad, es un seguimiento a su comportamiento, una progresiva destrucción de todas las capas que rodean al ser humano. Él dota de distintos colores a la locura, otorga una profundidad a la misma y consigue resultar no sólo realista sino aturdidor, lo suyo es un logro francamente impresionante, al igual que esta película, un milagro que indaga en la mentalidad humana como pocas películas lo han logrado.

Absorbente es la mejor palabra que puede definir a "Dear Wendy". Desde el primer minuto de la cinta te adentras en un mundo que crees conocer pero que nunca serias capaz de señalar en el mapa, es un lugar totalmente atemporal al que cualquier persona de cualquier lugar del mundo sería capaz de entrar con facilidad.

La idea de darles nombre a las armas, el respeto hacía ellas que profesan o la creación de un grupo al que cualquiera que haya visto la película le hubiera gustado pertenecer son detalles que sumergen al espectador en la trama, en este cuento que a traves de los ojos de un joven y su grupo de marginales se nos presenta. Y todo héroe tiene sus enemigos, su plan y su trágico final, y si nos lo hay se los inventa. Y ese es en mi opinión el mayor error de la película, el efectismo barato al que se llegaa en su última parte no termina de convencer. Desde la llegada del chico negro que profusa absurdos sentimientos de odio y rabia del poder pérdido en el progonista (un magnífico Billy Elliot) pasando por el fatídico suceso del plan, y acabando en esa vorágine de balas sangre y desolación sin motivo. Lo que no que quita que esas escenas estén rodadas genialmente, pero el devenir de los hechos es incoherente con el comienzo de la trama y con el desarrollo de los personajes, además de ser una auténtica gilipollez sin sentido, una cosa es que traten de ser unos nobles marginales algo chiflados que usan las armas con respeto y otra es que sean soldados sin cabeza y olviden el respeto que profesaron a sus armas y a sus vidas por la tontería de llevar a una chiflada anciana de una casa a otra.

La película merece la pena verse por lo dicho, su estética y profundidad de auténtica fantasía, y por lo ingeniosamente que están rodados los aspectos infográficos de la película: La música de Los Zombies acompaña muy bien, las escenas de acción son originales y están rodadas con destreza, los mapas que vemos dibujándose, etc..