Partiendo de un argumento inadmisible y sumamente irrelevante, la película dispara todo su potencial en proyectar una amalgama de escenas con diferentes estilos ochenteros y referencias a otros directores para conseguir entretener y deslumbrar al espectador. Innegablemente Drive es un producto artificioso, ya que posee una trama irregular y que realmente no llega a sorprender y en su peor medida a interesar; sirviéndose únicamente en levantar atmosferas en medio del vacío. Nicolas Winding Refn a mi parecer, intenta desbocadamente situarse como un director con estilo y personalidad propia, pero su formula me resulta ya antes vista. Incluso tal es su imitación, que un par de escenas admiten absurdamente la música (partitura) de las película y los directores a los cuales se remite (véase David Lynch, Steven Soderbergh y hasta Tarantino). Lo que cuenta Drive es lo que menos importa, ya que aquí el argumento escasea. Lo que realmente sorprende es ver como su director disimula la escasez argumental con sus peripecias llenas de referencias en la dirección. No voy a negarlo, la atmosfera que crea cierto clima en el filme me resulta interesante y en cierta medida, deslumbrante. Y aunque como menciono, todo esto parte de viejas influencias en otros directores, el resultado final en Drive llega a satisfacer en los primeros 30 minutos de metraje (juego de enfoques y secuencias brillantemente filmadas), justo antes de que Nicolas Winding Refn estropee la propuesta con sus absurdos arranques estéticos y su poco elocuente manejo de la violencia. Desmedidamente irregular y vacía, el guion de Hossein Amini nunca llega a ser creíble y mucho menos a sorprender. Dentro de la conmoción visual y atmosférica se percibe un ente protagónico en cada escena. La sutil y circunstancial partitura de Cliff Martinez; que aunque muy bien insertada y ejecutada, resulta eclipsada totalmente por los momentos en que el filme opta por recurrir a las piezas musicales de otros títulos (“Inland Empire”, “Traffic”…) Refn da en el clavo al seleccionar a todo su elenco, encabezado por el talentoso Ryan Gosling que se sirve de su interesante personalidad para optimizar toda la calidad de su personaje. Carey Mulligan condensa la masculinidad que se percibe en el filme, con su sutileza y femineidad que irradian delicadeza y ternura. El resto del reparto aunque muy bien ejecutados me recuerdan vergonzosamente a los excéntricos y pintorescos personajes lynchianos; en este punto volvemos a recalcar la presencia de la imitación de la firma lynchiana con ínfulas referenciales.

Si bien se sabe que calara significativamente en el público Drive no me despierta ninguna emoción positiva, pero tampoco me desconcierta ni me disgusta. Aunque es vacía, plana y parcialmente cansina, la propuesta se deja ver.

El qué haya visto está película, o el qué la vea en un futuro, llegará a la conclusión de qué es una película menor qué intenta suplantar la técnica visionaria de Michael Haneke. Y en ello no hay discusión, indudablemente la película sé mueve desaforadamente bajo una extrema inspiración en el cine del director austriaco, también es factible reconocer qué se trata de una película pequeña o menor, si se le compara con cualquiera de la filmografía de Haneke. Pero estas comparaciones que ponen en tela de juicio la originalidad del filme, no pueden impedir qué deje en relieve, qué en esté particular caso, se trata de una película realmente inquietante e introspectiva. Afterschool es una película austera tanto en su forma como en su fondo o contenido. El filme pretende realizar un estudio demostrativo, de temas que dominan la corriente posmoderna en la actualidad, cómo lo son: la consumación de la intimidad por la conquista de la tecnología, principalmente atendiendo a un estudio teleológico sobre la privacidad por causa de los medios audiovisuales y la Internet; el falso adoctrinamiento religioso y la falsa egolatría impositiva qué poseen sus verdugos o lideres; la oscura plebeyez amarillista en la perdida y cómo una comunidad se aprovecha de la muerte de uno de sus integrantes para consumirse en la ola de la propaganda y la indignación; la corrupción de la privacidad –medios tecnológicos- como principal detonante de la violencia incluso en la pornografía; el descaro en el adoctrinamiento educativo y su mala ejecución, al tratar de proteger la solides de la institución antes de proteger a sus estudiantes; el vacío inminente que produce una vida entregada a los medios tecnológicos; el devenir de la depravación y las causas que no son justificables dentro de lo bueno y lo malo que ha sido infundado y aceptado socialmente; la terrible y corruptiva mediatización de los medios audiovisuales y su fuerte violación de la realidad, en donde incluso un simple documental o video amateur –arte, cine- de varios minutos que pretende realizar un homenaje a las gemelas fallecidas, debe llevar ciertos ingredientes y cierta forma de edición, para qué al ser visionado produzca la lastima o la nostalgia…

Este western irreverente, pausado, contemplativo, lleno de silencios profundos y de una hipnosis mágica que jamás da lugar al onanismo, brilla cómo una obra de arte recién descubierta. Pero brilla únicamente para aquellos que saben en dónde mirar, para aquellos que no apelan por las formulas antes concebidas y que son capaces de entregarse a este minimalismo nunca antes encubierto en el género. Para unos será una simple y vacía película —como muchos la llamaran, pero para otros privilegiados, puede ser una pieza pequeña de orfebrería, dotada de mucho valor.

Meek’s Cutoff, siempre optando por el realismo extremo como único recurso expresivo, viene a representar la grandeza y la nobleza del talento de Kelly Reichardt. Es una película que hay que ver y sobre todo, reflexionar. Que esconde una vacilación sobre sus raíces argumentales y que reitera ese marco personal y distintivo de una directora que siempre imprimirá su leal formula y nos regalara sus extrañas películas. Vigorosa y original.

The Tree of Life es como hemos observado una película muy desafiante y profunda, que logra adjudicarle al espectador el don del análisis. Una película que resulta hermosa de ver y comprender, que con sus intensísimas imágenes consigue trasmitir toda la gama de sensaciones y sentimientos que encierran la niñez y la simpleza del hombre. Una película que cuenta con un elenco de actores juveniles sublime, Hunter McCracken y Laramie Eppler ejercen las mejores actuaciones masculinas en lo que va de año. Su sutileza, su poder por trasmitir mucho sin decir palabra alguna dejan de relieve el inmenso poder actoral de estos niños y el infalible control de Malick en la dirección de actores. Junto a ellos, Jessica Chastain consigue aportar un plato exquisito de actuaciones inolvidables. Desplat acondiciona la originalísima edición, con su suave y tenue sonido de piano que aunque endulzan la propuesta, no vienen a superar los momentos de mayor intensidad que acompañan las obras de los grandes del género como lo son Smetana, Mahler, Holst, Berlioz o el multiinstrumentista serbio Arsenije Jovanovic. Y como era de esperar, la escasez que se observa en estos últimos años en cuanto a calidad en diseño de fotografía, ha terminado. Ya que Emmanuel Lubezki ofrece su mejor trabajo hasta la fecha. Un diseño de fotografía desafiante, rico en poderosos contrastes y colores vivos que enfocan y respaldan la excelsitud del cosmos y de la naturaleza.

Fascinante durante todo su metraje, trascendente y prominente, The Tree of Life supone una obra que de seguro futuras generaciones visionaran y seguirán como influencia e inspiración. Una película que conjetura una vuelta de tuerca a todo el género cinematográfico, y la manera en si, de la narrativa cinematográfica. Una película alucinante, embriagadora y seductora. Una obra maestra.

Bennett Miller, luego de dejarme pasmado, encantado y extremadamente satisfecho con su opera prima (Capote, 2005), retoma el mando con una propuesta diferente a su primer avistamiento en el séptimo arte. El director sorprendentemente realiza todo los deberes y aborda con suma madures, sencillez y solvencia, esta genuina propuesta que da unos pasos hacia adelante en pro de cambiar positivamente este género que se cree ya desahuciado. La dirección de Bennett Miller me gusta, aunque quizás no es tan brillante como en Capote, pero si se debe reconocer que el éxito de Moneyball, también radica en el desempeño de su director por llevar a las imágenes el brillante guion de Aaron Sorkin (The Social Network, 2010) y Steven Zaillian, y convertir estas imágenes en un conjunto inquebrantable que no posee hoyos ni asperezas.

Moneyball es el juego de los perdedores. Es la contrapartida a la idea mediática de que solo los fuertes triunfaran. Es la representación de los sacrificios, los sueños, los ideales y los fracasos que mueven y marcan esta pasión. También, Moneyball nos dice suevamente —y en repetidas escenas en la que Billy escucha cantar a su hija— que este deporte es simplemente un show, un divertimento que debe ser consumido como tal. La fuerza de los diálogos de Sorkin (guion remarcable), la valentía en la dirección de Miller, el excelente desempeño técnico (sobretodo el atractivo montaje y la estimable composición musical de Mychael Danna) y las correctas actuaciones (lideradas estupendamente por brad Pitt) hacen de Moneyball un filme triunfante y disfrutable (incluso para los que no simpatizamos con el béisbol) ya que la película va mas allá del deporte, y resume con humor y dramatismo, una potente reflexión sobre la motivación, la pasión, la sinceridad y la auto reflexión que induce a cada individuo hacia el camino del ideal. Sorprendente y entrañable.