Dos son las escenas que podrían resumir la aceptación del nuevo miembro. La primera, la hoguera en el jardín bajo la lluvia. Un lento movimiento circular de cámara cuyo centro es la niña en los brazos de la nueva madre. Mientras el fuego y el agua se mezclan con la textura de la imagen seremos testigos de la primera declaración de amor de la niña. La segunda, la escena en la playa con toda la familia feliz y relajada, donde las reacciones de los niños son espontáneas al jugar con las olas. Aquí Koreeda consigue que olvidemos que en algún momento la niña no formaba parte del grupo, tal es la naturalidad con la que la familia se comporta. Por si fuera poco, este apogeo de la felicidad llega justo antes de clausurar el segundo acto, antes de que una tormenta estalle con una fuerza insospechada. Unas naranjas que ruedan carretera abajo nos darán la clave.

El tercio final rompe con todo lo anterior y en él la crítica cobra gran fuerza. Tras ser testigos de la composición de una familia a lo largo de toda la cinta, vemos con impotencia la disección de la misma cuando la ley interviene. Koreeda pone en evidencia la falta de preocupación del Estado por el bienestar de las personas, pero además abre varios debates interesantes. El primero ¿Qué es peor? ¿El robo o dejar a los marginados sin otra escapatoria que robar? y el segundo, que ya trató en Tal padre, tal hijo ¿Qué forma exactamente una familia? ¿La sangre o el amor? Gran osadía la del cineasta teniendo en cuenta la importancia de la figura familiar en Japón.

Un asunto de familia muestra a un Koreeda en plena forma que sublima su fórmula. El director maneja la sujestión de forma espectacular, rehuyendo de la cursilería y del melodrama. Es gracias a esa naturalidad que la interrupción final es capaz de remover nuestras entrañas. Además, la ejecución de unas cuantas escenas nos regala grandes momentos de realización que auguran que el cineasta aún no ha tocado techo.

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Comienza L'avenir con una huelga de estudiantes en la que Huppert, profesora de filosofía, no participa. Tras el instituto, pasa por la editorial que quiere renovar las portadas de su colección de autor, luego come con sus hijos y su marido en su piso parisino y va a visitar a su madre, que sufre de problemas psicológicos. La protagonista lleva una vida burguesa ocupada en la ciudad y pasa las vacaciones con su marido en una casa en la costa bretona. Una vida monótona y estable cuyo empleo ha nublado los ideales del personaje a lo largo de los años.

He ahí la clave de la película. Durante un buen rato las escenas se suceden sin que realmente pase nada importante. O al menos eso pensamos hasta que comprendemos lo que la directora nos quiere mostrar. Pues la rutina siempre se verá moldeada por el paso del tiempo, por el avenir. Los hijos se independizan, los padres desaparecen, las parejas se rompen, el trabajo peligra. El futuro llega más rápido de lo que creemos e Isabelle se encuentra, por cuestiones ajenas a ella, sola en su piso, con la mitad de libros ausentes de las estanterías del salón y sin saber qué hacer. Pero al mismo tiempo se da cuenta que la falta de compromisos y estabilidades, implica la verdadera libertad.

En la recta final del relato, la protagonista se encuentra en una granja de los Alpes, invitada por una antiguo alumno que ha creado una revista literaria activista de intelectuales pretendidamente bohemios. Aquí se sucede alguna que otra conversación sonrojante, pero en absoluto molesta, pues en este momento confluyen los guiños de toda la película a la filosofía. Isabelle Huppert, mujer, se perfila como figura del conflicto existencialista interno, desde el momento en que escucha silenciosamente los diálogos entre los granjeros y empieza a cuestionar su vida. Pero también representa la lucha del hombre contra la naturaleza, como Rosellini había logrado magistralmente en Stromboli, rompiendo el arqueotipo masculino de la literatura encarnándolo en una Ingrid Bergman embarazada durmiendo en el cráter de un volcán, salvo que aquí es una naturaleza que calma, que mece, la que altera la posición de la profesora.

En el momento en el que el conflicto aparece, la libertad viene definida por nuestra capacidad de tomar decisiones. Huppert tiene la posbilidad de retomar sus ideales de juventud, de militante del Partido Comunista, o de volver a su piso parisino a ser una abuela dedicada enteramente a sus futuros nietos. La directora sutilmente alarga el relato durante varios años, anteriores a la crisis política actual, para intentar despertar a su público. Para ver que el olvido y la pereza debido a la comodidad, tienen sus consecuencias. Para que sepamos que de aquellos polvos vienen estos lodos. L'avenir es una película política camuflada que no juzga nuestras decisiones como individuos de una sociedad, sino que nos invita a la reflexión de las mismas para que podamos actuar en consecuencia.

Un propósito cuya ironía explota al final cuando la pareja va al encuentro de otro genio de los códigos del cine, el cascarrabias excéntrico por excelencia con quien Varda siempre ha tenido buena relación. El sujeto en cuestión deja plantado al dúo, con una Varda destrozada ante tal actitud. Queda así patente, sin embargo, quién de las dos figuras supervivientes de la Nouvelle Vague emplea su arte para divulgar sus principios en la sociedad y quién para alimentar su ego. Gracias, Agnès.

Un grupo de peligrosos criminales son engañados, encerrados y sometidos al aislamiento del espacio y sus terribles radiaciones. El desgaste físico y psicológico únicamente se pueden saciar de dos formas: un huerto, símbolo de paz y tranquilidad, y la fuckbox, descendiente directa del Orgasmatron de Barbarella, una máquina sexual que nos regala la mejor escena de la película, el éxtasis de Binoche acompañado de la música de Tindersticks. Sin embargo, a medida que la nave se aleja de la Tierra la opresión del entorno hace mella en la tripulación: Claire Denis nos demuestra que el poder sabe de sobra que los impulsos violentos no son capaces de ser reprimidos mediante la cuarentena y el confinamiento; los experimentos de la doctora no dan sus frutos, la desesperación provoca que algún tripulante se lance a un agujero negro -dándonos una escena técnicamente impecable- y el paso del tiempo sólo sirve para que el inevitable y previsible desenlace fatal termine por hacer irrupción.

Las referencias a Solaris se suceden a lo largo de toda la película: Si en el clásico soviético era la influencia de un exoplaneta quien conducía a los tripulantes a la locura, en High life es la aflicción de un grupo de personas abandonadas quien desata la tragedia. Pero eso sí, en los confines del universo el nacimiento de una niña a bordo supondrá el último rayo de esperanza visible. A medida que la nave se aleja más y más de la Tierra, las normas morales y legales desaparecen en las relaciones paterno-filiales dejándonos situaciones un tanto ambiguas para el espectador. Es por ello que ambos personajes han de hacer frente a una nueva forma de vida más allá de lo conocido sobre la Tierra, teniendo que decidirse a hacer un gran salto final.

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La historia viene a representar la muerte del idealismo del estudiante de ciudad que recibe un tortazo de realidad cuando se enfrenta tanto a sus orígenes como a su futuro. Se nos presenta como un chaval sensible y con inquietudes hasta que poco a poco se va revelando como un joven tan cruel como ingenuo y tan apático como engreído. Las más de tres horas de metraje son necesarias para ver esta evolución de manera verosímil y también para asistir a su redención en el desenlace. Paulatinamente el protagonista va siendo consciente del brillo de la figura paterna, de la autenticidad, de la humildad y del enorme parecido de ambos pese a las deudas, el alcohol y la depresión. Un brillo que el joven sólo es capaz de ver cuando la gente de su infancia se van revelando como mediocres. Su primer amor que se ha convertido en mujer sumisa, su vecino como antidisturbios que aporrea a los manifestantes contra Erdogan, sus compañeros de clase que se han vuelto religiosos reaccionarios, una madre y una hermana indiferentes a su carrera, unos ídolos que se venden al circuito comercial...

Esto último en concreto sale a la luz en una escena central del film. Un diálogo en una librería con un autor ante la mirada atenta de Kafka, Virginia Woolf, García Márquez, Simone de Beauvoir y otros escritores desde unos pósters gigantes. Una crítica hacia el mundo artístico y al autor mismo en el que el joven debutante desilusionado al creerse el próximo genio revolucionario se encuentra ante un sistema en el que lo que importa para mantenerse vigente es ganarse el favor del público mediante las ventas. Podemos ver la identificación del director con su joven personaje y la inspiración del cineasta en la alta literatura en este segmento. La disputa con el escritor termina con una estatua de un puente que cae al río y una turba enfurecida que persigue al protagonista, obligado a refugiarse en el interior de la estatua del caballo de Troya, por la que asoma su cabeza, remarcándose así esa personalidad oculta y dañina que brotará poco a poco. Además, esta escena marca el tono de la película donde se desdibuja la realidad y el sueño, lo figurativo de lo metafórico.

Hay una serie de escenas dignas de enmarcar por su belleza, la mayor parte de ellas relacionada con lo onírico o lo simbólico: un bebé con la cara llena de hormigas, un hombre inconsciente junto a un árbol, un cuerpo que cuelga en el pozo, pero quizás el momento más bonito sea la conversación del joven con su amor de juventud, mientras unas garrafas de agua se llenan en la fuente el silencio reina, ella se quita el velo, el viento acaricia las hojas que se desprenden, los rayos del sol se esconden entre el follaje de los árboles. Una obra tan potente como profunda que asegura el interés por el futuro de la carrera de Ceylan.

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