Razas de noche es la adaptación cinematográfica de la novela Cabal escrita por Clive Barker en 1989. Él mismo se encargó de escribir el guión y dirigir la película. El presupuesto ascendió a 10 millones de dólares, muy elevado en aquel momento para su género.
Injustamente desvalorada y criticada, Razas de noche es una película caída en el olvido fuera de un minoritario círculo de aficionados al género, aunque resulta muy destacable en producciones de su estilo.

La ambientación conseguida es sensacional y la banda sonora de Danny Elfman crea cierto misticismo, el diseño de las razas de noche y las localizaciones nos trasladan a un mundo oscuro, siniestro y misterioso. Un inframundo donde el ser humano es el verdadero monstruo. Dentro del reparto, sin haber actuaciones destacables, cabe remarcar al director David Cronenberg en el personaje del Dr.Decker, un papel sumamente especial.

Razas de noche no es una película integra de terror, es un cuento macabro que trata sobre el miedo a lo desconocido. Refleja la cruel maldad del ser humano y la violenta reacción contra aquello que no se comprende por ser diferente.
Tras el buen apartado técnico encontramos una dirección que sin ser brillante, consigue absorber y entretener. Marca un ritmo constante y aun queriendo contar muchas cosas, consigue dosificar la información en pequeñas dosis adornando la historia principal, en la que el protagonista es nuestro guía.

Una producción para nada presuntuosa con un resultado carismático y memorable, aunque al final deja la sensación de haber querido explicar más de lo que se podía en sus 100 minutos. Pero eso fue culpa de las distribuidoras, que recortaron la duración de la película para su estreno en cines, la duración original era de 159 minutos, perdiendo luego el material recortado.

Entrañable película, que por desgracia ha quedado siempre a la sombra de Hellraiser, considerada como la mejor película de Clive Barker. Aunque personalmente, siempre he preferido a las Razas de noche.

Siguiendo con las películas que hemos ido, en este caso disfrutado, durante el recién Festival de Cine Fantástico y de Terror Sitges 2012; es el turno para una dulce comedia titulada: Robo-G. Escrita y dirigida por Shinobu Yaguchi, cineasta que conduce su trayectoria a través de comedias con toques de humor negro. No conozco lo suficiente su filmografía, pero tras documentarme, parece que con Robo-G confluyen varios aspectos de sus anteriores películas, pero con un tono más clásico en lo que comedia se refiere.

El guión de Robo-G funciona en la medida de su concepción, en todo momento se mantiene ese tono de comedia, con pocos personajes y sin ningún tipo de excentricidad, pero no por ello falto de contenido. Se muestran diversos temas sociales en consonancia con Japón, se hace una muestra de como afecta la tecnología en la sociedad, tanto en el ocio como en lo laboral, así como un pequeño repaso a diversas presiones laborales. También muestra el lado melancólico que suscita la situación de la tercera edad, todo en conjunto a un mensaje positivista sobre la superación personal. No es una película de comedia alocada, es suave, te mantiene la sonrisa en la cara. Tampoco es una película que procure tocar la fibra en lo melancólico, no se ha explotado esa faceta, aunque por algunos momentos se aproxime.

Lo más gracioso de la película son las situaciones que irán atrapando a los personajes en berenjenales que pondrán a prueba su ingenio para salir del paso. Se conecta muy rápido con todos los personajes, pero en especial, quien consigue meternos en su bolsillo es el protagonista, el anciano que se tendrá que introducir en la carcasa del robot. Interpretado por Mickey Curtis, actor y cantante Japonés nacido en Tokio en 1938, borda el papel desde su primera aparición y consigue resultar entrañable hasta el final de la película. Su papel de viejo cascarrabias medio sordo que no termina de aceptar que ya es un anciano, es sencillamente lo mejor de la película, mención para la versión que realiza el actor en los créditos finales de la canción Mr. Roboto del grupo Styx. El resto del reparto, sin duda está a la altura de las circunstancias, desde los tres técnicos que diseñan al robot sin tener ni idea de robótica; su jefe, que los presiona para utilizar el robot para fines comerciales, hasta la estudiante de ingeniería robótica que se termina subiendo al carro. Personajes bien diseñados con los que resulta muy agradable pasar el rato que dura la película.

Bueno, según lo comentado en el anterior párrafo, quien obtiene el rol de autentico protagonista es el propio robot, o la carcasa del robot. Un diseño fantástico que desde el primer momento que lo ves, quieres que sea tu amigo robot. La fotografía de la película es muy luminosa, llamativa y alegre. No hay ningún alarde de grandiosidad, tampoco hay algún desarrollo a destacar, pero es correcta y no se realza, ni despista, sobre la faceta de la película que más importa, en este caso, la historia. Pero hay planos muy interesantes en conjunto con la iluminación, también está muy bien rodada la forma de mostrar al robot en determinados momentos. La banda sonora está planteada de la misma forma, siendo la versión del tema Mr. Roboto el eje principal de atención. Un pequeño "pero" que puede achacarse a la película es que, aún teniendo un buen ritmo, por su tramo final hay algunos minutos que quedan algo vacíos, no es ningún problema que afecte a su calidad, tan sólo es una apreciación personal. El conjunto final de la película es bueno en términos generales y cuando termina, la escena final contiene y consigue, el objetivo de la película, dejarte con la sonrisa en la boca.

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En el pasado Festival de cine Fantástico de Sitges 2012 pasó de forma algo desapercibida un título que era, ni más ni menos, el remake de unos de los referentes del cine de terror nacional. Juego de niños se trata del remake del clásico de Narciso Ibáñez Serrador, ¿Quién puede matar a un niño?. No creo que Come Out and Play (Juego de niños) nos la vendan como otra adaptación de la historia corta de Juan José Plans Martínez titulada El juego de los niños, que tras su publicación en 1976 ya sirvió de base para la película de Narciso Ibáñez Serrador. De momento desconozco si contará con distribución, ni tan siquiera he encontrado una portada o cartel promocional, algo que resulta extraño tratándose del remake de un título tan conocido.

Con este claro remake, es desconcertante si lo que se pretende es rendir homenaje al original, se supone que sí, o si el director trata de buscar una ocasión de oportunismo para hacerse un hueco a través de la perversión que vivimos estos últimos años de remakes innecesarios. Esto lo comento porque Juego de niños es un calco de ¿Quién puede matar a un niño?, pero quedándose muy atrás de la original. La mayor diferencia está en que han situado la acción en una remota isla de México y han añadido un poquito de "gore"; pero no nos engañemos, en su momento ¿Quién puede matar a un niño? resultó de gran impacto, incluso ahora al pensar en ella produce inquietud, pues parte de una premisa muy amenazadora. En cambio, Juego de niños se queda muy corta para los tiempos que corren. Con esto no quiero decir que Juego de niños sea una mala película ni pretendo quitarle merito, todo lo contrario, la película está bien hecha; sobre todo contando que no se trata de una gran producción y posiblemente se rodó con un equipo muy reducido.

Ya se puede observar que gran parte de la realización se encarga el mismo director. Hay poca información sobre él, según la ficha facilitada por el Festival de Sitges nació en Bielorrusia y bajo el seudónimo Makinov, no muestra ni el rostro ni el nombre, manteniendo escondida su identidad. Se supone que la decisión de hacerse con un nuevo nombre fue después de pasar por una experiencia cercana a la muerte. Makinov estudió en México donde también realizó dos documentales sobre el chamanismo. Con este remake debuta en el largometraje cinematográfico. Al indicar que se trata de un calco a la original, reafirmo que lo es en todos los sentidos, el tipo de iluminación está trabajada partiendo de la base de la película original, que por diversas circunstancias, se rodó con luz natural, rebotando y recortando la luz dada. También hay un reparto reducido y unas situaciones que se desarrollan del mismo modo. No estoy en contra de los remakes, pero ya que se realizan y en este caso, de una película de unos treinta años atrás que no lo necesitaba, por lo menos que aporte cosas nuevas.

El reparto de la película, al igual que la original, es reducido y discreto pero con muy buen resultado. Quizás la más conocida sea Vinessa Shaw que también a trabajado en películas de género como el remake de Las colinas tienen ojos dirigido por Alexadre Aja en el 2006, otro remake como 3:10 to Yuma, dirigido en el 2007 por James Mangold y también bajo la dirección de Stanley Kubrick en Eyes Wide Shut de 1999. También tenemos a Daniel Giménez Cacho, actor Español que vive en México, también con papeles en películas de género como Cronos, dirigida en 1993 por Guillermo del Toro o Somos lo que hay, una película también dirigida en México que pudimos ver en el Festival de Sitges del 2010, estas entre otras películas muy conocidas. El más desconocido es Ebon Moss-Bachrach, quien abarca el papel de heroe, por llamarlo de algún modo. Luego hay algunos figurantes y todo el reparto de niños malotes que con cara de pocos amigos, irán aumentando la tensión según avanza la historia. Para quien no haya visto la película original puede que Juego de niños le resulte una buena película de "niños cabrones", pues en la actualidad ya existen bastante propuestas similares, pero es una lastima que todo el potencial de la película se deba por la existencia de ¿Quién puede matar a un niño?. Esperemos que esto le sirva a Makinov como carta de presentación y pueda demostrar próximamente si puede ofrecernos algo mejor.
En los www.loscriticonos.com recomendamos encarecidamente la película original.

Debut en el mundo del largometraje para Carlos Puerto, bajo el apadrinamiento de Juan Piquer Simón, un conocido cineasta de género fantástico en nuestro país. Juan Piquer Simón colaboró de forma parcial en la dirección de algunas escenas, así como en diversos aspectos de la producción de la película. La intención estaba clara, aprovechar el filón de películas de la misma década relacionadas con posesiones, satanismo y sectas, mezclado con el destape. En su momento obtuvo la calificación S, una película que cosechó más éxito en su distribución internacional.

Escalofrío se consideró una película erótica con tintes de terror, aprovechó un buen momento para tratar un tema como el satanismo, que por entonces y de forma universal, captaba mucha atención. Como curiosidad, la película dispone de un prologo introductorio a la ambientación y tono del que hará gala todo el metraje; parte de su gracia es que está narrado por el doctor Jimenez del Oso, conocido por entonces por tratar temas de ocultismo y parapsicología. Escalofrío es una película que no manejó un gran presupuesto, pocos actores y localizaciones. La película se podría decir que es mala, aunque interesante en cierto modo; tiene sus aciertos y momentos que están bien rodados, pero termina siendo algo aburrida y repetitiva. La banda sonora está compuesta por Librado Pastor, que ya trabajó en otras producciones como Mil gritos tiene la noche, consigue unas melodías simples que ayudan a potenciar la ambientación de la película, ayuda mucho.

Las actuaciones de los pocos personajes a interpretar están bien, convincentes para el tipo de producto y su año de producción, con actores que ya disponían de un largo recorrido como Ángel Aranda. La película también contó con la presencia de Sandra Alberti para dar el toque erótico, en conjunto de Mariana Karr; ambas son el reclamo del destape llevado a escenas de sexo algo más explicito, sobretodo en su momento. La propuesta de la película es interesante, pero incluso con su ajustada duración termina siendo algo tediosa, así como previsible. El guión está lleno de diálogos absurdos, situaciones inverosímiles y repetitivas. Lo más atractivo de la película reside en el tono característico de la década de los 70 para hablar de ocultismo y satanismo, pero con ración extra de teta. La iluminación de Andrés Berenguer tiene algunos momentos interesantes, pero por lo general es muy simple y no consigue narrar ni transmitir demasiado. Después de Escalofrío el director y guionista Carlos Puerto dirigió cuatro películas más, tres de ellas también firmó el guión. Cine erótico satánico desde la España de finales de los 70, no se trata de una gran película, pero es una curiosidad que más allá de nuestras fronteras adquirió cierto estatus siendo más conocida como Satan's Blood.

Otra propuesta post apocalíptica donde como particularidad original es que tendremos al Sol como principal peligro omnipresente. Se creó cierta expectación al visualizar imágenes y el trailer, apuntaba que la utilización de la fotografía estaría al servicio de la historia, siendo algo más que pura estética. La cuestión es que no fue el caso, la película comienza mejor que acaba. En Alemán Hell significa destello provocado por una fuerte luz, la cuestión es que la película no consiguió destellar. La sensación que me causó fue decepción, pese a ganar el premio a la mejor fotografía en el festival de Sitges 2011, algo con lo que estoy en desacuerdo. El director de fotografía Markus Förderer también debuta en el largometraje tras varios cortometrajes; la cuestión es que no basta con sobre saturar la imagen abriendo el diafragma para justificar el poco partido que le sacan a las ideas de luz que presenta la película.

Sobre el argumento no hay mucho de que hablar, por lo menos se podrían haber molestado en mostrar algo mejor contado, no es necesario que fuera original, pero por lo menos que no fuera tan extremadamente previsible. Se quedan en el esquema básico, con una narrativa pobre y con escenas mal resueltas, por lo que muchas veces a la que haya algún momento de persecución o acción entre los personajes, no se termina de entender bien que está pasando y vas siguiendo el hilo porque la película es simple narrativa. Los trabajos en los decorados, la recreación de un mundo devastado por el calor extremo, está bien construido, no es nada espectacular pero se agradece el esfuerzo por el departamento de arte y el equipo de localización. En está película donde el tópico "El hombre es un lobo para el hombre" se pretende resaltar con un tono realista, pero no terminan de conseguir un buen efecto, los movimientos de cámara son desconcertantes, mal ejecutados. También la falta de impacto en las partes supuestamente más duras dejan la sensación de indiferencia ante la acción.

Los pocos actores principales cumplen sin más, pero son personajes muy planos, desde el principio se procura crear un vinculo con el espectador, pero las acciones son tan forzadas que no consiguen crear empatía. Según avanza la película cada vez te importa menos lo que les ocurra a los personajes, no hay ningún tipo de intensidad, ni relaciones afectivas más allá de las pautas esquemáticas, no hay trascendencia dramática. Lo cual es una lastima, pues esta película necesitaba más carga dramática pero solo consigue la sensación de desilusión, terminas pensando que está desaprovechada y que podría haber sido mejor. No es una película horrible, pero por mucho premio a la mejor fotografía que se le haya otorgado, la verdad es que hay momentos lumínicos mal resueltos y pequeños errores de racord de luz. Aunque el mayor delito es no sacar partido a la idea global de luz que presenta la película, quedando solo en algo estético integrado con la narración plana de toda la película.