En El gran cuaderno comprobamos la existencia e importancia de esa fina línea entre basarse y copiar el estilo de otro director. Hace mucho se abrió el debate de si Tarantino copiaba u homenajeaba a otros autores en su cine, debate que aún no ha sido cerrado. Realmente es algo complicado, imposible incluso, meterse en la cabeza del director y llegar a saber por completo sus intenciones, por ello a János Szász le deberíamos otorgar el "beneficio de la duda". Decimos ésto porque su largometraje posee un estilo claramente similar al del austriaco, y reciente Premio Príncipe de Asturias, Michael Haneke. No solamente comparten al mismo director de fotografía, Christian Berger, sino que Szász se adueña de la forma de transmitir emociones del director de La cinta blanca, de su capacidad y modo para crear tensión y de la forma de desarrollo de sus personajes. Podemos perdonar los últimos apartados teniendo en cuenta que se trata de la adaptación de una popular y galardonada novela, pero las referencias son más que claras.

En El gran cuaderno dos hermanos gemelos que son llevados a vivir con su abuela mientras termina la Segunda Guerra Mundial, tendrán que fortalecerse mental y físicamente para poder enfrentarse a la locura y brutalidad de un país en guerra. Estamos ante una premisa que augura un largometraje tocado por el más sensiblero cine pero, para nuestra sorpresa, el filme ganador en Karlovy Vary (y que compite aquí por el Giraldillo de Oro) no pretende hacerte llorar, sino que pretende hacerte sufrir buscando el realismo más extremo para lograr destruir emocionalmente al espectador. Advertimos que quién se enfrente a ésta cinta, corre el serio riesgo de acabar completamente abatido ya que su crudeza aumenta a medida que transcurre su metraje, formando una bomba de relojería en la cabeza del espectador. El gran cuaderno consigue sacar a relucir el lado más desgarrador del ser humano, desde la perspectiva de unos niños que se revelan como claros representantes de la inocencia.

La película se basa en una evolución de los dos protagonistas y en cómo el mundo se corrompe con ellos, por lo que es fascinante, además de doloroso, ver como los roles de los gemelos cambian de ser víctimas a verdugos. Es cierto, eso sí, que las últimas partes de la película pueden resultar tan macabras como retorcidas perdiendo de algún modo el crudo y conseguido realismo creado. János no pudo aguantar su contención y se sobrepasó, por ello la parte final desconcierta más que impacta al espectador.

De la imagen se podría destacar lo bello de la composición, notándose la mano de un maestro de la fotografía como es Christian Berger en el apartado visual, que nos aporta imágenes que se graban en tu retina. También deberíamos resaltar el ritmo apagado que crea János en su obra, ritmo que no deja por ello de enganchar al público que a medida que pasa el tiempo aumenta su curiosidad acerca de cómo puede terminar tremenda tortura, tortura rodada con talento y calidad. Mención especial merecen los pequeños intérpretes que hacen un papel impresionante.

Crítica original: http://www.lallaveazul.com/2013/11/conexion-seff-folman-fascina-y-binoche.html

'Psicosis' es única. Jamas habrá algo como ello, puede intentar copiarse, pero lo que la hace especial no es el argumento en sí. La mano de HItchcock fue la que volvió un libro de asesinatos del montón, en lo que hoy conocemos como una de las grandes películas del terror. El perfilo la obra para que fuera mas atractiva y aprovecho las mejores partes de ella para crear una obra especial y que cambiase el genero para siempre. Es increíble lo atemporales que son las películas realizadas por el maestro del suspense. Entonces, ¿Por qué se realizo esta bazofia?

El propio Gus Van Sant habla sobre ello en el capítulo 14 de la serie 'The story of Film - An Odyssey', habla de que su versión es muy distinta a la de Hitchcock. Su intención era ver que ocurría si intentaban deliberadamente hacer lo mismo, lo que el aprendió fue: Aunque los ángulos de cámara sean los mismos y las actuaciones muy parecidas (en eso difiero, las actuaciones de esta versión son horrendas) las intenciones del director y su propia alma son diferentes. Su 'Psicosis' carecía de una de las características mas importantes del original, esa oscuridad que hay debajo de la tensión. Él mismo dice la frase: Mi 'Psicosis' se volvió un ejemplo de como no se puede copiar algo.

El propio director lo reconoce, sabe que su película no funciona y es imposible copiar una obra así teniendo en cuenta que lo especial era la mano del director. Sin esa dirección 'Psicosis' es esto. Las criticas destruyeron a este película como es normal, pero ahora que el propio Gus Van Sant lo reconoce, debería ser objeto de estudio esta obra en las escuelas de cine, para así demostrar que hay elementos de una película los cuales no se pueden copiar, como el alma de uno de los mejores directores de todos los tiempos.

Cronenberg saca todos sus pensamientos sobre el cine en este corto para celebrar el 25 aniversario del Festival de Toronto. El divisa dos visiones, la joven y la vieja. Supones desde el minuto 1, que el actor que interpreta Leslie Carlson esta basado en las ideas propias del director, cambiamos el papel de actor por director y tenemos a Cronenberg confesándonos todo.

Es interesante que comience todo con los chicos haciendo cine con una antigua cámara. Podría referirse a su propio hijo metafóricamente, ya que hace poco se estreno 'Antiviral', la película de su hijo. Habla David como sí el cine le hubiera dado patadas, el cine ya no es lo que era, pero el ver a los jóvenes ilusionados con él, le hace sentir, no sabe si lo que siente es felicidad por la renovación del cine y de la ilusión, o es tristeza lo que tiene porque esos sueños morirán con el tiempo.

Corto personal de Cronenberg, una carta dedicada a su propio hijo, en el que, le desea fuerzas e ilusión para su lucha, por su sueño aunque al final, este pueda ser destruido.

Después de los numerosos vídeos de las reacciones de la gente al ver el trailer de El ciempiés humano y el fenómeno odio/amor que se generó, la curiosidad me mataba. Tenía que descubrir de que bando estaba, estoy en el de amor.

De primeras podemos ver que hay una dirección y una actuación de cine. Tom Six maneja bien los planos y el guión, dejándonos claro que no nos encontramos ante un producto de serie B. Se nota un amor retorcido por esta creación, Tom Six lo da todo por su obra y lo que quiere contar. Dieter Laser se luce, realmente me sorprendió una actuación tan brillante en un papel tan trillado como científico loco, provocando la tensión solo con su mirada.

Muchas de las criticas que leo sobre esta película, se basan en que no enseña tanto como debería (cosa que hará en The Human Centipede II). Pero creo que hay esta la magia de esta película. No se trata de lo visceral de el asunto, se basa en la atmósfera que se genera a partir de eso, se crea un hilo de tensión que va aumentando cuanto mas información conocemos del personaje de Dieter Laser y su proyecto de El ciempiés.

Pero eso no implica que nos enfrentemos a una premisa falsa o light. The Human Centipede enseña lo que tiene que enseñar. Hay sangre. y cagadas. Pero si lo único que buscas es el gore sin justificación argumental, te aconsejo Hostel. Solo los créditos finales de la película producen mas tensión y mejor atmósfera que Hostel en su totalidad.

The Human Centipede tiene las claves para una GRAN película de terror. Tensión y atmósfera. Ademas de cierto toque de originalidad aunque con resultados algo clichés. Pero si la ves sin prejuicios, te sorprenderá. El ciempiés humano es una experiencia, una que es mejor vivir en la pantalla que en la realidad.

Sobre Jimmy P. me hice demasiadas ilusiones al leer la sinopsis de la guía del festival SEFF, en la cual se comentaba que la película de Arnaud Desplechin era cercana a películas como "Un método peligroso, de Cronenberg. Empezaré diciendo que Benicio del Toro, nuestro protagonista, no me causa simpatía. Es un actor que interpreta siempre el mismo papel y ha llegado a un punto por el cual no me creo nada de lo que haga. Pese a que intenté deja de lado mis prejuicios, y confié en mi capacidad de sorpresa, desgraciadamente no se pudo más que corroborar mi tesis. Benicio realiza una pésima interpretación protagonista, interpretación en la que Desplechin deposita en vano su confianza y gran parte del peso del filme, manteniendo la misma expresión y el mismo tono de voz se enfrente al personaje o a la situación a la que se enfrente. Él es así.

Aparte de éste importante punto débil, nos enfrentamos a un interesante duelo de egos. Interesante teniendo en cuenta el matiz narrativo de la película que nos presenta a un psicoanalista contra su propio paciente, pero este conflicto no explota ni se juega realmente hasta el final, y cuando ocurre, la película no tarda demasiado en terminar. Mientras tanto no veremos evolución alguna en ningún personaje, simplemente observamos unos actores algo perdidos que se mueven ciñéndose a un guión, sin convicción alguna por su rol. Con ello veremos una estructura de conversaciones sucesivas que intentan descifrar a Jimmy P, el cual resulta poco interesante, bastante insípida y repetitiva. El personaje del doctor resulta curioso y más interesante, pese a que no deja de ser un conjunto de tópicos y clichés.

Lo mejor de la película podría ser su tono e intenciones que no son más que, simplemente, crear simpatía al espectador. Jimmy P. es la típica obra que pretende sacar a relucir tu lado sensible para que al salir del cine experimentes un sentimiento reconfortante. Palpamos y conocemos dichas intenciones, pero el filme francés no consigue llegar al puerto deseado. Jimmy P. no busca realizar un análisis complicado y profundo de los personajes, sino la felicidad de su espectador. Para terminar me gustaría comentar el papel de ella, la amante del doctor. Es curioso (o no) que una película basada en el miedo a la mujer, al amor o a enfrentarse a sentimientos similares, tenga unos personajes femeninos tan simplones y tópicos. Los personajes femeninos representadas en Jimmy P. están dibujadas con desgana, resultan planas, construidas sin ambición y son concebidas como mero complemento, como mero relleno. Al salir del cine, sentí cierta sensación gratificante pero pasados no demasiados minutos, me invadió la indiferencia ante la arriba comentada obra.

Crítica original: www.lallaveazul.com/2013/11/conexion-seff-la-mostra-de-venecia.html