Siento decirlo: me ha defraudado. Algunas cosas me han gustado, pero en general, en la cinta veo cojera, cojera. Hay destellos de buen cine y muchos minutos de mamarrachada.

Voy a empezar por lo malo: La música, horripilante, no pega ni con cola. Alfredo Landa que es un super actor no lo hace nada bien, está de chiste. Algunas escenas me han recordado las películas del prolífico Mariano Ozores, al que seguro, más tarde que pronto le dedicaremos una reverente crítica. Los fundidos a negro suspenden y la puesta en escena no me convence.

Lo mejor: Manuel Lorenzo, Rocky el Barbero, impresionante. Miguel Rellán, el Moro, excelente. José Bódalo, breve aparición del animal escénico. Destacar las estampas de un Madrid con coches y letreros de comercios de la época.

El último duelo.

“La verdad no importa, sólo el poder de los hombres”
“Uno de los dos miente, que Dios decida quién”

Tomo en préstamo estas dos frases de la película para dar un punto de vista (no se tiene intención de generar opinión, discurso o hecho, no hay brillo ni inclinación en lo dicho) para abordar la conclusión de la pregunta que nos propone finalmente la película de R. Scott, que es, parece ser, de lo que todo el mundo habla. ¿Quién dice la verdad?. Hay dos versiones y la verdad. La verdad corresponde a la dama, se la presupone. Hay que ser caballeros.

El ingenio del director octogenario viene esta vez a caballo… ha conseguido hacer una película semicurada, pero sin remilgos, en la que los actores están a cierta altura y no se caen (en lo más alto Matt Damon que tiene más peso de guión), incluso un Ben Affleck que al principio no sabe a donde mirar acaba haciendo buenas muecas. La productora ha estirado bien el dinero, y no en marketing, ese sí hubiese sido un fallo garrafal (he leído que ha sido un fiasco comercial, pero eso juega a su favor), por tanto, nada que objetar en cuanto a la dirección artística y la fotografía.

Localizaciones e interiores centradas en el marco, mientras el sonido apabullante de las armas blande en las corazas. El sobrio diseño de vestuario se alía con la lenta dramaturgia de la lente, el gris invierno y el corazón roto de la dama. Las chimeneas francesas envuelven los deseos y las conspiraciones. Tímidos haces de luz adornan los tonos sombríos y los crudos diálogos.

Ethos, Pathos y Logos, los tres jinetes aristotélicos encabezan el discurso de la historia. Hay muchos indicios y matices y el lector estará conmigo en que no hay que dejarse llevar por aquello que no se ve. Dicho esto, que es como no decir nadar pero diciendo, he de decir que las pruebas están ahí.

Primero, la rivalidad y la envidia, el odio que se acrecienta entre los escuderos por afán de veto, influencia, posición, y poder, y postreramente por el clamoroso favor de la esposa. Ambos son arrogantes. Jean de Carrouges, orgulloso y obstinado, impetuoso mercenario al servicio del Rey. Jacques Le Gris, es narcisista, vanidoso y adulador, su inteligencia hace caladero en la Corte, granjeándose la valiosa amistad de un noble principal, el primo del Rey.

El hecho que dificulta los caminos separados, las tierras de la dote de la novia, Marguerite. Cuando el escudero Jean accede a casarse con la hija de un noble de muy mala reputación por haber traicionado a la Corona en el pasado, le pide, además de la fertilidad de la hija, casi gran parte de las tierras que posee, incluida una que parece tener sobre el mapa una atracción peculiar y que el padre subrepticiamente intenta excluir del lote, “Vallée de Foucault”, entre montañas, que ese extiende entre ricos pastos, donde Marguerite vivió su evocadora infancia de sueños y lindezas. Finalmente el padre, no se puede negar.

Le Gris conoce de la importancia de este hecho, y dado el odio que ya se tienen (este odio parece tiene su origen en el hecho ciertamente indocumentado de que Carrouges salvó la vida a Le Gris en algún ángulo del fragor de la batalla, cuando el febril matraco golpeaba los cuerpos en movimiento a diestro y siniestro, pues en momentos de furia campal se dan por hechos ciertos de infanterías y caballerías, invenciones a veces inverosímiles, como sabemos bien del nuestro caballero Don Quijote, El de la Triste Figura, y con ello fortuitamente salva el pellejo a Le Gris (Carrouges le mira a los ojos diciéndole en silencio “ te salvé la vida” ), como Le Gris no considera tal renombrada hazaña sino como un accidente casual y sin importancia, un hecho menor, es por ello que está obsesionado en perjudicarle; por tanto a Le Gris hay que considerarlo un insano adversario cegado por la envidia que le provoca la figura de Carrogues) planea arrebatárselo con la ayuda del primo del Rey que ésta en deuda con éste por el ejercicio de remontar sus finanzas; finalmente el conde decreta que aquellas tierras sean para Les Gris.

Ambos dos, a partir de este robo consentido son ciegos rivales y se desean muerte, deshonor y vileza. Pero como en toda comunidad hay reglas que están ligeramente por encima de individuo, y como el radio en el círculo de la Corte es pequeño, y hay gran malestar entre los nobles por esta historia de enemistad y venganza, que pudiera perjudicar incluso a las importantes pujas bélicas que se libraban en el país (Guerra de los Cien Años), ambos por mediación de terceros, forzadamente deciden olvidar agravios, recelos y rencor, y acercar posturas como viejos soldados amigos que eran.

En este momento de la peli, el guion no puede decaer, nos estamos jugando si no premio, si alguna mención en los Oscars. Aparece triunfal el personaje más delicioso de la trama, el cariacontecido ego de una noble cuyo padre le dijo justo antes de casarse “que siempre le sonreiría la fortuna”.

Película española, con recursos suficientes para convertirse en una película aplaudida por la crítica y por la taquilla.
Poco a poco las producciones del país se van haciendo hueco en las salas de proyección gracias a los guiones compactos, a las buenas sensaciones interpretativas y al buen hacer de técnicos y creativos.
El argumento no transita en el entretenimiento sino más bien en la respiración, y no se trata en absoluto de un producto, sino de una obra.
Conjugando los elementos objetivables , no debemos sino premiar este ejercicio de superación del cine español, que paso a paso, crea galerías de buenas producciones.

Huston es uno de los grandes. He visto muchas películas suyas, y todas tienen algo que las hace particularmente inolvidables. Dicen que esta es más floja y mal encaramada... puede ser que lo sea, y qué.....
Nada más comienza la música ya te indica que va a ver altibajos... que no es una filmación corriente.

Podía haber sido mucho más, puede ser...

También al principio, junto con la música, danzan las imágenes de un puzle que se hace y deshace... así es, un puzle con momentos imborrables de actores cuyos nombres e historia todos conocen.

La cinta deja momentos gloriosos, bárbaros, en nuestras retinas, a nuestras espaldas, un sabor que se deslíe como un terrón de azúcar adulterado con stevia.

Tiene tropiezos visuales, un número destacable de imperfecciones, un ritmo irregular, frenético y apagado, pero todo es de gran belleza visual, con muchos guiños... Se puede sentir la respiración y la atmósfera... Se puede sentir en silencio los pensamientos de los personajes.

Las interpretaciones de los actores principales suben y bajan como en una noria, pero son majestuosas, y no dejan lugar a dudas, brillan en el ocaso, y desnudan las emociones más toscas.

El director acostumbrado a las grandes estrellas, sabía que no iba a ser fácil. Las historias personales se cruzan con las vidas retratadas. A Gable le dio un infarto tres días después de terminar el rodaje, y su vida se extinguía poco tiempo después. Monroe, que derrocha vida, decepción, ternura, fragilidad, tristeza y una belleza y una sensualidad irrepetibles sería su última película terminada. Clift, cuyo rostro y talento cicatrizan en esta producción, tan adicto a la vida como a los golpes y al alcohol, repetiría película con Huston (el director quería más de este animal escénico).

Los actores secundarios ejercen una influencia maravillosa en el guion, dejándonos secuencias de una belleza primordial, y un significado transfronterizo. El cine cuenta historias, y estas merecen ser ser contadas. Las imperfecciones crean destellos.

Hay que ver la película, no en su conjunto, sino como teselas. Hay secuencias maravillosas. Y frases... Y miradas... Y deseo... Y pasiones... Las secuencias en el desierto con los caballos salvajes cautivan. La doma y los vaqueros son imágenes soberbias.

Esta cinta no es una cinta corriente, no es cine a la cuadrícula.
"Todos nos estamos muriendo todo el rato", así que no se pueden ir de este vano mundo sin verla al menos una vez.

Imaginaros cómo sería la existencia en tiempos de guerra, de represión, de confinamiento, de discriminación. En ésta película lo podemos ver. Se entremezclan realidad y realidad figurada. En la realidad figurada, que será expresada en el desarrollo de la obra de teatro, todos los implicados desean que les aplaudan al final de la obra. Llevan representando la obra muchos días pero el público no aplaude. Ese cordón umbilical en el guion me ha gustado. Incluso más importante es para ellos, la propia obra de teatro, como una recreación de ese mundo irreal, donde poder hacer comedia de la vida misma, expresarse a través de la música, etc... muy contrario por supuesto al mundo real, pretensiones y tribulaciones de tenues vidas en un infernal escenario llamado Gueto donde la existencia está a merced de momentos inciertos. El comandante alemán está dispuesto a matar solamente por el hecho de que no rían cuando él quiera que rían.

A destacar el trabajo de los camarógrafos, en los planos secuencia y en aquellos que terminan en primeros planos logrando crear una atmósfera intencional, muy vívida. La cinta técnicamente creo que está muy lograda, en el intercambio de ambientes, en los vaivenes lumínicos, los personajes van mudando. Asusta la fortaleza que tienen para poder realizar una función de teatro cómico-musical cuando sus vidas realmente se están desmoronando.

Una cinta en la que se respira éter poético y adversidad. Con una actriz principal, Clara Rugaard, que podría hacer si quisiera más de un papel porque tiene talento a raudales, y, una segunda actriz que bien podría ser la protagonista envejecida treinta años después, cuyas frases de guion dejan certezas como ésta: "lo importante no es amar, sino que te amen", "niña".

La música como BSO y en las voces de los protagonistas no sólo hace sino apuntalar la calidad de la cinta. La música es como el velo que cubre la faz de una hermosa mujer, es como el sombrero en el duelista antes de enfrentarse con la espada del retador.

"El amor en su lugar", me parece un título precioso que describe muy bien que lugar ocupa este sentimiento si se compara con el instinto de supervivencia o con el de la extinción.