La culpa es mía porque me dispuse a ver esta película creyendo que iba a disfrutar lo mismo que con "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford". Y es que aunque el actor principal y el director sean los mismos faltan dos cosas importantísimas.

La primera cosa que falta es Nick Cave y Warren Ellis componiendo la banda sonora. Pero no es la más importante, ya que en esta película la banda sonora se compone de temas de country en su mayoría y no está mal elegida.

La segunda cosa (y la más importante) es Roger Deakins. El director de fotografía que tantas maravillas hizo en su anterior película no está en este proyecto y no se refleja el poderío visual que vimos en el western.

En cualquier caso, como ya he dicho, la culpa es mía. No es la misma película. De todas formas podríamos fijarnos en el guión, pero no innova. Es lo mismo de siempre. Malos mafiosos que dan palizas, juegan, roban dinero y matan. La única característica (para dar personalidad) a Brad Pitt es que es un asesino prácticamente convencional.

La constante búsqueda de la metáfora y el contexto histórico y social con los discursitos de Obama contrapuestos a la decadencia de la ciudad es paja que se le está metiendo a la almohada que no está blanda aún.

Espero que Andrew Dominik sea listo y en el futuro vuelva a trabajar con Roger Deakins. Entonces volverán a hacer una gran película.

Vamos a situarnos un poco. Estamos en el año 1999. Año de producciones tan notables como “El sexto sentido” (M. Night Shyamalan), “Matrix” (Larry & Andy Wachoski), “La milla verde” (Frank Darabont), “El club de la lucha” (David Fincher), “Una historia verdadera” (David Lynch), “American Beauty” (Sam Mendes) o “Todo sobre mi madre” (Pedro Almodóvar). Grandes colosos y nuevas promesas afloran en Hollywood. Y ahí está Paul Thomas Anderson, un joven de 29 años que ya había dado su carta de presentación en una cinta sobre un hombre con un pene de 13 pulgadas, entre tanto afloramiento, decide poner su propia flor. Magnolia.

Podemos decir, casi sin riesgo, que el inicio de Magnolia es uno de los más brillantes del cine. Pocos comienzos me han tenido tan atrapado y me han sorprendido tanto como este. Por decir alguno, voy a caer en lo mainstream y diré que “Sed de mal” (Orson Welles, 1958) se lo disputa. Tras 3 historias cortas se presentan a los personajes que van a protagonizar esta extraña cotidianeidad. En poco más de 7 minutos ya sabes lo que vas a ver. Y les conoces a todos. Un par de detalles en la pantalla te hace ver cómo son, qué rol juegan y la dirección que están tomando.

Es una película que no está contada a partir de diálogos (quitando algún speech algo azucarado hacia el final), sino de escenas y composición. Por poner un ejemplo, uno de los personajes, el padre de un niño prodigio (¿Paul Thomas Anderson se está imprimiendo en este personaje?) se retrata en dos escenas. Una en la que llueve a cántaros y en lugar de tapar a su hijo, se tapa a él y otra en la que se ve su habitación en la que tiene una gran máquina de ejercicio (se puede ver que es una persona superficial, el cual utiliza el intelecto de otros, en este caso, su hijo, para poder conseguir sus objetivos).

Su puesta en escena, fotografía y ritmo narrativo son un toque personal de Paul Thomas Anderson. Su ritmo casi de videoclip te mantiene atraído durante sus dos primeras horas, siempre pensando que está a punto de acabar, con esa banda sonora de Jon Brion brillante, que no deja de sonar en casi toda la película. Es cierto que la película alcanza su madurez a las 2 horas y, quitando los últimos 20 minutos, parece que se precipita a un cúmulo de explicaciones dispersas y débiles, que no tienen mucho que ver con el tono general de la película.
Esta cinta trata sobre el arrepentimiento y el perdón. Sin embargo, no trata del perdón ajeno, sino del perdón propio [*1]. “Hemos acabado con el pasado, pero el pasado no ha acabado con nosotros”. Pero no sólo trata del perdón, no. Trata sobre el amor (o la ausencia, o incapacidad de amar de algunas personas) en todas sus variantes. Amor familiar, amor propio y amor convencional. “Tengo mucho amor que dar, pero no sé dónde ponerlo”.

Todas las interpretaciones son sublimes. Un elenco en estado de gracia. Está claro, que es una película de personajes, y Paul Thomas Anderson ha sabido exprimir cada actor para conseguir matices tan ricos como los que experimenta el personaje de Tom Cruise, Frank Maggey.

Y terminas la película y te preguntas. ¿Qué ha pasado? ¿Qué acaba de pasar? ¿Estas cosas realmente pasan en el mundo? [*2]

1986. El año de "El color del dinero" (Martin Scorsese), "Platton" (Oliver Stone), "Hannah y sus hermanas" (Woody Allen). Todas grandes películas que pasaron a la posteridad. De entre tanto éxito surgió una película con una tímida nominación a mejor guión adaptado en la academia.

Un Rob Reiner prácticamente en pañales que posteriormente firmaría películas tales como "La princesa prometida" (1987) o "Cuando Harry encontró a Sally" (1989) nos muestra la sencillez hecha película. Un pequeño pueblo de Oregón, lo suficientemente grande para 4 pequeños chavales con 12 años.

Nos cuenta una historia simple y poderosa. Hay un desaparecido en el pueblo y ellos han descubierto dónde está el cadáver. Deciden ir a verlo, dar la alarma y convertirse en los héroes del pueblo. En un pueblo donde nunca pasa nada, supongo que día sí día también tendrían que inventar historias para divertirse, pero ésta era real.
Todos los niños, además, necesitaban el premio de ser héroes por diversas razones. Y se embarcan en esa aventura de tan sólo dos días donde puedes llegar a ver el carisma que desprenden las cuatro interpretaciones con unos personajes perfectamente perfilados. El loco Teddy Duchamp, el miedica Vern, el inteligente Lachance y el líder Chambers.

El verdadero sentido de la película es evocar nuestra infancia, y lo consigue. Cuando no ibas con tus amigos a buscar "cadáveres" estabas desenterrando huesos de dinosaurio o jugando a ser policía en bicicleta. Nunca he tenido conversaciones tan buenas y trascendentales sobre nada en absoluto como en aquella época donde la máxima era meterse con la madre del otro cuando algo nos molestaba.

Todo ello mezclado con una banda sonora perfecta. Temas como "Everyday", "Lollipop" o el propio "Stand by me" que no ofenden y gustan a todo el mundo.

En definitiva, este road trip en miniatura me ha llevado muy lejos. Mucho más lejos que los límites de Oregón. Estoy hablando de años, no de kilómetros.

He de admitir que vi esta película con reticencia. El argumento me echaba para atrás desde que vi el trailer por primera vez. La verdad es que he recibido una bofetada en la cara al verla.

Me estoy poniendo al día con las películas nominadas de los Goya y he de decir que para mí, esta es la que más se merece la mayor parte de las nominaciones que ha recibido.

Lo único que me llamaba al principio de esta película era ver qué trabajo hacía Maribel Verdú, que todo el mundo hablaba de ella. Ahí recibí la segunda bofetada cuando descubrí que no era Maribel Verdú la que estaba inmensa (que también), sino Macarena García (a falta de ver a Cati Solivellas en"Los niños salvajes" para mi es el Goya a mejor actríz revelación). Esta chica nos cautiva a todos con su actuación cada vez que hace una mueca, sonríe o llora. Gran parte de culpa del éxito de este film es suya, que le ha echado un capote con su actuación.

Pablo Berger, después de 9 años sin saltar al ruedo ha escrito una obra original y muy cuidada. El riesgo que ha corrido Berger al escribir un guión tan extraño (una obra en blanco y negro, de España en los años 20 y versionando Blancanieves) bien le vale la nominación a mejor director. Lo bien hecho que queda en pantalla le vale la nominación a mejor película. ¡Ah! ¡Y es que además el guión es bueno! Nominación a mejor guión original.

El sustento de esta película son dos grandes pilares. El primer pilar son los actores que lo hacen de maravilla. Parece que han estado haciendo cine mudo durante toda su vida. El segundo pilar es la banda sonora. Es muy difícil hacer la música de una película como esta y la verdad es que pasa el examen con notable.

También me gustaría resaltar el trabajo de maquillaje, vestuario, peluquería y dirección artística. ¿Habéis visto a Inma Cuesta tan guapa alguna vez? ¿A Maribel Verdú tan oscura? ¿A Macarena García tan Blancanieves?

Lo único que le hecho en falta a esta película es un poco más de faena y en mi opinión tarda demasiado tiempo en avanzar la historia en la primera hora.

Todo apunta a que este año Blancanieves pueda ser la que salga por la puerta grande de los Goya, así que ¡Suerte y al toro!

Yo no entiendo, sinceramente, a los que critican esta película por ser para depravados, por ser demasiado gore, por ser desagradable... ¿qué esperaban? Están viendo una película calificada como cine gore, erótico y que trata sobre pedofilia y películas snuff. En serio, ¿qué esperaban?

La película, si nos hemos quitado esa barrera no está mal. Va mucho más allá de los límites éticos del cine. Lo cierto es que hay algunas escenas que dices: "La madre que me parió, hay que estar enfermo". Escenas que nadie se hubiera atrevido a filmar y sacar la película más allá de las fronteras de su ciudad (y esta ha sido proyectada en Sitges). Estamos hablando de una película condenada por la CONCAPA (Confederación Católica de Asociaciones de Padres de Alumnos) y la FAPMI (Federación de Asociaciones para la Prevención del Maltrato Infantil) entre otras. Cancelada allá donde iba.

Yo he visto esta película porque alguien me comentó cierta escena con un bebé. Sentí curiosidad y la vi para ver si realmente era así de dura y ha cumplido, para qué engañarnos.

En la película además se juega con que el protagonista no tiene ni idea de lo que va a grabar, al igual que tú. Así que estás igual de perdido que él. Puede pasar cualquier cosa. Todo vale. Y esa es una de las claves de la cinta, sin duda. El desconocimiento. Sabes que vas a cruzar una barrera pero no sabes dónde está el límite. Y todo está a oscuras.

Además del gore, la violencia y la necrofilia tenemos un contexto social, una denuncia del país, pero esta se queda insuficiente y no aporta nada en absoluto.

A todo esto le tienes que sumar la exageración que se convierte en chiste que incluso te hace reír.

Pero entonces... si es una película de violencia extrema que cumple con lo prometido, con un formato prácticamente de cine (recuerda grabando a gente como Cristian Mungiu, salvando las distancias muy mucho) y además te ríes... ¿por qué no gusta?

La respuesta es porque no la ha dirigido Eli Roth y encima es serbia. Ni que la película se llamara "A Serbian Film"...