François Girard dirige de nuevo la vieja historia del niño marginado pero con un gran talento, pero que tiene que enfrentarse a su trágica vida personal. En este caso, Stet es un niño indisciplinado pero de voz divina que llama la atención de Carvell, un afamado profesor de música coral.

El director François Gerard, el canadiense enamorado de la música, en este film adolece de valentía y podría haberse desmelenado un poco más. Es decir, Gerard hace un planteamiento convencional que aporta poco o nada con su sensiblera película. El guión de Ben Ripley es manido e insustancial, lleno de tópicos y despropósitos y al que se le ven los entresijos casi desde el principio. Lo que quiere decir que es una historia sin mucha emoción, previsible. La música de Brian Byrne va intercalando piezas de Händel, Benjamin Britten, Gabriel Fauré y Thomas Tallis, entre otros, lo cual es un valor sustancial en este film. Buena fotografía de David Franco, una fotografía de tenue luz, perfecta para los ambientes próximos a lo místico que retrata, lo cual que ilumina el relato: ¡estupendo!

En cuanto al reparto tenemos a un jovencísimo actor, un efebo muy bello que es Garrett Wareing y que hace un meritorio papel en la obra, con solvencia, honestidad actoral a pesar de su juventud y aguantando su nivel ante un as de la escena como Hoffman; este joven es probable que dé que hablar en el futuro. Luego tenemos a Dustin Hoffman que no está mal, más contenido que otras veces o tal vez más mayor, resulta muy aceptable su trabajo. Y acompaña un elenco de primera calidad con Kathy Bates (excelente como la directora del Centro, Eddie Izzard (muy bien como el eterno segundón), Kevin McHale (gran papel de profesor ayudante que sobresale entre las dos principales figuras Wareing y Hoffman), Josh Lucas (bien, como padre arrepentido), Debra Winger (siempre en su sitio), River Alexander, Erica Piccininni, Grant Venable, Mackenzie Wareing y Jordan Fango.

En fin, creo que la película tiene buenas trazas en lo que corresponde a la excelente puesta en escena, obra de su director Girard. También nos habla de la superación familiar, social y artística plan moralina que a alguien le puede servir (sobre todo el esfuerzo y la vocación que supone la actividad musical). Y lo que más se agradece es la música: el oído del espectador se engrandece con cada nota de las bellas partituras corales.

Película correcta en su ejecución, con sus errores y desvaríos, pero de fácil digestión. Y con un final apoteósico: en un bello marco catedralicio, suena el Mesías de Händel nada menos!!

La película cuenta la historia de un músico neoyorquino, Harvey Shine (Dustin Hoffman), un hombre sesentero que no ha triunfado en su carrera musical y pasa por una mala racha, tanto en el plano profesional como en el terreno personal. Es en este punto viaja a Londres donde vive su ex mujer, y por azar azarosa conoce a Kate (Emma Thompson), una mujer solterona de cincuenta.

El director Joel Hopkins lo que hace con esta película es aplicar las prescripciones archisabidas y que suelen dar buen resultado, pero sin aportar nada nuevo. Lo que sí hace es, obviamente, aprovechar el carisma y el encanto de dos grandes actores, él y ella, Hoffman y Thompson, con irregular fortuna. El guión de Joel Hopkins relata una historia bastante pastelera, que relata la última oportunidad de la pareja para salvar su soledad y su vacía vida.

En cuanto a los intérpretes, yo creo que tanto Dustin Hoffman como Emma Thompson hacen de ellos mismos. O sea, no hay elaboración en su trabajo actoral sino más bien un poner sus rostros y expresiones de siempre. Mejor están el resto de secundarios como Eileen Atkins y James Brolin, Kathi Baker y otros, todos estupendos.

La película, en fin, es sencillita, sin mayores pretensiones, se ve lo que va a ocurrir a la legua y resulta convencional y acaramelada, como que busca empatizar con el espectador. Pero creo que sólo logra hacerlo con los más desafortunados en el amor y la vida. De manera que estamos ante un drama que se desarrolla apoyado en tópicos.

Nuestro tiempo es limitado, y salvo que seas de corte llorón o te guste el pasteleo, yo no la recomiendo. Si lo eres y te gusta, y te gusta también el Hoffman de siempre y una Thompson a su lado, pues ve a verla.

Vi anoche esta película y me llamó la atención su irregular tirando a malo recorrido, tenida en cuenta que es una película reciente que ha pasado de largo y sin rastro por las pantallas españolas, es decir, que ni siquiera se ha estrenado. Y desde luego no es para menos.

Película canadiense dirigida de forma plana, sin vitalidad y con irregular resultado por David Weaver, a quien se le va la pinza bastante con una trama rara, con unos escenarios oscuros, con una componenda insólita. Además, el film es lento, tarda en arrancar y cuando lo hace se precipita. El guionista Elan Mastai junto al propio Weaver construyen como decía una especie de historia fatal donde el sino de los personajes parece abocarlos, sobre todo al protagonista Foley, a un desenlace detestable que incluye un gratuito y forzado incesto, si bien el protagonista no sabe lo que hace salvo con posterioridad. Por eso digo que el guión parece querer mezclar el cine negro con la Mitología más conocida, tales los mitos de Edipo Rey o Electra. Un recurso que, ahora diré, está desde mi modo de ver, un tanto traído de los pelos para una cinta de cine negro y violento como este. Y además, es fruto de un plagio. Pero sigo.

La fotografía de François Dagenais es bastante oscura, demasiado; la música de Todor Kobakov no sobresale especialmente; y la puesta en escena y el montaje entran dentro de lo más normalito que se despacha.

En cuanto al reparto, aunque no sea un reparto estelar, todos cumplen mal que bien, salvo uno que es nefasto y al que ahora me referiré. Brilla con luz propia el protagonista Samuel L. Jackson, un actor solvente de quien yo diría que a pesar de su edad y de su físico, cumple bien con su trabajo. El papel que Jackson interpreta con corrección es el de un hombre atormentado que ha perdido familia, amigos, conocidos y carece de recursos económicos; un perdedor que pretende una segunda oportunidad para redimirse; le siguen en un equipo de actores y actrices que a veces sobreactúan Luke Kirby, que es el malo pero que no da la talla de malo y hace una interpretación horribilis; Ruth Negga cumple más o menos en su ambiguo rol; Tom Wilkinson, Gil Bellows o Aaron Poole se desempeñan con oficio. La mayoría cumple pero ninguno destaca especialmente en esta especie de thriller más propio del género B.

Y no hay que olvidar algo muy importante: esta película es una versión mediocre de otra obra con enjundia, tal Old boy del coreano Park Chan Wook de 2003. Pues bien, los guionistas no han tenido empacho en tomar las ideas de esta película de Chan, y copiarlas sin rubor. De esta guisa, Weaver sólo toma la premisa del coreano como pretexto para construir un espectáculo de acción y violencia, pero sin profundizar en nada que tenga que ver con el drama filosófico. Mientras esta es una película mediocre, Old boy es una cinta potente en su análisis de las profundidades del corazón humano. O sea, hay mucho de plagio en esta película, plagio que empero no le llega a la suela del zapato a la original.

Película que para mí es pura poesía. Una obra sin sobresaltos, sin sexo ni disparos, un film intimista con la excelencia de la directora Sofía Coppola siguiendo un guión muy original y arriesgado de su misma firma (que la valió un Oscar en 2003). Se trata de una película sencilla y a la vez profunda, muy humana, muy sensible, película deliciosa donde las haya, una cinta que vivifica, que brilla, cargada de sarcasmo y de ternura. No es un film al uso, de hecho, la Coppola bien se puede preciar de ser una directora diferente, original y muy atenta al verso de sus fotogramas. Hay que decir en este punto que esta película ha obtenido varios premios como película o dirección (Premio Cesar mejor película extranjera, 2004; Globo de Oro 2003 mejor comedia; 3 premios BAFTA: Mejor actor (Murray), actriz (Johansson) y montaje en 2003; Premio Especial National Board of Review a Sofia Coppola). Es decir, que no estamos hablando de cualquier cosa.

Pero hay mucho más, aunque he de resumir: la fotografía de Lance Acord es hermosa, e igual la música de Brian Reitzell y Kevin Shields. PERO si yo algo destaco de esta obra son, además de la dirección y guión, sus interpretaciones. Bill Murray está inconmensurable, tanto que parece que sólo pusiera su cara y sus gestos pues es como si no interpretara; con esta interpretación que Murray hace “fácil”, nunca estuvo mejor, por más que es un gran actor. Y ni que decir tiene la Johansson que está deliciosa, suave, brillante: no va más.

Dos personajes fuera de sus países, de su cultura, de sus vidas y que, no sé si por ello o a pesar de ello, establecen un lenguaje propio, una sintonía sin exabruptos aparentes pero muy intensa. Frescura, es lo que caracteriza esta cinta, aire renovado que brota en cada escena.

Y al final, esa extraña pero previsible despedida, temblorosa como una hoja al viento, miradas sin consuelo y la imagen de un auto que se aleja de la vida mientras suena el “just like honey…”.

Virgil Oldman (Geoffrey Rush) es un marchante, agente de subastas y experto en arte excéntrico y solitario, un experto reconocido a nivel mundial. En su vida no se conocen compañías ni mujeres ni afectos de ningún tipo. Todo transcurre así hasta que conoce a una misteriosa joven (Sylvia Hoeks) que le pide que tase y venda las obras de arte heredadas de sus padres. Esta joven, que sufre de fobia a salir al exterior (agorafobia), transformará la vida de Virgil desencadenando una trama de amor y suspense.

Es una película correctamente escrita y dirigida por Giuseppe Tornatore, con buenas interpretaciones, destacando Geoffrey Rush, sin olvidar la presencia emblemática de Donald Sutherland. A pesar de ello, veo puntos flacos en el guión en cuanto a la credibilidad de la historia, y además es un tanto sensiblera.

En resolución, es una película que hay que ver, pero su trama, vericuetos y desenlace resultan chocantes en cuanto a lo creíble de la historia.