“El árbol de la vida” es una de esas películas de las que se puede decir con total seguridad que son únicas, aunque eso no quiere decir necesariamente que guste a todos e, incluso, que guste en toda su extensión.
¿Por qué es única? Entre otras cosas, porque su lectura parece haber puesto la discusión y la crítica sobre otro eje. Desde el momento en que Terrence Malick no se interesa por complacer las requisitorias del relato convencional, nos obliga a mirar este film de otra forma, esperando otras cosas, aunque no sepamos exactamente qué.
Frases como “arte en el cine en su grado más puro” (Variety), “la confirmación de que el cine puede aspirar a arte” (Empire), nos dan una idea de este otro eje, más relacionado con la relación cine-arte y remitiendo a esa eterna y fogosa discusión que creó la expresión “el séptimo arte”.
En términos de Casetti y Di Chio, una analogía negada. Puesta en serie que apela a un universo antiestructurado, fragmentario, inconexo, caótico, disperso, a un laberinto de acumulaciones y yuxtaposiciones que crean censuras imprevistas y puentes atrevidos para reestructurar los datos. Puesta en cuadro que alterna entre una dependencia e independencia total de los contenidos, estable de a momentos, variable en otros, que corta, secciona, encierra y aísla elementos de la realidad para extraer un nuevo material expresivo. La opacidad de la poesía toma fuerza evidenciando la función lingüística, no nos permite encontrar las referencias tan fácilmente y, a la vez que nos ofrece una mayor complejidad, también nos exige un mayor esfuerzo en la lectura.
Lo poético se crea, se manifiesta explícitamente y se sugiere mediante el manejo de los planos, los movimientos de cámara, el montaje y, particularmente, un sonido radicalmente fuera de campo y una música over enfáticamente retórica. Un estilo que puede ser tan atractivo como cansador, tan hipnótico como dispersante, tan mágico como incoherente.
¿Qué decir de la puesta en escena? Es compleja, pero podemos identificar una micro historia familiar y una reflexión macro trascendental. La pérdida es el tema detonante y, a partir de allí, el amor, Dios, la creación del mundo, la naturaleza humana, las relaciones humanas en el marco de la familia, la infancia y su mirada de la vida adulta, la formación del molde que deja la herencia. Nostálgica, la puesta en escena está muchas veces basada en objetos no válidos por sí mismo, sino por su sentido.
Si bien el microclima familiar es chocante y conmovedor a la vez, y las imágenes “documentales” son realmente hermosas, no es un film que recomendaría a un cinéfilo que no esté profundamente interesado en ver algo distinto y que, principalmente, no esté dispuesto a aceptar mas de dos horas de duración que, desde un punto de vista funcional y de núcleos concretos, podría condensarse en menos de media hora. A veces inabordable, “El árbol de la vida” requiere una mirada contemplativa a la vez que reflexiva, dejando poco para el análisis.

Film basado en la novela homónima de Ken Bruen (autor de “London Boulevar”, novela también llevada a la pantalla grande en 2010), adaptada por Nathan Parker (escritor del film “Moon” en 2009) y dirigida por el principiante Elliott Lester (solamente “Love Is the Drug” en 2006).
Al igual que en su otra novela, Bruen escribe una historia ubicada en Londres con similares ambientes y arquetipos de la cultura inglesa como ser el alcohol y las drogas, la constante remisión a sus vecinos los irlandeses, la violencia y el acento en dramas personales interiorizados. Como diferencias tenemos a la policía como personaje principal y no a un asesino a sueldo como en “London Boulevar”. De todas formas, es otra de sus novelas que vuelve a ser adaptada sin demasiadas luces, sobre todo a la hora de hacer un cierre sin baches y creíble.
Jason Statham vuelve a interpretarse a sí mismo: un tipo rudo, justiciero, rebelde, etc., lo que atrae a algunos y aburre a otros. En este caso encarna al típico policía que juega con sus propias reglas buscando ajusticiar a los malos.
Sin embargo, “Blitz” tiene un atractivo que se basa en la diversidad de sus personajes, tanto los principales como los secundarios tienen características bien distintivas y son contrastados y engranados de una muy buena forma, entreteniendo en todo momento.
Más allá de varios planos en picado y contrapicado, y el uso constante de lentes focales de corta distancia, el film presenta una estética bastante convencional, con un montaje y musicalización típicos de las películas de acción.

Basado en el best-seller que lleva el mismo nombre, “Agua para Elefantes” es un drama romántico que escapa un poco a la mediocridad que suelen presentar las producciones estadounidenses en este género.
Al estilo, por ejemplo, de “Titanic”, el film inicia y finaliza su recorrido en tiempo actual donde nos muestra a un dulce anciano que se dispone a contar una parte de su vida, relacionada con una catástrofe (en este caso en un circo en los años 30), cuyo énfasis estará puesto en una historia de amor (y no solo eso).
Es posible que la dirección de Francis Lawrence (“Constantine” y “soy Leyenda”) le haya dado a esta novela un tinte más crudo y dramático, además del romance que llevaba intrínseco. Las escenas del maltrato de animales y de las personas que trabajan en el circo, sumado a imágenes de pueblos arrasados por la depresión de los años 30 son algunas muestras de ello. Es cierto que no tiene la fuerza de una historia de amor que podría haber tenido, aunque también esto la hace, de alguna manera, apta no solo para “romanticones”.
El film alterna una narración con voz en off en tercera persona con una historia contada en tiempo presente. Con un diseño narrativo claramente clásico, “Agua para Elefantes” entretiene, trata de generar sensaciones de indignación y de bronca (y lo consigue), posee una ambientación excelente que la hace creíble, no decepciona -tampoco deslumbra- y vale la pena.

Del director de aquel buen film thriller/policial basado en hechos reales “Taking Lives” y que luego dirigía el drama “Two for the Money” con Al Pacino, para después tirarse más al suspenso con “Disturbia”, llega “I am Number Four” que reafirma la versatilidad de D.J. Caruso a la hora de dirigir distintos géneros.
En este caso se trata de un género de ciencia ficción basado en una historia de extraterrestres con formas humanas que protegen a nuestro planeta. Por momentos, la película parece más cerca de la serie B del cine hollywoodense pero, por otro lado, tiene excelentes efectos especiales, ideal para verla en salas 3D.
De la misma manera alternan la historia, la trama y los personajes, de a ratos parecen demasiado rebuscados y, de repente, se vuelven sumamente interesantes y atractivos.
Si bien se puede decir que ha bajado su nivel respecto de su repertorio, en líneas generales, el film es bastante entretenido y, más allá de la acción y aventura propias del género, las pequeñas pizcas de drama y romance la levantan en momentos donde ya nada perece quedar por decir. Además, el final deja las puertas abiertas para posibles secuelas, aunque dependerá del éxito inicial (el cual parece ser bastante modesto).

Pan Negro empieza rompiendo el hielo con el espectador con una secuencia de imágenes sorpresivamente violentas sobre un crimen que será una de las bases del argumento del film. Después de este shock inicial, la película se adentra cada vez más en terrenos híper dramáticos, donde la velocidad es otra. En este caso hay un drama que se centra en la contraposición de “lo que se enseña” y “lo que se hace” o “lo que se dice” y “la verdad”, pero desde la mirada inocente de un niño muy curioso.
En casi todo momento se pone de manifiesto el contexto de posguerra, abunda la temática la desigualdad social (metaforizada en el título), el abuso de poder (fuertemente vinculado a lo sexual) y una desigualdad de género (superada una sola vez por el poder económico de un personaje femenino).
A veces puede parecer demasiado compleja en su afán de significar “cuestiones de grandes” en los ojos de un niño pero es, a la vez, lo que la hace muy interesante, como una especie de abordaje de la esencia de esas cuestiones, descontextualizándolo todo y haciendo posible su traspaso a cualquier tiempo y lugar.