MARVEL Studios rompió el modelo de blockbuster en Hollywood con su universo compartido hace ya unos cuantos años. Después de 21 películas, está claro que nadie está siendo capaz de igualar lo que la casa de los sueños ha conseguido. Universal intentó hacer lo mismo, pero con sus icónicos monstruos, y no pasó de dos películas. Warner Bros. con su DC Universe parece que ha tirado la toalla y está decidida a seguir un camino distinto, produciendo películas de superhéroes más desconocidos para el público actual (Aquaman o Shazam) intentando aportar algo de frescura al saturado subgénero superheroico. Sony ha empezado con 'Venom' y a nivel de taquilla ha sido un bombazo a pesar de lo mediocre que resulta ser la película, así que veremos cómo evoluciona. Lo que está claro es que aquellos que pensaban que lo que hace MARVEL es fácil, se han tenido que comer sus palabras.

Pocas sagas existen con 21 películas a sus espaldas y todas tengan una calidad mucho más que competente. Hay excepciones, como 'Iron Man 2' o 'Doctor Extraño', pero incluso las que a priori nos interesaban menos a todos como 'Guardianes de la Galaxia' o 'Ant-Man' han acabado siendo toda una sorpresa y aportan ese toque de ingenio que equilibra la balanza dentro del MCU. Más o menos trascendentes, cumplidoras como entretenimiento o simplemente buenas películas... Pero en su gran mayoría han dejado satisfecho tanto al fan acérrimo de MARVEL como al espectador que no sigue este universo. ¿Y qué lugar ocupa 'Capitana Marvel' en todo esto? Pues uno que no esperaba: El de la peor película del MCU hasta la fecha, por detrás de 'Iron Man 2'.

No hay duda de que MARVEL Studios ha apostado por hacer de esta película una reivindicación del empoderamiento femenino, que ha ganado tanta fuerza durante estos años. No es casualidad que se haya estrenado justo el día de la mujer trabajadora. Su target es claro. No solo es respetable (faltaría más), sino que es admirable. Es cierto que ya le allanaron el camino títulos como 'Wonder Woman' o 'Las cazafantasmas'. No ha abierto el camino, pero lo ha seguido con certeza, sin ser tan obvia como la película de Paul Feig ni con un mensaje con tantas contradicciones como la de Jenkins. El mensaje está constante durante todo el metraje pero hay despuntes muy ingeniosos a la hora de decirnos "Eh, que esto es una película hecha para vosotras, luchadoras". En este aspecto, la película funciona y es entendible que muchas mujeres adoren a Carol Danvers y a esta película, sintiéndose identificadas. Buen trabajo MARVEL, pero es de las pocas cosas rescatables ya que en resto de aspectos la película fracasa estrepitosamente.

'Capitana Marvel' es una película cutre, y no precisamente por sus efectos especiales, que están a la altura. Los tres pilares más importantes en un largometraje fallan, y mucho. La dirección, el guion y el montaje nunca habían estado tan poco inspirados en una película de MARVEL Studios. Todo se ve condensado en sus primeros 15-20 minutos, donde uno ya se da cuenta de que la cosa no irá bien, de que esta no va a ser una de esas sesiones de 120 minutos placenteras que están acostumbrados a regalarnos. El problema reside en que todo es caótico y atropellado, no hay momento para la reflexión. Las escenas de acción son un desastre la mayoría del tiempo por culpa de una acusada falta de experiencia en este campo por parte de los directores y un montaje excesivamente frenético.

Hay que sumar unos recursos narrativos vagos y demasiado obvios, casi se podría decir que te tiran a la cara el pasado de Carol y enfatizan demasiado en algunas partes de su moraleja que acabas diciendo "No era necesario explicar OTRA vez esto". Veo tomar por tonto al espectador el ser tan explicativo (y de una forma tan simple) con algo que se ha contado otras veces de forma menos enrevesada. Los momentos más dramáticos, debido a esta falta de descanso, no calan hondo y no consiguen que Carol Danvers te importe como persona. En parte es culpa de que su conflicto ya lo hemos visto (no justo el suyo pero si otros exactamente iguales) tantas veces que acaba cansando, y el guion sigue un patrón tan genérico que pierdes el interés por la película rápidamente. La cinta no puede ser más previsible, y lo peor de todo no es eso, sino que realmente intenta coger por sorpresa al espectador. Una trama insulsa que empeoran cuando se sitúa en La Tierra.

(Sigo en spoiler por falta de espacio)

En el panorama actual, donde cada semana se estrenan un puñado de películas comerciales producidas por plataformas como Netflix, Prime Video o HBO Max y las salas de cine consiguen volver a la normalidad únicamente a través de nuevas entregas de grandes franquicias, el cine fuera de estos esquemas parece relegado al olvido y la marginación. Ya no solo en taquilla, es que cuando lo introducen entre las novedades de alguna plataforma este se ve opacado por películas archiconocidas que vuelven al catálogo o la nueva entrega de la saga romántica de turno con una base de espectadores fuerte. Lo que está claro es que cuando llegue a alguna plataforma 'La ley de Teherán' apenas nadie le hará caso, y su estreno en cines será algo completamente anecdótico. No me gusta hacer de adivino, pero la dinámica de la taquilla española es la que es desde hace meses, y no creo que eso cambie de repente este fin de semana. Más allá de ser injusto, es una lástima que mucha gente se vaya a perder una de las mejores películas de acción de 2022 únicamente por no tener una gran campaña de marketing detrás o por no ser una marca.

El primer contacto con la película es extraño. Evidentemente, hay prejuicios. El cine iraní no es uno de los más populares, y mucho menos si hablamos de thrillers o cine de acción. A la película no le hacen falta más de 5 minutos para tirar esa (posible) barrera al suelo y atraparte de lleno en su vertiginosa trama de policías contra el mundo de la droga y sus consecuencias. Ambientada en una Irán absolutamente destrozada por culpa del crack, con más de 6,5 millones de personas siendo toxicómanas, en la película seguiremos los pasos de una brigada que está persiguiendo a Nasser K. Samad, una de las personas que más culpa tienen de haber llegado a esta situación, el capo de la droga. Los primeros minutos son una forma excelente de romper esa barrera mencionada anteriormente gracias a la redada que tiene lugar en un barrio conflictivo donde hay mucho tráfico y consumo de drogas, mostrándonos el estado de Irán y la actitud de una policía ya habituada a encontrarse cualquier cosa. Aquí no solo te das cuenta de esto sino también del gran trabajo de fotografía y dirección por parte de Houman Behmanesh y Saeed Roustayi, consiguiendo hacer que una película de 3 millones de dólares luzca mejor que otras producciones mucho más caras.

A nivel técnico no es que estemos ante una película de gran escala, pero tiene mérito la forma en la que han aprovechado los recursos que tenían para entregar una producción tan sólida en lo audiovisual. Todas las escenas de acción son agobiantes, muy físicas, y dejando de lado alguna que se nota demasiado americanizada, todas tienen alguna particularidad que las hacen interesantes. La película te mete de lleno en esta espiral autodestructiva por parte de ambos bandos, con una policía sin escrúpulos y unos criminales más humanos de lo que parece en un principio. La manera que tiene de jugar con las expectativas del espectador ante unos personajes tan estereotipados como estos es sorprendente, y esto es gracias a un guion (por parte del propio director de la película, Saeed Roustayi) que siempre va más allá de lo que esperas. Sus protagonistas son un buen ejemplo. Las interpretaciones de Payman Maadi y Navid Mohammadzadeh son fantásticas, dando vida a personajes muy humanos tanto para bien como para mal. El primero es un jefe de policía con una moralidad discutible pero que necesita capturar al segundo sea como sea, mientras que el segundo es un villano al que nunca justifican pero con el que te hacen empatizar, algo muy poco habitual. Sus más de dos horas de duración están justificadas ya solo por el desarrollo de estos personajes, más propio de una serie por todos sus matices que de una película.

El film cuenta con muchas más virtudes, entre las que destacaría una parte final muy emocionante, con una conclusión redonda para el discurso que quiere hacer llegar el director al espectador. No solo funciona como un thriller, es una muestra algo dura sobre la situación actual de Irán y veremos como retratan al sistema judicial, penal y policial que hay en ese país. Lo que más me falla es el poco partido que le saca a unos personajes secundarios que son planteados de forma interesante pero al ser una película tan centrada en dos personajes en concreto, quedan un poco de lado. Aún así puedo decir que son pegas que le pone uno después de analizar la película buscando algo que criticar, porque estamos ante una producción bastante redonda y que deja la impresión de haber visto una muy buena película, muy completa. Todo aquel que tenga la oportunidad de ir al cine a verla, que no falte a la cita, y a malas siempre quedarán las plataformas de streaming como segunda oportunidad, pero no es una película para ser ignorada.

Masaaki Yuasa no es un director de anime convencional. Al igual que otros referentes actuales del medio como Makoto Shinkai ('Your Name', 'El tiempo contigo') o Mamoru Hosoda ('Belle', 'La chica que saltaba a través del tiempo') tiene algo que lo hace peculiar, pero es algo que no tiene nada que ver con lo que hace especial a estos dos ejemplos mencionados anteriormente. Tanto Makoto Shinkai como Mamoru Hosoda tienen un estilo de animación fácilmente reconocible y un componente dramático constante en todas sus obras (el primero más enfocado a las relaciones románticas, el segundo a los problemas familiares y sociales). Pero con Masaaki Yuasa lo diferencial está en lo mucho que le gusta experimentar con el formato, animando historias de forma única y muy especial. 'Inu-Oh' es una película histórica, pero una película histórica dirigida y pensada por Masaaki Yuasa.

La película nos enseña la historia del músico Inu-Oh, un artista de sarugaku (variante del teatro japonés) que tuvo lugar hace 600 años y del que se desconoce gran parte de su obra. Todo a través de los ojos de Tomona, con quien establecerá una entrañable amistad y será quien nos guiará a través de todo este viaje. El guion de Akiko Nogi está basado una novela que relata lo sucedido con él durante ese período, desde un enfoque fantástico para mantener el misticismo que rodea a este personaje histórico pero sin dejar de lado el contenido que quieren enseñar al mundo. A partir de aquí, ya entra en juego la mano de Masaaki Yuasa. El director japonés coge el material y lo plasma en la pantalla adaptándolo a su estilo. La elasticidad y las deformaciones en el cuerpo de los protagonistas son habituales, su fluidez es una delicia y cuando lo necesita, es una explosión de colores en primer plano. Como siempre, no tiene miedo a no ser creíble, ser exagerada y jugar con las proporciones de los personajes. La credibilidad y el rigor histórico dejan paso al espectáculo.

Este retorno al pasado consigue atraparte gracias a la suma de unos elementos que se complementan fantásticamente bien. El trabajo en la animación es espectacular y tan impactante como nos tiene acostumbrados. Siguiendo la estela de sus anteriores obras, es el material quien se adapta a él y no al revés. En la serie 'Devilman Crybaby' adaptó uno de los clásicos por antonomasia del manganime de una forma que nadie esperaba, con maravilloso resultado, mientras que en 'Ping Pong' adaptó un extraño spokon (anime deportivo) con un estilo artístico inolvidable. Está claro que no deja nunca indiferente a nadie y su fuerte personalidad también consigue repeler a muchos, que no encajan su estilo. Aquí está un poco más cohibido y es un Yuasa más accesible, como el de 'El amor está en el agua'. Su sello sigue estando muy presente, pero no es tan experimental como en otras ocasiones. Demuestra su capacidad para adaptarse a historias más convencionales sin perder ni un ápice de su personalidad.

En los primeros compases el film es algo confuso, más por no explicar demasiado el contexto de la obra que por su narrativa. Más adelante, cuando ya se han establecido los personajes, uno comprende rápidamente que el contexto o la época histórica no importan tanto. La película, mientras nos descubre a Inu-Oh y el sarugaku, se encarga de hablarnos sobre como los movimientos revolucionarios en el mundo del arte empezaron desde abajo, de forma humilde, ante un panorama que se encontraba estancado en la monotonía y el conformismo. La primera impresión cuando suenan estilos musicales (brillante e importantísimo trabajo de Yoshihide Otomo en la BSO) que no encajan con la ambientación es desconcertante, pero fácilmente vemos hacia donde quiere ir con esto y nos envuelve en este torrente de música y animación que, en muchos momentos, es una verdadera experiencia audiovisual. Una fiesta que va in crescendo. Las referencias a artistas que cambiaron el mundo de la música son evidentes, pudiendo ver reflejados en nuestro protagonista a músicos como Elvis Presley, David Bowie o Freddie Mercury.

'Inu-Oh' es un precioso viaje por el Japón de hace 600 años, un homenaje a aquellas figuras que fueron vitales en su momento pero que han caído en el olvido por falta de información. También lo es para la música y la animación como medio para expresar pensamientos sin ataduras. Masaaki Yuasa hace tiempo que es uno de los pilares de la animación japonesa, y con esta fantástica película no hace más que constatarlo. Una explosión de talento.

'Hay un hombre en el bosque' es un corto de Jacob Streilein, director que por el momento no ha dado el salto a la gran pantalla. Streilein no revoluciona ni crea nada nuevo, pero no se puede negar que el corto impacta de primeras y tiene una animación realmente exquisita, de la vieja escuela. Recuerda a dibujos como 'El laboratorio de Dexter'.

Hay un contenido crítico muy fuerte en esos casi cuatro minutos que dura esta pequeña joya. No le quitaré la razón a esas personas que comenten lo tópico y previsible de la propuesta. Pero aún a sabiendas de ello, pienso que habla de un tema delicado que merecía la pena plasmar de alguna forma y este corto lo hace a la perfección.

Si hace reflexionar, es porque es real.

Hubo un día en el que Matthew Vaughn dijo que una de sus reglas inamovibles a la hora de ponerse detrás de las cámaras era que esa película en la que trabajase no fuese una secuela. Una regla estúpida a mi parecer, pues hay secuelas que no solo son mejor que el film original sino que son auténticas maravillas del séptimo arte como ‘Aliens’, ‘Terminator 2’ o por poner un caso mucho más reciente, ‘John Wick 2’ (que no entraría en el segundo grupo, pero si en el primero). Él lo decía porque creía que cada una de sus incursiones en la gran pantalla tenían que ser 100% originales y frescas, como pasó con ‘Kick-Ass’, ‘Kingsman’ o ‘X-Men: Primera generación’. Sus obras tenían que remover el mundo del cine comercial y así ha sido hasta ahora. Vaughn, película a película, ha ido dando pasos de gigante. ‘Kick-Ass’ es una cinta callejera, con una primera mitad tremenda y un final más que discutible, pero en la que ya se le veían buenas maneras. Con su incursión en la franquicia de los mutantes consiguió el mejor capítulo de toda la saga y un origen fantástico de Charles Xavier/Magneto, reto que no era nada fácil.

Con la primera entrega de la duología que nos ocupa se asentó definitivamente en los blockbusters o superproducciones con una película que no solo era divertida, ingeniosa e irreverente, sino que tiene en su haber algunas de las escenas de acción más memorables y descacharrantes de los últimos tiempos junto con un reparto en sintonía y con carisma desbordante. La revitalización british del cine de espías. Un soplo de aire fresco que pilló por sorpresa a muchos, tanto a los fans del cómic en el que se basa (el cual fue superado de forma aplastante) como a los que la palabra Kingsman les sonaba a chino. Tres años después nos encontramos hablando de ‘Kingsman: El círculo dorado’, primera secuela que dirige Matthew Vaughn. El amor por esta franquicia le impulsó a traicionar su regla y a encargarse de dirigir y co-escribir su primera segunda parte. La anterior funcionaba como un reloj suizo, contando con un cierre genial que dejaba abierta la puerta a más misiones por si la cosa funcionaba, pero sin ser estrictamente necesario o vital que éstas existieran algún día. Podría haberse quedado en una única entrega de la misma forma que pueden sacar secuelas hasta el día del juicio final si se siguen inventando misiones. El problema es que en este caso si se cumple aquello de que las secuelas son innecesarias.
‘Kingsman: El círculo dorado’ es una película muy justa. Es muy curioso que, teniendo todo lo bueno de ‘Kingsman: Servicio Secreto’ rindiendo al mismo nivel y añadidos nuevos bien planteados, acabemos teniendo una película floja a más no poder. Curioso pero, en realidad, obvio. El inicio es absolutamente espectacular, una escena de acción que se reinventa una vez tras otra, que sorprende al espectador y que asombra. Básicamente es Matthew Vaughn diciendo “Eh, gente, recordad que soy el director que mejor lleva lo de no hacer la acción caótica y frenética, confusa”. Una gran escena con la que es imposible no pensar “Esto no podía empezar mejor” mientras te frotas las manos. Pero uno no puede estar más equivocado: Esto no puede empezar peor. No ha pasado ni media hora y ya tenemos una escena que nos ha hecho quedarnos con la boca abierta. Pero… ¿Qué viene ahora? ¿Algo más épico? Aquí es donde entra en juego la famosa escena de la iglesia de su predecesora, que no sucedía hasta mitad del film e incluso un poco más. Sucedía en un momento de impacto que, vista por primera vez, conseguía levantar de la butaca hasta al más escéptico. Pues bien, ese gran acierto se lo han pasado por el forro en esta ocasión, abusando de estos momentos, restándole toda la sorpresa. Ya te las ves venir, observando ese bonito espectáculo pero sintiendo absolutamente nada e incluso algunas veces alargándose hasta la saciedad haciéndolo muy repetitivo. Toda secuela pierde el factor sorpresa pero muchas saben jugar bien con ello. Este largometraje no es una de ellas.

Es un gustazo volver a ver a Taron Egerton, Mark Strong y Colin Firth juntos, pues no solo se les ve muy cómodos con sus papeles de forma individual (en serio, el carisma que se gasta Egerton no es de este planeta), es que juntos hacen un equipo muy divertido y con una química que pocas veces se ve. El reparto es una de las pocas cosas a las que no se les puede poner ni una sola pega. Los viejos conocidos, como ya he dicho, están de diez, y las nuevas incorporaciones se han tomado en serio sus papeles y han entrado totalmente en el juego. Jeff Bridges, Channing Tatum, Pedro Pascal y Halle Berry rivalizan con sus compañeros de Kingsman, desbordando el mismo carisma y compenetrándose a la perfección con ellos. El resultado es que cuantos más son en pantalla más divertida y liviana es la película, pues en sus diálogos y relaciones es donde más tiempo pasaremos. Decía que se abusaba de las escenas de acción, pero realmente no me refería a eso. Se abusa del recurso “iglesia” (vamos a llamarlo así) en las escenas de acción, pero no de éstas, ya que son cuatro o cinco como mucho las que hay en los 150 minutos de metraje. No es que hubiese muchas más en ‘Kingsman’, pero si sabía hacer más interesante ese espacio que había entre una set-piece y otra, en gran parte por esos 30 minutos menos que duraba. 30 minutos que lo único que hacen es empeorar el conjunto haciéndolo demasiado pesado para la producción que se trata.

(sigo en el spoiler sin destripar nada)