Entiendo que esta película sea muy indie y de difícil acceso, pero...bueno, vale, entiendo que se haya perdido un poco en el mundo de lo indie. ¡Pero vale la pena! Lo prometo.

Una película chulísima que habla de conceptos tan actuales y necesarios como la inteligencia emocional y los cuidados en el ámbito de la pareja. Las deficiencias y consecuencias de un sistema sanitario en la era neoliberal, cuyos profesionales no están dotados de perspectiva de género. O el peligro de vivir en Estados tan peligrosos como Texas. Todo impregnado por una puesta en escena preciosista y muy cuidada. Shatara Michelle Ford, la directora de esta pequeña joya, dará mucho que hablar en los próximos años.

Test Pattern es un relato de supervivencia de una pareja. La chica es violada durante una fiesta y el chico la acompaña al hospital para que los profesionales la atiendan tras el ataque.

Recomiendo buscarla y disfrutarla: da que pensar, es una película necesaria y es una de las pequeñas grandes joyas del panorama indie del 2021.

Espectacular documental de bajo presupuesto de la historia del cine de terror de los años 80. Entrevistas a todo tipo de expertos, directores de los grandes clásicos de la época, actores y actrices de los personajes más icónicos, productores y mentes pensantes y creativas detrás de películas como Halloween (1978), Pesadilla en Elm Street (1984) o Viernes 13 (1980). Estos ejemplos son los más grandes, pero el mega documental analiza decenas de las mejores, peores, conocidas y menos conocidas películas de terror de la época. Y el resultado, como diría Ash en Evil Dead, es "¡Groovy!"

¿Por qué nos gusta el terror? ¿Por qué miramos películas de miedo? ¿Qué pensaba John Carpenter al hacer la música de Halloween? ¿Cómo se hicieron estos efectos prácticos y visuales? ¿Cómo se hizo esta escena de Critters o Hellraiser?

Todo amante del cine de terror de los años 80 debe reservar 4 horas y 23 minutos de su tiempo para poder admirar esta maravilla. Las voces corales, los constantes análisis de todas las películas nombradas y las imágenes de archivo consiguen un ritmo dinámico y entretenido.

Un must see épico que te mantiene sentado, flipando y deseando que los participantes analicen tus películas favoritas de terror de los 80.

CODA es un remake de la película francesa La familia Bélier (2014). CODA ha ganado los mejores y más grandes premios del Festival de Sundance. CODA es una historia que se ha contado mil veces antes, y sigue siendo bonita por momentos, aunque no por eso deja de transmitir un tóxico mensaje.

La película no destaca ni en su dirección ni en su fotografía. La simpleza invade la pantalla porque el público al que la película va dirigido es uno alienado, amaestrado. El público de CODA no busca grandes artilugios en la dirección; busca que le cuenten la historia a través de los diálogos de los personajes. Este público busca entretenimiento, y CODA ofrece entretenimiento. Uno repetido en mil películas anteriores, pero entretenido al fin y al cabo.

La magia de la película es la unicidad que reside en la comunicación de sus mensajes. La familia es sorda, menos la protagonista, que además tiene una voz preciosa y quiere explotarla al máximo. La familia es de clase trabajadora, pescadores que se parten el lomo mientras los empresarios del puerto les roban la plusvalía y se quedan con la mayoría de su dinero. La familia protagonista y las familias del pueblo están siendo asfixiadas por el capitalismo empresarial que mira por los beneficios de los de arriba, olvidándose de los de abajo. No solo es el capitalismo quien se olvida de ellos, también la propia protagonista.

Margaret Thatcher y la oleada global neoliberal de los 80 puso encima de la mesa una cuestión infame: el individuo está por encima de la colectividad. El problema que plantea la película no está lejos de los postulados de Thatcher: el problema no es la clase, eso es más que obvio y se puede observar; el problema es el sentimiento de clase. El sentimiento de pertenecer a una clase. La película, al igual que muchas del género, crea esta falsa ilusión de que la ambición del individuo está por encima de los intereses y necesidades de los demás, de los de su clase. La niña tiene una voz preciosa, pero no podrá hacer nada en el pueblo porque hay que ir a la universidad. La película no deja lugar a dudas, a preguntas, a reflexiones. CODA transmite la sensación de que necesitamos huir, coger ese ascensor social más que averiado y sin arreglo, olvidarnos de la clase de la que vinimos, y salvarnos. Debemos hacer eso porque nuestro bien está por encima del de los demás. El enfrentamiento es constante y está basado en falacias: no se trata de elegir.

La película opta por contar un caso milagroso y real de entre los millones de casos que no tienen las mismas oportunidades. Contar la historia de la niña que gana poder y fama no tiene ningún mérito porque se basa en una situación excepcional, improbable estadísticamente, algo irreal y muy poco usual. CODA busca sumergir al espectador en una burbuja de ensueño, pero a su vez obligarlo a intentarlo, y si fracasa.. eso ya no responsabilidad de la película, eso es culpa del individuo porque "no se ha esforzado demasiado". El padre lleva toda su vida esforzándose, pero nunca ha salido de la pobreza ¿Cómo se come eso?. CODA es neoliberalismo porque llevamos décadas mamando de lo mismo.

¡Cómo habría cambiado la película si se hubiera contado la historia del chico con la familia disfuncional, de la amiga de clase trabajadora que todavía es una niña y ya está trabajando en un bar, del hermano sordo que se queda trabajando porque su única ambición es hacer feliz a los demás, a los de su círculo! ¡Qué película habría salido! Pero mejor no, mejor contemos la historia de siempre, la excepción, la fantasía. Mejor nos olvidamos de los de siempre, de los que se quedan abajo porque la pobreza se los come, de los que sufren las consecuencias de una redistribución injusta de las riquezas; de esos nos olvidamos porque no tienen voz, casi de manera literal.

Seguimos edulcorando el neoliberalismo porque nos hemos creído la farsa de su mensaje.

Paula Beer interpreta a Ondina, una mujer que trabaja como historiadora en un museo de Berlín. Centra sus charlas sobre el desarrollo de la ciudad y atrapa a sus oyentes extranjeros con el pasado del país durante la Guerra Fría. Al lado del museo donde trabaja, hay un café al que solía ir con Johannes, su pareja. Los primeros minutos de película nos muestran cómo Johannes decide cortar su relación con Ondina. Ella no acepta la realidad que se le viene encima ya que piensa que su alma y existencia están en juego.

Las ondinas son seres mitológicos pertenecientes a la cultura de la Antigua Grecia. Ninfas acuáticas provenientes de las aguas dulces.

El film está basado en un cuento de hadas alemán donde la protagonista, Ondina, espíritu de las aguas, debe conquistar un amor humano para obtener su alma inmortal. Esta búsqueda de amor no es idílica y está corrompida desde el inicio.

El relato puede ser interpretado de varias formas. Una de ellas es la versión donde Ondina necesita del hombre para ser, existir. Una visión un tanto machista. La otra versión se podría ver como el intento de Ondina para seducir el amor humano y lograr conseguir sus intereses: su alma. Un alma que representa la independencia y la libertad.

Maggie Gylenhaal debuta con The Lost Daughter por todo lo alto. Su protagonista es una de las actrices más talentosas de los últimos tiempos y su dirección y adaptación de la novela La hija oscura de Elena Ferrante es envidiable para una primeriza en estos campos.

La película narra las vacaciones de una mujer, interpretada por Olivia Colman, en unas islas ficticias de Grecia. Esta mujer comienza su estancia en este pequeño paraíso de manera relajada hasta la llegada alborotadora de otra familia. Numerosa, maleducada y demasiado sociable, esta familia trae recuerdos oscuros a la mente de la protagonista de nuestro film. Esos recuerdos actuarán en el presente y harán que la vivencia, en principio relajada y de desconexión del mundo real de la protagonista, se perturbe hasta límites insospechados.

La línea creativa de Gyllenhaal sigue una estela feminista de entender el arte. La vimos últimamente en The Deuce, defendiendo un feminismo prosex que ansiaba una despenalización del trabajo sexual, o en Hysteria, siendo una sufragista intentando desmentir mitos patriarcales. La actriz, y en esta ocasión directora, elige la novela de Elena Ferrante porque le da la oportunidad para hablar de un tema sumamente interesante: las mujeres que son malas madres. La maternidad es un tema esencial en esta película, muy en la línea de Próxima (2019).

"Las mujeres no somos ni malévolas, ni malignas, no engendramos el demonio y tampoco somos santas porque nos santificamos cuando llegamos a ser madres. Las mujeres somos mujeres.” (Rosana Alvarado en Lisístrata – Gata Cattana)