La premisa, Sam Wilson lidiando con su nuevo rol mientras enfrenta una conspiración en las altas esferas, tenía potencial. Pero el guion opta por lo seguro: un macguffin tecnológico, un líder autoritario, ¿otro más?, y giros tan predecibles que hasta un niño adivinaría el tercer acto. El conflicto central parece extraído de un manual de "Cómo hacer películas de Marvel", pero sin un villano que deje huella.

Sam Wilson merecía un arco sobre la identidad, el peso del legado y la lucha por ser un héroe en tiempos de escepticismo. En cambio, su transformación se reduce a dos o tres discursos sobre "honrar el escudo" y una tensión racial apenas esbozada. ¿Dónde está la lucha interna? ¿El miedo a no estar a la altura? El guion solo raspa la superficie, como si temiera ahuyentar al público con demasiada complejidad.

Julius Onah intenta emular el tono político y serio de "El Soldado de Invierno", pero sin el pulso narrativo de los Russo. Las secuencias de acción son funcionales, explosiones aquí, persecuciones allá, pero carecen de la intensidad coreográfica que convirtió al Cap en un símbolo. ¿Dónde quedaron esos planos cerrados que hacían sentir cada puñetazo? Aquí todo es CGI fluido pero sin peso, como pelear contra hologramas.

El intento de profundizar en temas como el espionaje global o la corrupción política se diluye en diálogos predecibles y escenas de gabinete que parecen sacadas de un thriller de bajo presupuesto. Hasta la introducción de Thunderbolt Ross, un personaje con décadas de historia en los cómics y que tiene muchas posibilidades, se siente forzada, más un cameo contractual que un aporte real a la trama.

Anthony Mackie tiene carisma y presencia física, pero aquí parece un turista en su propia película. El guion no le da momentos para brillar: ni un discurso inspirador, ni una decisión moralmente ambigua, ni siquiera una pelea que defina su estilo como Capitán América. Es Steve Rogers 2.0, pero sin la carga dramática que hizo creíble a Chris Evans.

Harrison Ford, por su parte, parece estar en modo "cumplo con mis escenas y me voy". Su Thunderbolt Ross es un presidente gruñón con líneas genéricas sobre seguridad nacional, sin la ferocidad ni el magnetismo que el personaje exige.

El MCU ya no sorprende visualmente. Esta entrega tiene explosiones, trajes relucientes y paisajes digitales, pero todo parece… estándar. La fotografía repite la paleta de colores apagados que dominan las últimas fases, sin arriesgar en composición o iluminación. Las escenas de acción, aunque fluidas, carecen de identidad: ¿es esto Capitán América o Ant-Man?, a simple vista no soy capaz de diferenciarlo.

"Capitán América: Brave New World" es la película que nadie pedía. No es mala en términos técnicos, pero sí profundamente irrelevante. Sam Wilson merecía un relato sobre identidad y justicia en un mundo fracturado; en su lugar, recibimos un thriller de espionaje sin nervio, villanos sin carisma y un héroe que sigue esperando su momento icónico.

Es un drama psicológico basado en hechos reales que explora la compleja relación entre Hildegart Rodríguez, una joven prodigio, y su madre, Aurora Rodríguez Carballeira, en la España de los años 30. La película ofrece una mirada profunda y perturbadora a la obsesiva y destructiva influencia de una madre sobre su hija, enmarcada en un contexto histórico marcado por la lucha por la libertad y la represión.

Uno de los aspectos más destacables de la película es la impresionante actuación de Najwa Nimri en el papel de Aurora. Su interpretación es una mezcla de rigidez y fragilidad que logra transmitir la complejidad de una mujer que, aunque profundamente perturbada, cree firmemente estar actuando por el bien de su hija. Nimri consigue llevar al espectador a un viaje emocional a través de la obsesión y la desesperación, dotando a su personaje de una humanidad inquietante.

Por su parte, Alba Planas da vida a Hildegart con una intensidad conmovedora. La actriz consigue reflejar la lucha interna de una joven atrapada entre las expectativas asfixiantes de su madre y su deseo de experimentar la libertad y la vida. La dinámica entre ambas actrices es el núcleo emocional de la película y mantiene al espectador en vilo a medida que la relación se deteriora de manera inevitable hacia un trágico desenlace.

La trama se desarrolla en un período de gran agitación social y política en España. Hildegart, una de las mentes más brillantes de su tiempo y un referente en la lucha por los derechos de las mujeres, se convierte en el centro de un experimento maternal que la deshumaniza. Criada para ser la “mujer del futuro”, su vida está cuidadosamente orquestada por Aurora, quien ve en ella una herramienta para sus propios sueños de emancipación femenina. Sin embargo, cuando Hildegart comienza a explorar su propia identidad y autonomía, su madre, incapaz de aceptar la pérdida de control, se ve empujada a tomar medidas extremas.

La dirección de Paula Ortiz es sobresaliente, con una meticulosa atención a los detalles que transporta al espectador a la convulsa España de los años 30. La ambientación y el diseño de producción son excepcionales, recreando con precisión la atmósfera de la época. La fotografía utiliza una paleta de colores que acentúa el tono opresivo y asfixiante de la relación entre Aurora e Hildegart, mientras que los encuadres cerrados y las sombras enfatizan el aislamiento y la tensión emocional que impregnan la historia.

Es una película que no deja indiferente. Con interpretaciones poderosas, una dirección precisa y una historia que mezcla el drama con el suspense psicológico, Paula Ortiz consigue crear una obra que trasciende su contexto histórico para hablar de temas universales como el control, la libertad y las consecuencias devastadoras de la obsesión. Es una película que obliga a reflexionar sobre los límites de la ambición y la posesión en el ámbito familiar, así como sobre los sacrificios que se imponen a las mujeres en la búsqueda de su propio destino.

Es una mezcla explosiva de comedia, drama, y música, ambientada en el vibrante y desafiante contexto de Irlanda. La película sigue a tres jóvenes hablantes de irlandés que, cansados del olvido al que está sometida su lengua materna, deciden formar un grupo de rap. Lo que comienza como una expresión de identidad cultural se convierte rápidamente en una rebelión anárquica que desafía las normas sociales y políticas establecidas.

El eje central de la película es el rap, no solo como género musical, sino como una herramienta de resistencia cultural. En un país donde el inglés domina y el irlandés está en peligro de desaparecer, los protagonistas utilizan su música para luchar contra esa extinción y reclamar su identidad. Peppiatt logra capturar el espíritu rebelde y caótico de estos personajes, mientras entrelaza el humor y el drama en su lucha por preservar su lengua.

Los tres protagonistas, con personalidades anárquicas y salvajes, aportan una energía inagotable a la película. Su determinación por cambiar su mundo a través de la música los lleva a situaciones extremas, donde las reglas convencionales no aplican. Las actuaciones son vibrantes y llenas de vida, capturando tanto el humor como las luchas internas de estos jóvenes que intentan encontrar su lugar en una Irlanda dividida entre lo viejo y lo nuevo.

A pesar de su tono ligero, no evita abordar temas más serios y complejos. El contexto sociopolítico de Irlanda
añade una capa de profundidad a la historia, explorando la tensión entre la identidad cultural y las presiones externas. La película refleja los desafíos de los hablantes de irlandés, una comunidad pequeña pero determinada a mantener viva su lengua, incluso frente a un futuro incierto.

Visualmente, es una película vibrante y energética. La cinematografía captura tanto la belleza agreste de Irlanda como el caos urbano en el que los protagonistas se desenvuelven. Las escenas de conciertos y actuaciones de rap están filmadas con un dinamismo que refleja la intensidad de la música y la pasión de los personajes por su causa.

La banda sonora es, por supuesto, un elemento clave en la película. El rap irlandés, un género inusual y único, se convierte en el vehículo perfecto para canalizar la rabia, la frustración y el humor de los protagonistas. Las letras, cargadas de sátira y crítica social, añaden una capa extra de significado a la trama y refuerzan el mensaje de resistencia cultural.

Es una película que desafía las convenciones del cine de comedia y drama al combinar el hip hop con la lucha por la preservación de una lengua en peligro. Rich Peppiatt logra crear una obra que es tanto entretenida como significativa, con personajes memorables y una trama que mezcla lo anárquico con lo profundo.

La majestuosidad y desafíos de la Cordillera del Himalaya sirven como telón de fondo para una historia intensa. La trama sigue a Quique, Clara y el pequeño Lucas, cuyo viaje idílico se convierte en una pesadilla cuando son atacados por bandidos. La narrativa toma un giro inesperado al trasladar a Quique a una remota aldea, sumergiéndolo en una experiencia que prueba no solo su resistencia física, sino también los límites de su espíritu.

La dirección de Salvador Calvo se erige como uno de los puntos más fuertes de la película. Capta la inmensidad de los paisajes del Himalaya y crea una sensación palpable de aislamiento en la aldea. Sin embargo, el guion no está a la altura de la dirección. Se percibe como un eslabón débil, especialmente en el desarrollo de algunos personajes y la resolución de ciertos conflictos. La historia se vuelve predecible en ciertos momentos, dejando al espectador anhelando más profundidad en la trama.

Miguel Herrán ofrece una actuación destacada como Quique. Su interpretación capta la evolución del personaje, desde el turista despreocupado hasta el hombre forjado por las adversidades. El elenco local también brinda autenticidad a la película, añadiendo capas de realismo a la historia.

Los aspectos técnicos, desde la cinematografía hasta la banda sonora, son puntos destacados. La cinematografía captura la belleza y la dureza de los paisajes, mientras que la banda sonora contribuye a la atmósfera emotiva de la película. La elección de filmar en locaciones reales del Himalaya añade autenticidad y grandiosidad a la experiencia visual.

El viaje de regreso de Quique, acompañado por niños de la aldea, se convierte en una prueba inquebrantable. Aquí es donde la película alcanza su punto álgido, explorando temas de supervivencia, camaradería y autodescubrimiento. Los peligros en el camino son un reflejo de los desafíos internos que Quique debe superar.

Se adentra en el corazón de la condición humana a través de un relato íntimo y conmovedor. La trama sigue a Ansa y Holappa, dos almas solitarias que encuentran consuelo y comprensión mutua en medio de sus vidas difíciles. La película aborda temas como la soledad, la lucha contra la adversidad y la búsqueda de la conexión humana en un tono que es a la vez sobrio y esperanzador.

Las actuaciones son genuinas y emocionantes. Ansa y Holappa, interpretados con gran sensibilidad por Alma Pöysti y Jussi Vatanen, son personajes complejos que capturan la vulnerabilidad y la resistencia humana. Su interacción es auténtica y emotiva, lo que permite al espectador conectarse con ellos en un nivel profundamente humano.

Kaurismäki dirige con una mano segura y una visión clara. Su enfoque apacible pero incisivo permite que la historia se desarrolle de manera orgánica, capturando la complejidad emocional de la trama y los personajes.

El diseño de producción es eficaz y realista, lo que refuerza la autenticidad de la trama y permite a los personajes y su historia brillar. La película no hace uso de efectos especiales notables, lo que subraya su enfoque en las emociones y las relaciones de los personajes. La edición es precisa y permite que la trama se desarrolle a un ritmo adecuado.

La partitura musical es sutil e introspectiva, complementando el tono sombrío y contemplativo de la película. La cinematografía es impresionante, con tomas de la vida cotidiana en Helsinki que añaden una capa de realismo a la narración.

El ritmo es constante pero tranquilo, reflejando la vida cotidiana de los personajes. Los diálogos son significativos y a menudo cargados de emociones subyacentes, proporcionando una visión detallada de los personajes y sus luchas internas.

La historia de Ansa y Holappa resonó en mí, evocando una mezcla de empatía, tristeza y esperanza. Me sentí conmovido por su lucha y su crecimiento, y reflexioné sobre la soledad, la adversidad y la importancia de las conexiones humanas.