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8,2
81.137
10
20 de mayo de 2017
20 de mayo de 2017
7 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Orson Welles era un genio, porque nadie en la historia del cine ha cambiado tan drasticamente la forma de contar una historia, filmarla e iluminarla como él, siendo un chaval de 25-26 años, tomando el papel protagonista y actuando brillantemente con ese desparpajo característico.
El talento necesario como para darle esa pesada atmósfera a toda la película, lúgubre. La visión como para inventar esas tomas que se van alejando pero que no pierden el foco de lo que había en el fondo. Las interpretaciones son de sobresaliente, empezando por Welles y siguiendo con Cotten.
El repertorio de genialidad de una sola persona expuesto en la película pocas veces ha sido igualado, para mi alguna de Hitchcock y Kubrick. Maravilla la vista como Wells juega con las luces y sombras a lo largo del film, esas escenas en el palacio son oro puro en ese aspecto, el contraste de claro oscuros es impecable, nunca he visto usar la sombra con esa inteligencia.
Mi segundo visionado fue mucho más esclarecedor para captar todos los detalles, tanto de la trama como técnicos, porque hay densidad, no hay que distraerse ni un minuto. Estructuralmente es muy original, los saltos temporales están sabiamente elegidos y son los necesarios ni más ni menos, ayudan mucho a contar la historia con más dinamismo, éste es otro aspecto muy destacable dentro de la innovación de esta obra maestra.
Si te dejas llevar por la historia la belleza y el barroquismo de Citizen Kane es imposible que se te haga aburrida como mucha gente dice, creo que tiene que ver más con la actitud con la que la vayas a ver, si piensas que vas a ver la mejor película de la historia por el caché que tiene empiezas mal por ahí... siempre decepcionará, hay que ir con la mente abierta y analítica para captar todo, que te envuelva la historia y meterte en esa densa atmósfera que se te ofrece.
Obra maestra, una de las más grandes.
9,5
El talento necesario como para darle esa pesada atmósfera a toda la película, lúgubre. La visión como para inventar esas tomas que se van alejando pero que no pierden el foco de lo que había en el fondo. Las interpretaciones son de sobresaliente, empezando por Welles y siguiendo con Cotten.
El repertorio de genialidad de una sola persona expuesto en la película pocas veces ha sido igualado, para mi alguna de Hitchcock y Kubrick. Maravilla la vista como Wells juega con las luces y sombras a lo largo del film, esas escenas en el palacio son oro puro en ese aspecto, el contraste de claro oscuros es impecable, nunca he visto usar la sombra con esa inteligencia.
Mi segundo visionado fue mucho más esclarecedor para captar todos los detalles, tanto de la trama como técnicos, porque hay densidad, no hay que distraerse ni un minuto. Estructuralmente es muy original, los saltos temporales están sabiamente elegidos y son los necesarios ni más ni menos, ayudan mucho a contar la historia con más dinamismo, éste es otro aspecto muy destacable dentro de la innovación de esta obra maestra.
Si te dejas llevar por la historia la belleza y el barroquismo de Citizen Kane es imposible que se te haga aburrida como mucha gente dice, creo que tiene que ver más con la actitud con la que la vayas a ver, si piensas que vas a ver la mejor película de la historia por el caché que tiene empiezas mal por ahí... siempre decepcionará, hay que ir con la mente abierta y analítica para captar todo, que te envuelva la historia y meterte en esa densa atmósfera que se te ofrece.
Obra maestra, una de las más grandes.
9,5

8,5
193.749
8
19 de mayo de 2016
19 de mayo de 2016
6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Un brochazo de inspiración le hizo falta a Benigni para crear unas de las obras más bonitas de la historia del cine y una de las mejores italianas sin discusión.
Momentos cómicos que nos recuerdan al gran Chaplin por su sencillez encantadora e inocencia. Que gran trabajo hace el niño y Roberto esta muy inspirado matizando el contraste de gestos de felicidad y momentos dramáticos.
A parte de que es un gran guión por supuesto, técnicamente no es que sea un portento de película, pero eso en este caso no importa cuando la historia y los personajes con esa magia nos llevan con una sonrisa en la boca durante todo el film.
Absolutamente imprescindible película para cualquiera que ame el cine.
9,5 / 10
Momentos cómicos que nos recuerdan al gran Chaplin por su sencillez encantadora e inocencia. Que gran trabajo hace el niño y Roberto esta muy inspirado matizando el contraste de gestos de felicidad y momentos dramáticos.
A parte de que es un gran guión por supuesto, técnicamente no es que sea un portento de película, pero eso en este caso no importa cuando la historia y los personajes con esa magia nos llevan con una sonrisa en la boca durante todo el film.
Absolutamente imprescindible película para cualquiera que ame el cine.
9,5 / 10

8,0
6.133
10
11 de septiembre de 2020
11 de septiembre de 2020
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Andrei Rublev es la mejor película de la historia del cine. Es complicado cuando hablamos de la mejor, porque es algo categórico y cómo lo justificamos, qué baremos utilizamos. ¿Es la belleza? ¿La innovación? ¿Es lo que hay detrás y la importancia de lo que cristaliza? ¿Qué es lo que nos hace decantarnos por la mejor de las mejores?
Los fragmentos, ya sean de pinturas o de la vida. Estos tienen un interés especial para Tarkovsky, ya que la escena final da el sentido al esquema narrativo de la película.
Andrei Rublev combina épica y lirismo intimista, es capaz de enlazar escenas brutalmente crueles, con otras espirituales, delicadas y de inocencia.
Como dato curioso: Tarkovsky decía que solía ver "Los Siete Samuráis" de Kurosawa antes de filmar cada una de sus películas. En Andrei Rublev es donde más se ve la influencia de un ya consolidado Kurosawa, habiendo hecho su obra maestra. Las batalles en escenas de enorme complejidad técnica, la densidad y detallismo narrativo... A lo que Kurosawa más adelante respondió que él siempre veía Andrei Rublev, ya que era su favorita del director ruso.
Las explosiones poéticas que luego serían liberadas en "El Espejo", aquí ya se ven en bastantes ocasiones. Andrei Rublev lo tiene todo. Drama, comedia, tragedia, terror, misterio, belleza...
No creo que nadie ha llegado a cotas de maestría tan altas en su segunda película. A Tarkovsky le fluía el cine por las venas. Es difícil de creer.
Durante más de dos años, Tarkovski y su coguionista, Andrei Mikhalkov-Konchalovski, se dedicaron a escribir el vasto guion de la película, empapándose en documentos medievales, tanto literarios como gráficos, y en arte y cultura medieval rusa, hasta convertirse en verdaderos expertos.
Todo eso se traduce de manera cristalina en la película. Veracidad, realismo, técnica...
Los fragmentos, ya sean de pinturas o de la vida. Estos tienen un interés especial para Tarkovsky, ya que la escena final da el sentido al esquema narrativo de la película.
Andrei Rublev combina épica y lirismo intimista, es capaz de enlazar escenas brutalmente crueles, con otras espirituales, delicadas y de inocencia.
Como dato curioso: Tarkovsky decía que solía ver "Los Siete Samuráis" de Kurosawa antes de filmar cada una de sus películas. En Andrei Rublev es donde más se ve la influencia de un ya consolidado Kurosawa, habiendo hecho su obra maestra. Las batalles en escenas de enorme complejidad técnica, la densidad y detallismo narrativo... A lo que Kurosawa más adelante respondió que él siempre veía Andrei Rublev, ya que era su favorita del director ruso.
Las explosiones poéticas que luego serían liberadas en "El Espejo", aquí ya se ven en bastantes ocasiones. Andrei Rublev lo tiene todo. Drama, comedia, tragedia, terror, misterio, belleza...
No creo que nadie ha llegado a cotas de maestría tan altas en su segunda película. A Tarkovsky le fluía el cine por las venas. Es difícil de creer.
Durante más de dos años, Tarkovski y su coguionista, Andrei Mikhalkov-Konchalovski, se dedicaron a escribir el vasto guion de la película, empapándose en documentos medievales, tanto literarios como gráficos, y en arte y cultura medieval rusa, hasta convertirse en verdaderos expertos.
Todo eso se traduce de manera cristalina en la película. Veracidad, realismo, técnica...
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
spoiler:
Hay una escena donde está la clave temática. Kirilo está charlando con Teófanes y ve una diferencia entre el arte puro y el de su amigo Rublev, y es que le falta esa Fe, el amor. En una obra se nota, en la otra no.
A Rublev le faltan experiencias, ya sean buenas o malas, para cristalizar eso que sentimos, inefable, y que hace al arte grande y trascendente. Sin sufrimiento no hay arte, sin amor, sin FE no hay arte, y no hablo de una FE estrictamente en el sentido cristiano. Eso es en resumidas cuentas la esencia de la película. Y por eso mismo, la película se nos presenta seccionada en fragmentos, separados. Son las distintas vivencias de Rublev, que van influyendo, dando forma a su arte, a su alma. Es lo que luego se traducirá en los iconos del final de la película, esos iconos que Tarkovsky muestra a todo color, y fragmentados, nótese la correspondencia consciente.
Son los fragmentos los que moldean nuestra vida, y en cualquier momento podemos tener una revelación gracias a una acción de otro. Es lo que se nos muestra en el último fragmento de la narrativa. La creación de la campana por un niño, llamado Boriska, que no sabe el secreto que su padre tenía para construirla.
A modo de revelación, Rublev asiste a esa creación que no ha sido completada por destreza y sabiduría, sino por pura FE. Ese niño tenía una determinación trascendente para completar aquello, sufrimiento, sangre y lágrimas. La FE en la creación. Algo más allá de las palabras que la razón no puede explicar o analizar, la voluntad sin un atisbo de miedo. Rublev se inspira y rompe su voto de silencio para ayudar al chico, y de paso volver a su profesión.
Boriska no necesitó el secreto de su fallecido padre para realizar la obra, quizá ese era el secreto ancestral, el secreto del arte, la FE. Fue la que construyó aquella campana, no el azar. Fue la FE la que ayudó a Rublev a pintar esos misteriosos y místicos iconos. Y fue la FE la que ayudó a Tarkovsky a realizar esta obra de arte, trascendente y eterna. Esta película actúa a modo de bálsamo para nuestras almas, en ocasiones perdidas por el flujo del tiempo, sin saber muy bien nuestros talentos y por donde tirar en la vida. Yo hoy doy gracias a esta película, a Rublev y a Tarkovsky, por mostrarme cuál es el camino, y doy gracias porque me lo seguirá mostrando cada vez que vuelva a esta película. Y por eso mismo, ahora la considero la más grande e importante de la historia.
Gracias.
A Rublev le faltan experiencias, ya sean buenas o malas, para cristalizar eso que sentimos, inefable, y que hace al arte grande y trascendente. Sin sufrimiento no hay arte, sin amor, sin FE no hay arte, y no hablo de una FE estrictamente en el sentido cristiano. Eso es en resumidas cuentas la esencia de la película. Y por eso mismo, la película se nos presenta seccionada en fragmentos, separados. Son las distintas vivencias de Rublev, que van influyendo, dando forma a su arte, a su alma. Es lo que luego se traducirá en los iconos del final de la película, esos iconos que Tarkovsky muestra a todo color, y fragmentados, nótese la correspondencia consciente.
Son los fragmentos los que moldean nuestra vida, y en cualquier momento podemos tener una revelación gracias a una acción de otro. Es lo que se nos muestra en el último fragmento de la narrativa. La creación de la campana por un niño, llamado Boriska, que no sabe el secreto que su padre tenía para construirla.
A modo de revelación, Rublev asiste a esa creación que no ha sido completada por destreza y sabiduría, sino por pura FE. Ese niño tenía una determinación trascendente para completar aquello, sufrimiento, sangre y lágrimas. La FE en la creación. Algo más allá de las palabras que la razón no puede explicar o analizar, la voluntad sin un atisbo de miedo. Rublev se inspira y rompe su voto de silencio para ayudar al chico, y de paso volver a su profesión.
Boriska no necesitó el secreto de su fallecido padre para realizar la obra, quizá ese era el secreto ancestral, el secreto del arte, la FE. Fue la que construyó aquella campana, no el azar. Fue la FE la que ayudó a Rublev a pintar esos misteriosos y místicos iconos. Y fue la FE la que ayudó a Tarkovsky a realizar esta obra de arte, trascendente y eterna. Esta película actúa a modo de bálsamo para nuestras almas, en ocasiones perdidas por el flujo del tiempo, sin saber muy bien nuestros talentos y por donde tirar en la vida. Yo hoy doy gracias a esta película, a Rublev y a Tarkovsky, por mostrarme cuál es el camino, y doy gracias porque me lo seguirá mostrando cada vez que vuelva a esta película. Y por eso mismo, ahora la considero la más grande e importante de la historia.
Gracias.

4,5
8.686
3
25 de octubre de 2017
25 de octubre de 2017
8 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Otra de catástrofes moderna, como otras tantas. Lo más decente son los toques cómicos en contadas escenas porque la última media hora es de lo más previsible que te puedas encontrar. Personajes planos aún teniendo a grandes actores, situaciones algo forzadas y ridículas pero al menos entretiene durante casi toda la peli.
Esperaba algo parecido a el Dia de Mañana pero Geostorm se queda claramente por debajo, la otra era más envolvente y real para su época, ésta se queda descafeinada y es más tonta.
Como siempre digo, estas pelis solo valen para verlas en el cine, bien grande y con un buen cubo de palomitas, no para darle al coco e implicarte emocionalmente.
Esperaba algo parecido a el Dia de Mañana pero Geostorm se queda claramente por debajo, la otra era más envolvente y real para su época, ésta se queda descafeinada y es más tonta.
Como siempre digo, estas pelis solo valen para verlas en el cine, bien grande y con un buen cubo de palomitas, no para darle al coco e implicarte emocionalmente.

6,1
4.803
4
8 de mayo de 2017
8 de mayo de 2017
7 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tiene mensaje, el trasfondo es muy claro pero una película no vive de su mensaje, debe haber ritmo, aquí el ritmo brilla por su ausencia, hay escenas que se alargan demasiado y no aportan a la trama. El ritmo es crucial para mantener al espectador atento y se sumerja en el film.
La película muere por su propio tedio, no sabe contar con brillantez el mensaje que quiere.
La película muere por su propio tedio, no sabe contar con brillantez el mensaje que quiere.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
spoiler:
calificación: 4,5
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