La figura de Trenker es más valorada desde el punto de vista deportivo que cinematográfico, pese a haber desarrollada en esta última faceta múltiples y longevas facetas, que van desde compositor musical hasta productor, guionista, director y actor, desde 1921 en que se produjo su encuentro con Arnold Frank hasta principios de los 70 donde en alguna serie de televisión aun se le puede ver como actor. Sus experiencias durante la Primera Guerra Mundial, como soldado destinado en los Alpes dolomitas, línea de frente en la confrontación entre austriacos e italianos, así como las de escalador avezado y campeón de esquí, se plasmaron primero en una novela, y después en esta producción que recoge precisamente el conflicto bélico vivido en esa zona, entonces austriaca, luego italiana. Dada la bisoñez de Trenker en aquél momento en la dirección de ficciones, se buscó un aliado en el entonces también casi debutante, Karl Hartl (autor de la posterior y muy reivindicable Oro) para que la ayudare en las soluciones dramáticas vividas por los soldados desplazados en aquélla fortaleza natural . Conjuntamente logran un film que todavía sorprende por la ferocidad de algunas escenas, que recuerda a la previa Sin novedad en el frente, pero sobre todo por las espectaculares tomas en exteriores de los paisajes en que transcurre una acción, en ocasiones trepidante.

La relación de nombres propios que engrosaron la Historia del Cine durante la República de Weimar impresiona. Pero a los nombres de Robert Siodmak, Fritz Lang, F W Murnau, Fred Zinnemann, Billy Wilder, Josef Von Sternberg, G W Pabst, Edgar Ulmer, William Dieterle, Ernst Lubitsch... conviene añadir los logros de una serie de directores más olvidados, pero que durante el mencionado periodo dieron auténticas obras maestras, tales como Karl Grunne, Joe May, E. A Dupont, Paul Leni, Lupu Pick, Phil Jutzi, Gerhard Lamprecht o Arthur Robison. Este último nos depara tras la más conocida Sombras, un melodrama clásico emparentado con Varietes de E A Dupont en el diseño de un triangulo amoroso dentro del mundo circense.
Robison, nacido en Chicago, pero residente en Alemania durante gran parte de su vida donde trabajo en el teatro y como guionista, desarrolló una carrera meritoria como director, siempre dentro de los esquemas en boga, hasta su prematura muerte en 1935, durante el rodaje de El estudiante de Praga.
Para esta ocasión no escatimó los códigos tradicionales de los tríos amorosos, los patitos feos, los celos, la tristeza del payaso, la doblez del atleta, la bondad interior, pero confirió al conjunto una apariencia formal de modernidad. Abundan los juegos de espejos como método de diferenciar la apariencia y realidad de los personajes en su comportamiento social, las formas geométricas que marcan el desarrollo de la ciudad y que harían las delicias del Fritz Lang de Metróplis y de La mujer en la luna, el sentido del humor caustico en el tratamiento de las relaciones sociales (impagables las escenas de Werner Krauss con los padres de su pretendida). La película ya solo merecería la pena por las magníficas escenas de circo y de variedades diseminadas durante su metraje, y que actúan siempre como complemento de la acción y nunca para demorar el curso de aquélla. Notable ejemplo de que el Cine de Weimar es mucho más que los films dirigidos por nombres consagrados.

Pocos mitos hispanos han trascendido mundialmente como el mito de Carmen, prototipo de la mujer fatal o desde otro punto de vista, de los riesgos de la pasión amorosa. Al tiempo de la presente película al menos diez producciones internacionales habían abordado ya la historia de la tabaquera, el guardia y el torero. Muchas más lo harían a partir de entonces. De entre todas ellas la versión de Feyder es con diferencia,en mi opinión, la que mejor adapta el mito. Feyder que ya tenía notoria experiencia en dramas aventureros, como por ejemplo su versión de La Atlantida, traspasó precisamente al film una vertiente aventurera en que es notoria la importancia del paisaje como elemento dramático. Raquel Meller en aquél tiempo en el cenit de la fama, cumple sobradamente el encargo de interpretar a Carmen. No deja de ser curiosa la elección de una cantante reconocida para la interpretación de Carmen en un film mudo cuando su experiencia cinematográfica era escasa (apenas cuatro films). No obstante la elección resultó acertada, incluso para su carrera ya que de aquí inició la artista una gira por los Estados Unidos, que entre otras cosas llamó la atención de Charles Chaplin que años después le ofrecería sin éxito el papel protagonista de Luces de la ciudad. De todo ello se benefició notablemente la película. Como nota curiosa cabe destacar la episódica presencia de Luis Buñuel en un papel de contrabandista

Cuando Suzuki abordaba el rodaje de esta película llevaba ocho años de carrera y ya había dirigido 30 films, algunos de ellos de los más notables dentro del género negro, cualquiera de las variantes niponas que elijamos. Ese mismo año realizaría otros dos films. Sirva solo ello para demostrar tanto la agilidad como la versatilidad del cineasta japonés, pues no le hizo ascos a ningún genero. Ninguna de las tres películas que rodó este año puede adscribirse al mismo. Hana To Dato, es un filme de aventuras, en cierto modo un chambara, aunque no uno convencional. Suzuki y convencional no son términos que corran parejos, por más que en alguna ocasión el director se dejare vencer por argumentos manidos. Encontramos todos los elementos de un film de aventuras tradicionales: luchas, traiciones, romance, poder... pero nos movemos en un terreno resbaladizo pues los personajes principales no se van a comportar del modo que esperamos. Un chambara que deleitará a los amantes del género por lo que de peculiar tiene, al que hay que añadir el buen uso del color como recurso dramático que Suzuki utiliza

La obra fílmica de Nick Parsons se circunscribe a este solitario largo dentro de un conjunto de trabajos para televisión y algún que otro cortometraje en un lapso de tiempo de treinta años, donde principalmente se dedicó a la escritura. Precisamente no es el desarrollo de la narración, por más que sea más que correcta, lo que llama la atención en esta sensual y telúrica película, sino como su puesta en imágenes la potencia. Lo cual hace aun más sorprendente que su autor no repitiera, al margen de un episodio para televisión en la serie de 2006 Two twisted. Buena parte del film se desarrolla en la mixtura entre la tradición y la modernidad, lo fantástico y la realidad social, entre lo que vemos y lo que percibimos. La convivencia que se desarrolla en esa apartada aldea no deja de ser un microcosmos de difícil equilibrio que pese a su apariencia no encubre sino una nueva forma de colonización. De la resistencia a esa injerencia de la que emanaran todos los conflictos (religiosos, sociales, sentimentales, políticos, informativos) se escapan los dos personajes principales, en lo que no es sino un espejismo o autoengaño, que intentan como pueden poner orden en el caos. Película de singular belleza con un magnífico uso de los elementos naturales como el agua, o el viento, la película alcanza su climax en un paradisiaco paisaje donde premonición y realidad se conjugan. Quienes disfrutaron de los primeros trabajos de Peter Weir como Picnic en Hanging Rock o La última ola, en esta película podrán encontrar otro jalón imprescindible para conocer la influencia del fantástico en el cine australiano y degustar uno de los films más sugerentes de los años 90