Por: John Harold Giraldo Herrera
Docente Universidad Tecnológica de Pereira
[email protected]

Si la palabra tuviera el poder que otrora tiempos engalanó, habría por ahí varios poetas haciendo de su lucidez y emocionalidad una perspectiva menos plana del mundo (y lo hacen). Eso hizo el libanés que se universalizó: Gibran. Luchó por las tiranías e hizo de su palabra un deleite, cautivó tanto como lo refleja la muy bien lograda película animada El profeta (que recuerda uno de sus libros), donde la coproductora es la célebre Salma Hayek.
Se trata de una obra de arte, en la que varios artistas dan despliegue de color y de diseño visual a cada uno de los poemas que compilan. Reunieron sus talentos y nos entregan una mágica pieza audiovisual, una con una delicadeza que se compagina con esas palabras sonoras del poeta, como él mismo decía: “Aléjame de la sabiduría que no llora, la filosofía que no ríe y la grandeza que no se inclina ante los niños”. Quizás por eso esta película fue pensada para un público infantil, aunque de todo disfrute para los grandes. Con 26 poemas visuales y de su libro, se arma la trama de quien fuera perseguido por su capacidad de enunciar.

Escribió: “En mi locura he hallado libertad y seguridad; la libertad de la soledad y la seguridad de no ser comprendido, pues quienes nos comprenden esclavizan una parte de nuestro ser” y si algo tuvo es que se resistió a ser enjaulado, fue un librepensante; promulgaba: “Cuando das todo lo que tienes es muy poco lo que das. Otórgate a ti mismo y sólo entonces serás realmente generoso”. Tuvo una corta duración como sujeto (48 años), pero se extendió en el tiempo con sus alas de metáforas. Su poesía atraviesa a quien la escucha y lee, uno no puede sino reaccionar. A los temas como el amor, la muerte, la amistad, la soledad, el poder y a otros tantos les dedicó su entusiasmo, por ejemplo, a un amor casi en su momento de temblor le sentenció: “Hay una trémula primavera en cada invierno del corazón y un sonriente amanecer se esconde tras el velo de cada noche”.

Kahlil fue exiliado, vivió en los Estados Unidos, desde donde combatió la segregación en Medio oriente. Su principal arma fue su pensamiento que quedó plasmado en libros, poemas, pinturas. Un efecto primordial era el aliento de sus letras, desde el que comía un mendrugo de pan, hasta el que por su efervescencia o melancolía andaba decaído. Al altisonante amor, no lo dejó quieto, decía de él con vehemencia: “Cuando el amor os llame, seguidlo. Y cuando su camino sea duro y difícil. Y cuando sus alas os envuelvan, entregaos. Aunque la espada entre ellas escondida os hiriera. Y cuando os hable, creed en él. Aunque su voz destroce vuestros sueños, tal como el viento norte devasta los jardines. Porque, así como el amor os corona, así os crucifica”. En ese libro de El Profeta, que pudo sobrepasar fronteras y viajar entre uno y otro lector ávido de emociones se hallan una serie de frases únicas y precisas.

La película no nos da esperas, y de un poema salta al otro, mientras que Kahlil sale de la cárcel y debe abandonar el sitio donde fue recluido, luego, en cada estación nos comparte su ideario. El amor no lo suelta y nos expresa: “Y pensad que no podéis dirigir el curso del amor porque él si os encuentra dignos, dirigirá vuestro curso. El amor no tiene otro deseo que el de realizarse. Pero, si amáis y debe la necesidad tener deseos, que vuestros deseos sean éstos: Fundirse y ser como un arroyo que canta su melodía a la noche. Saber del dolor de la demasiada ternura”.

Luego esa ternura se ve atada y nos cuenta de la libertad: “Y si es un miedo el que queréis disipar, la sede de ese miedo está en vuestro corazón y no en la mano del ser temido. En verdad, todas las cosas se mueven en vosotros como luces y sombras apareadas. Y, cuando la sombra se desvanece y no existe más, la luz que queda se convierte en sombra en otra luz. Y, así, vuestra libertad, cuando pierde sus grillos, se convierte ella misma en el grillo de una libertad mayor”.

Mejor que sea su palabra la que nos diga. Tenía una para cada momento, y antes de partir, dijo: “Si algo de lo que he dicho es verdad, esa verdad se revelará en una voz más clara y en palabras más cercanas a vuestros pensamientos”. Entonces se resiste con el decir, y más si este se conecta con lo que se piensa y se hace.

Por: John Harold Giraldo Herrera
[email protected]
"La vida es una tragedia si la ves de cerca, pero una comedia si la miras con distancia".
Charles Chaplin

Charles Chaplin, ese genio del cine, del género cómico, no pudo ser encasillado más que en un tipo que hizo cine mudo. Sus obras como las de cualquier artista cobraron varios caminos y hoy siguen siendo interpretadas de múltiples maneras. Como muchos artistas tuvo que exiliarse por las críticas feroces de haber sido comunista, antiestadounidense, entre otras. Todo ello lo negó, pero independientemente de eso, dejó para la posteridad una serie de imágenes en movimiento, son más de 90 obras fílmicas en las que inmortalizó personajes como Charlot y por febrero de 1936 inauguró uno de sus máximos clásicos: Tiempos modernos.
Tiempos modernos una obra clásica del cine, es más que el testimonio de un director de cine empeñado en hacer una película. Es luego de 75 años, una forma de vernos grabados, y cuando digo vernos, quiero decir que allí podemos ver las premuras del tiempo, aquellas que dicen que es oro, y no vivencias o experiencias gratas o ingratas; también ver ese mundo turbado, conflictivo y pesado de las máquinas, la desolación de un individuo fracturado, incómodo pero sobre todo un ser capaz de enaltecerse así mismo, además bajo el elemento de mayor elocuencia: lo cómico.
La obra inicia dando un contexto de la trama. Un cuadro de texto diciendo: “Tiempos modernos. Una obra sobre la industria, la iniciativa individual y la cruzada humana en busca de la felicidad.” Luego la imagen de una serie de ovejas, semejando el hecho de la multitud, después un tumulto de gente precipitada buscando el lugar de trabajo en las industrias, mientras que un solo sujeto, quien hace las veces de gerente, arma un rompecabezas, lee la prensa y ordena subir la velocidad de las máquinas de la fábrica, valga decir de los obreros. Aparece Charlot, quien intenta ajustarse a la velocidad, a ese apremio de no descuidarse, y la mecanización es tan despiadada que queda con un tic. Como si previera el mundo futuro, nos muestra escenas del gerente en pantallas husmeando hasta en el baño, máquinas para dar de comer al obrero mientras siguen los obreros trabajando. Lo que sigue en el transcurso de la película no deja de ser una gama diversa de situaciones entre la tragedia, el mundo voraz del capitalismo, la angustia de la existencia, pero su lado amable: la búsqueda de sí en medio de la simpleza de hacer actos por el prójimo.

Sigue en Spoiler

Por: John Harold Giraldo Herrera
Docente universitario y Periodista
[email protected]

Disney Pixar compite en taquilla contra DreamWorks, entre estos dos pulpos del séptimo arte se concentra un poder inalcanzable: el de llegar a millones de personas en todo el mundo por medio de películas animadas. Uno de los formatos más llamativos: por concentrar a la familia frente a la pantalla y por contar historias tan entretenidas como educativas. Las agencias más grandes de colonización cultural de los ciudadanos del mundo, la hacen cada vez que una película se postra en la pantalla. Sus genios idean por doquier historias para contar, unas veces desempolvando historias clásicas, muchas de ellas extraídas de la literatura, o con sorprendentes y novedosos, hasta curiosos hallazgos en ese arte de contar.

La nueva sensación, un tanto, ya reiterada, es la de Aviones. Una película de altura, si nos fijamos en su narración: un maloliente avión, acostumbrado a las lides de la fumigación en una granja, tiene como ideal el competir en una de las grandes carreras aéreas del planeta. Su aspecto, tanto como su postura, lo ubican como menor, sin embargo, encontrará llegar hasta donde quiere. La trama no es nada original, es un remake de una bestia que puede ser un príncipe, una niña pobre convertirse en rica, o una familia de ogros ser la más generosa y amorosa. En este caso, es el más débil, que sin tener los méritos, puede, a costa de su sincero estar en el mundo, su carisma y su invencible espíritu, lograr lo que casi todos no cree.
La periferia se pone al centro. El entusiasmo el arma más grande para derrotar las monótonas situaciones en un contexto muy apartado (que ni siquiera se encuentra en el mapa) y el soñar como el poderoso y refrescante control para escalar la montaña más alta siendo de tamaño muy diminuto quien emprende el camino. He ahí una sensación gloriosa que se establece para unos espectadores cautivos de mensajes aleccionantes, enriquecidos con una filosofía positivista, en el sentido, de conseguir lo que se quiere.


sigo en spoiler

Nos hemos acostumbrado que al ver documentales de la naturaleza, del reino animal, e incluso del vegetal es necesario contar con una historia detrás de ellos: que una familia de pingüinos, que una familia de osos, que una familia de leones, y no manadas, sino esa idea humanizada de los animales. Con ellos, por supuesto la idea de generar una conciencia ambiental global ha hecho carrera, se ha podido sensibilizar a miles de personas, pero aún los estados son miopes y timoratos para salir al paso a una coyuntura vital. Los espectadores quedamos con un mensaje apocalíptico con documentales así.

Cuando veo Océanos una sensación de ignorancia me invade: no saber nada de nuestros orígenes, de un territorio de nuestro planeta poco observado, de encontrarse uno frente a hechos enigmáticos, sin la necesidad de ubicar la familia de ballenas o la historia de un delfín. Llama la atención que además mi hijo, en medio de la función, me pregunte sobre animales que no conozco, sobre especies nunca vistas, porque eso es e Océanos: una inclusión de una serie de especies apenas descubiertas y que tendrán mucho por contarnos. Al verla uno siente estar en otro mundo, ese lado poco explorado de la tierra aparece en su inmensidad, ofreciendo no cifras ni datos ni tampoco explicaciones, sino esplendor, hechizo, es el océano por el océano, y claro también sale a flote la desgracia: animales capturados en redes, la basura en el fondo, la contaminación de las grandes industrias, pero no narra con la palabra dice con las imágenes.

Son cerca de dos horas, tiempo en el que parecemos estar viviendo en un sitio desconocido. Dos horas en las que a través de la música, no caemos en melodramatismos, sino para ir generando empatía en el espectador. Para ir paso a paso recorriendo el modo como coexisten unas especies con otras, cómo se ayudan y cómo unos a otros se requieren sea como comida o como sostenimiento, allí hay un intruso: el ser humano. Mi hijo no deja de preguntarme ¿quién daña eso tan bonito? No tengo que darle respuestas, de inmediato salen los cazadores y al tiempo ve cómo las grandes industrias botan todo a ese lugar donde surgió la vida. Pero mi hijo más que eso, ve la majestuosidad de un territorio oculto para nosotros y no deja de asombrarse.

sigue en spoiler

La metáfora me derramó la bilis.
Rango
Vemos lo que necesitamos ver.
Armadillo

Por: John Harold Giraldo Herrera

El ambiente hostil, la estética de lo siniestro es parte de la decoración, de repente un camaleón fantaseando con unos destartalados muñecos y en una simulación de piscina hace las veces de un soñador: arma historias en medio de la desolación, sus personajes son deformes o están muertos y de entrada el espectador deberá situarse para esperar una historia bien contada. Antes de la escena descrita, unos avechuchos convertidos en mariachis se han tomado el mando de narradores y predisponen al público con una advertencia: “Nos hemos reunido para inmortalizar la vida. Relájense con sus golosinas bajas en calorías”.

Una nueva película de animación se ha producido, al margen de la arrolladora Pixar, con un director proponiendo películas para niños con un aire de mucha incertidumbre para los grandes, se trata del ingenioso Gore Verbinski, el mismo quien dirigió los Piratas del Caribe. La película es la historia de un héroe, un sin nombre, un cualquiera, por eso al principio el camaleón angustiado enfrenta a su público y lo encara: “Mi escenario espera. El público está ansioso de aventuras ¿Quién soy? No sé.” Es un camaleón que presumimos fue una mascota y ahora está en medio de una crisis de identidad. Por supuesto, hay ansias de aventuras, pero esta no es una más, es una que se quedará sin esas molestosas calorías en el público.

Además no es una historia de un individuo, es la de una provincia, la de una nación, la de una necesidad: la de no olvidar, la de la esperanza en medio del escepticismo. Es la historia de quien se forja recorriendo el camino.

Luego de que el camaleón arma historias y se dirige al público para enfrentarlo, siente la necesidad del camino: un Quijote se apresta para andar. Su rumbo no es claro, su destino mucho menos, lo que sí aparece es lo trágico, un espejo se quiebra en muchos pedazos luego que el diminuto protagonista es arrollado por un carro. La ruptura del enfoque de la modernidad como lo recuerda José Joaquín Brunner (1988) en su libro: Un espejo trizado, obtiene de inmediato un lugar en nosotros, lo resquebrajado, lo poco compacto, el símbolo en crisis. Una epifanía ha invadido al camaleón: “El héroe no puede existir sin conflicto”, afirma, y sabe que su recorrido estará repleto de aventuras, de agravios y de entuertos. Desfigurado en medio de la carretera se encuentra con otro, su espejo, otro más compungido, quien atravesado por las llantas de un carro le dice: “Siempre hay una jornada por hacer. Te veré en el otro lado”.