“Love and Other Impossible Pursuits”, también conocida por “The Other Woman”, es un film del director Don Roos, cuyo mayor éxito fue en el año 1998 con “Lo opuesto del sexo”. La película plantea una temática dura y su desarrollo la hará aún más complicada de sobrellevarla, con un tinte hiper melodramático y una lentitud exasperante.
Dentro de las críticas de este blog, es posible compararla con “The Greatest” (2009, Pierce Brosnan, Susan Sarandon y Carey Mulligan) o, quizás mas cercana, con “Rabbit Hole” (2010, Nicole Kidman y Aaron Eckhart). En los tres casos, el dolor por la pérdida de un hijo llevará al desastre familiar y a las difrentes canalizaciones de los involucrados.
Esta película en particular, se caracteriza por la complejidad de las relaciones, donde el término familia se muestra muy distinto al concepto de familia tipo, y es quizás esta conceptualización social tan arraigada la que nos llevará a interesarnos por el film y es, de hecho, este mismo concepto el que se metaforiza en el título “El amor y otras cosas imposibles”.
Natalie Portman y Charlie Tahan están geniales, aunque el desarrollo de la historia no deje de inquietarnos con su falta de ritmo. Por momentos el largometraje toma carrera con algunos giros inesperados, pero nunca logra despegar.

Excelente film de origen belga, dirigido por Lee Tamahori (“007: Otro día para morir” o “Telaraña” con Morgan Freeman) y basado en la novela de Latif Yahia “I was Saddam's Son” (“Yo fui el hijo de Saddam”), quien fue obligado a ser el doble de Uday Hussein (el hijo mayor de Saddam).

El film está situado temporal y espacialmente en el conflicto entre Irán y Kuwait, en 1990. Utilizando imágenes documentales el film propone una mirada global y objetiva del conflicto, haciendo pesar el aspecto “pérdida de vidas humanas” a la que estos conflictos llevan. Luego, la parte ficcional del film ya desde su título deja en claro su postura sobre el régimen de Saddam y en especial sobre la maldad de su hijo Uday. En este último sentido, es interesante la contraposición que hace el film entre Latif y Uday, entre un soldado que da su vida por un país, el cual es manejado por el “diablo”… interesante paradoja. La actuación de Dominic Cooper es impresionante, no sólo por el doble papel, sino por lo distinto de ambos papeles.

Indignante, fuerte, bien situado contextualmente y buenas interpretaciones. Además, hay que destacar su diferencia de otros films hechos sobre los conflictos de medio oriente, los cuales casi siempre terminan condecorando “fílmicamente” a las tropas norteamericanas y pierden muchas veces el problema interno de raíz, en este caso, hay una mirada moral más que política.

Entretenido y divertido film de Sebastián Borenstein y protagonizado por Ricardo Darín. Personajes muy bien caracterizados y un clima tranquilo, la película invita a relajarse y disfrutar de una cómica relación sorpresiva entre dos personas que no hablan el mismo idioma y deben convivir hasta encontrar una solución al problema planteado. La historia, al principio, descansa en gestos y miradas que hablan y divierten por sí solos, mientras, va mezclando pasajes de buenos efectos especiales a medida que se adentra más en un terreno dramático y nostálgico. Estos flashes le dan un poco de ritmo en momentos en que el film se cae, un artilugio interesante del director.
Darín se sale un poco del esquema de sus recientes películas y esto, aunque a veces no es muy tenido en cuenta, es un punto importante después de verlo en menos de un año en “El Secreto de sus Ojos”, “Carancho” y “El Baile de la Victoria” en tonos similares.
La química entre los tres personajes principales explotadas en esta obra de humor “cotidiano”, sin rozar lo burdo y sin ser selectivo con el público, la hacen altamente recomendable para cualquier espectador.

Film producido por Tony Richardson, otro de los cineastas del Free Cinema, director de las películas “The Loneliness of the Long Distance Runner” (también basada en un cuento de Alan Sillitoe) y “Tom Jones”.

“Se trata de una crónica sobre la vida de un obrero inconformista que se refugia en el sexo y el alcohol; se plasma el conflicto entre el impulso del individuo y las exigencias sociales y el proceso autodestructivo de personajes apasionados…” (José Luis Sánchez Noriega en “Historia del cine”). A la vez que se contrapone a este personaje mujeriego y refugiado en el alcohol con las “obligaciones” sociales como el matrimonio, el trabajo, la primera vivienda, etc., se hace una crítica a la explotación laboral y al conformismo popular. El galán, el ama de casa infiel y la chica difícil son algunos de los arquetipos utilizados en este drama minimalista que también trata sobre la felicidad y la pasión, la miseria, la diferencia de clases, la rutina, la infidelidad, el sexo y la rebeldía.

De perspectiva naturalista, la película es en blanco y negro, con variabilidad en los tamaños de planos (si bien predominan los totales y las figuras enteras también encontraremos algunos campos largos y primeros planos), iluminación neutra, movilidad de cámara mayormente mediante travellings, angulaciones frontales e inclinaciones normales. En cuanto a la composición icónica nos encontramos con un film profundo que alterna figura y fondo en varias ocasiones, con una figuración fuerte en la fábrica y el uso de códigos iconográficos evidentes: soldados/civiles, joven/viejo, casada/soltera, rubia/morocha, rebelde/obediente, etc.

El manejo del sonido es una característica particular de este movimiento. En este film, tenemos principalmente sonido in, pero mezclado con ruidos de fuentes no encuadradas y sonidos over, por ejemplo la voz diegética interior al inicio que representa el pensamiento del personaje principal. La música alterna las tres variantes: en campo, off y over para separar las secuencias.

En cuanto al montaje, el decoupage utiliza distintos tipos de nexos: por analogía y contraste, campos y contracampos, por transitividad e incluso por identidad, en la secuencia donde Arthur y Brenda son perseguidos por los soldados en el parque de diversiones. La escritura del film es más bien clásica (es el más cercano de los cuatro films a este tipo de escritura), con elecciones neutras y homogéneas a lo largo de la película que permiten un equilibrio expresivo, funcionalidad comunicativa, imperceptibilidad de la mediación lingüística y facilidad de lectura de las imágenes.

Una película del género drama, de diseño minimalista, claramente del lado de las películas de arte y ensayo mas que aquellas de Hollywood, para un público que sepa apreciar mas el desarrollo y las imágenes que el desenlace. Una historia con dos personajes principales, aunque mirada siempre desde los conflictos internos de uno de ellos.

Distinta a la mayoría en varios aspectos, sobre todo visuales. Usa mucho la enmarcación pronunciada, con cuadros dentro de cuadros en varias ocasiones, estéticamente impecable. Se caracteriza, a través del uso marcado de códigos iconográficos, por la constante diferenciación y contraste entre clases sociales.

El juego de encuadres es lo mas destacado del film, se ven muchos primeros planos y planos en detalle cortando rostros a la mitad, tomas en picado y contrapicado, una iluminación subrayada, y con mucho contraste.

Atrapante, inquietante, nunca se sabe que va a pasar con los dos personajes, cual va a ser su reacción y cómo se va a desencadenar la acción del film. Esto y el constante cambio en nuestra percepción sobre los personajes, sobre quien es el bueno y quien es el malo, que genera la película es muy difícil de ver corrientemente en las películas hoy en día.

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