The Dead Don't Hurt.

Viggo Mortensen escribe, dirige y protagoniza esta historia situada en el lejano oeste con todo lo narrativo y estético que conlleva para usarlo como puente para además, coquetear con la guerra civil estadounidense, entregando una radiografía de esos inicios como sociedad que emana violencia y salvajismo que en cada momento que pasa se acrecienta más, siendo nobles sus conflictos para las gamas actorales de ambos protagonistas que a medida que el film crece, ellos lo hacen a tono con lo que va necesitando.

Su historia es sencilla, así mismo resultan novedosos sus pasos para arribar a ella, siendo que apenas arrancamos nos presenta un suceso que ya a transcurrido para de esa forma mantener la intriga de sus espectadores y nuestra necesidad de saber lo que ha sucedido, para tal cometido Mortensen nos invita a atar cabos mediante juegos temporales que se dividen en dos partes, una situada en el presente, y dos más que transcurren en el pasado sobre los cuales deberemos ir acercándonos al "desenlace" que se nos presentó inicialmente y todo lo que desembocó en él.

Si bien al principio cuesta un poco adaptarse a su método y necesitaremos estar con todas las luces para verla, pronto podremos encontrar características para poder guiarnos entre esos distintos juegos temporales, más específicamente en la apariencia del personaje de Viggo, su primer punto favorable es que es una película que se pasa volando, siendo que es dinámica y atractiva su primera hora mientras que en la segunda ya iremos enlazando vínculos hacia ese final en el que el desarrollo se vuelve un poco más oscura respecto a lo que va revelando poco a poco.

Su apartado técnico en su totalidad es correcto sin más, no brilla en lo absoluto pero tampoco se queda corta, logrando una justeza sobre su pulso estético que puede solo aprobarse, sus características sobre el género del western como tal se pueden encontrar mediante un discreto diseño de producción con sus escenarios, sus vestuarios y todos los elementos de dicha particularidad que le competen, además de que el guion ayuda en su texto el logro de poder transferirse a ese escenario adecuado al que pretende llegar su director y también actor.

Su poderío más grande radica es su dúo protagónico, mediante los cuales el propio Mortensen acompañado de una enorme interpretación de Vicky Krieps pueden hacerse cargo de lo que están relatando y poder acoplarse tanto como dupla así mismo individualmente en sus respectivos roles, hasta determinado momento puede percibirse que quien toma la delantera sobre su calidad es la actriz luxemburguesa, confeccionando un personaje femenino de armas tomar y dispuesta a poder preservarse en todos los sentidos en un ámbito predominado por los hombres.

Una visión del lejano oeste con una óptica más bien feminista que se agradece mucho y se logra con efectividad sin caer en planteos políticamente correctos, permanece en esa armonía entre el western, la guerra y las fatalidades de las que de ella desemboca, me resulta adecuado mencionar que a veces me generó la sensación de que quizás tenía un poco de tibieza para encarar ciertos tramos que tal vez requería mayor potencia, sin embargo sus actores están muy correctos, con una Vicky Krieps que a medida que avanzamos se come la pantalla y hace suya completamente la película, film que estrictamente es simple y justa técnicamente, cuestiones que le alcanzan y le son suficientes para hacernos transitar un camino ágil y que se deja fluir.

Calificación: 7.0

The Outrun.

Si hay una palabra para describir esta nueva película de la directora Nora Fingscheidt es "caótica", y es que The Outrun desde su concepción hasta su puesta en práctica resulta todos un caos, y lejos de ser una ineficacia ese adjetivo para esta obra es totalmente una virtud, un largometraje que nos invita desde un primer momento a relajarnos y simplemente dejarnos llevar a lo más profundo de una mente cegada por las adicciones y que, es una profundidad que la desempeña en todos sus elementos para así poder crear un cóctel introspectivo con un tacto muy sensible y que tiene como honestidad no caer en la fácil romantización de los sucesos que abarca durante su desarrollo.

Desde un primer momento la cineasta alemana nos plantea un ejercicio no lineal en su relato, algo que nos costará un pequeño tiempo en adaptarnos y tomarle la mano, ya que de cierto modo habrá pequeños trazos en el camino que nos indicarán como seguirle los pasos a esos juegos temporales, en los que incluye algunos cambios físicos en la protagonista para hacernos saber en que suceso temporal se encuentra durante su viaje, siendo que en grandes rasgos se encuentra contada de pequeños trozos que poco a poco, más tarde que temprano, se irán complementando con distintivos que dejó durante su trayecto.

Es muy interesante esa propuesta, ya que nos invita a zambullirnos de pleno en solo disfrutar de la belleza que emana esa confusión y nos obliga a abstraernos de todo intento de buscar un hilo conductor que nos sirva para ubicarnos al menos, en gran parte de su duración, además de que esto logra aún más categóricamente la inmersión y la exploración de una mente confusa y profundamente naufragada en la soledad que ejercen las adicciones en una persona, separándola de su circulo y de sí misma también, creando de ese modo unos individuos irreconocibles para sí mismos y para con el resto, generando un planteo y una profundización sobre esas sensaciones de niveles muy elevados.

Destacable la delicadeza con la que The Outrun se encuentra conformada, ya que se va formulando una historia que en ningún momento cae en la romantización de un hecho solo para quedar bien y luego dejarlo en el olvido, siendo que quizás era una de las barreras a esquivar en este tipo de cuentos, si cae en cambio, en algunas características propias de estas cuestiones que se le hacen inevitables poder eludirla pero que no le brindan un mayor escollo a la hora de lograr controlarlos y continuar con normalidad su sendero, por lo cual toda esa coordinación entre los obstáculos que atraviesa y la dirección tomada para darle un rumbo, se hace meritoria de catalogarla como empática, introspectiva y reconfortantemente cruda y desoladora por momentos.

Técnicamente es preciosa y no se niega a usar todos sus recursos para acoplar y aportar como un componente más a esa vorágine y a ese piloto automático constante, la utilización de sus ritmos por momentos dinámicos con movimientos descontrolados y por otros momentos una energía que se regula y se torna parsimoniosa, acompañada de unos planos que también intercambian sus intenciones y unos focos muy claros que por otros períodos se convierten en planos totalmente distorsionados, acompañan a la perfección la frecuencia con la que palpita su concepto, sumándole una banda sonora que tampoco se queda quieta en sus notas y que se encuentra en constante mutación, consigue ser de a ratos súper aturdidora y desconcertante en la percepción de las emociones empleadas.

Párrafo aparte para Saoirse Ronan, quien pocas veces decepciona en su trabajo, y aquí no es la excepción en la gran ejecución de su labor, comprometida a exponerse en propia piel a lo que le propone su personaje tanto emocional como físicamente, dispuesta a ofrecer las mutaciones como figura a las que la propia película tampoco se encuentra exenta, su interpretación produce estupor y fascinación por igual, adentrándose en una mujer compleja y de la cual es difícil no empatizar con sus aflicciones y sus pesares, sin dudas Ronan, será actriz a tener en cuenta de cara a la temporada de premios en la categoría que le compete.

The Outrun, donde vivir se vive día a día y donde luchar, se lucha día a día, Fingscheidt práctica cirugía a corazón abierto y Saoirse Ronan es quien pone ese corazón a disposición, lo bello de la confusión y de lo caótico estéticamente, un viaje hacia la profundidad de los anónimos que combaten a cada minuto contra si mismos para salir adelante en una batalla en la que se puede ver la soledad y la desesperanza de forma descarnada y desgarradora, donde se busca constantemente esa luz al final del túnel.

Calificación: 7.5

Longlegs.

Bajo la dirección de Oz Perkins, Longlegs bebe inspiraciones de Se7en y Zodiac de David Fincher, teje durante su primera hora grados constructivos que se asemejan mucho a esas películas y de las que durante esa primera etapa va dejando huellas dispersas de las que un tanto me ha costado adaptarme en la que dado el caso genera un vinculo con los sucesos en cuestión y los personajes, especialmente abarcando un ángulo sobre sus dos protagonistas.

Encontré su atractivo más fluido durante su segunda hora o más precisamente durante sus últimos 40 minutos, en los que definitivamente inclinará la balanza hacia el género de terror de configuraciones satánicas y de brujerías, es muy interesante esa vuelta de tuerca, pasando desde 1 hora de suspense y construcciones policiacas hasta definitivamente recaer en lo generoso que le resulta el terror para elevarla en esa mitad restante.

La historia que nos compete nos irá trasladando con juegos temporales en constancia desde un pasado hasta el mismo presente de los personajes, en principio no resulta difícil esa adaptación ya que la veremos plasmada bajo dos planos específicos de los que se utilizarán para hacernos saber en que tiempo estamos, además de ese concepto ayudar a ir atando cabos y que le son demasiado necesarios al espectador en momentos en los que particularmente andaba bastante perdido en su rumbo.

Es interesante como el director genera un buen establecimiento de atmósfera sobre su relato, bajo el sonido y lo visual, puede decir que me ha brindado un buen ambiente de intriga necesario sobre todo es un elemento que le fue muy importante ir en escala con el correr del tiempo y del que se hace buen uso en los planteos pertenecientes al terror, un vinculo de un entorno amenazante e intranquilo sugerente a que cualquier cosa puede suceder en cualquier momento.

La actuación de Maika Monroe le aporta muchísimo a la película, componiendo un personaje que desde primeras instancias refleja una persona con secretos bien guardados ahí donde el largometraje carece de dicha concepción, con el empuje final de la trama el mismo personaje va en crecimiento, de ella se pueden apreciar la asfixia, la intriga y la desorientación a la que se expone cada vez más, Nicholas Cage hace un buen papel bajo la órbita de una actuación en la gama que medianamente nos tiene acostumbrados sus tintes, si bien posee contadas apariciones esas pinceladas le dan un toque bastante interesante y perturbador.

Longlegs, una de las películas de terror más esperadas del año, quizás se queda un poco corta como para las expectativas de tal etiqueta, pero cumple, le cuesta buscar terreno firme aunque finalmente lo encuentra, es muy agradable su traspaso del suspense hacia los subgéneros satánicos definitivos, su actriz, el alma de la cinta, creando una figura que interesa, que llama la atención y que interesa saber de ella ante cada pasaje que transcurre, me faltó más estabilidad pero sin más, puedo decir que me ha quedado redondeada en su enlace final.

Calificación: 6.9

La estrella azul.

Una carta de amor de España para Argentina, su cultura y su gente, sus creencias y su música, un regalo para varios artistas que conformaron cimientos del folklore latinoamericano y que goza de que se note mucho ese retrato que Javier Macipe bajo la dirección y guion ha llevado a cabo envolviendo ese relato en el género musical, que constantemente coquetea con el biopic y hasta porque no, rozar una especie de documental y metacine.

Un viaje hacia tierras ocultas desde el otro lado del mundo a modo introspectivo e inspirativo es lo que nos propone "La estrella azul", bajo la observación constante del talento de los artistas latinos, de su idiosincrasia y sus creencias, a lo que sobre esto último recae en un sobrevuelo continuo de la muerte casi como una amenaza para algunos y el credo de celebración para otros ante un considerado pasaje hacia otro plano mejor, es una película que consume y se alimenta de todos esos factores para brindar una mirada de aquello que quizás los propios argentinos y los propios latinoamericanos muchas veces ignoramos sobre nuestras culturas y nuestras construcciones como sociedad.

Un inicio que a cuentas de serlo se percibe bastante confuso y caótico durante unos 15 minutos hasta poco a poco lograr estabilizarlo, sucediendo la percepción de que el director no supo demasiado como poder encararla de la mejor manera y de querer dar el salto de inmediato al conflicto central puesto que ese es el siguiente paso que da su desarrollo, si bien algunas cosas de ese fragmento inicial se pueden esclarecer de alguna manera hacia su final, como ya hemos mencionado, para ser su principio no deja de ser un poco difuso.

Debo decir que personalmente como argentino me fue enormemente satisfactoria su parte central, la carga de la esencia y de argentinidad que abunda en el aire es maravillosa, siendo un país tan grande y rico de sonidos, colores y energías fue muy agradable que este largometraje fuese inclinado por su propia historia hacia el interior de estas tierras, además de lo categóricamente brillante y fascinante que me generó el oír una película hablada en "argentino" que no fuese con acento de porteños, sino extendiéndose y haciéndole saber al plano internacional lo que quizás se desconozca, y es que ese vocabulario nacional se expande más allá (bastante más allá) de la representación que abarca Buenos Aires.

Las actuaciones le imprimen un toque muy efectivo y necesario de naturalidad, espontaneidad y sencillez al relato, se amalgaman a la perfección las interpretaciones de un actor de profesión como lo es el español Pepe Lorente y de alguien que no es actor profesional como el cantautor Cuti Carabajal así como del resto de los secundarios que los acompañan, hablando esto muy bien de la dirección de actores, no sabiendo exactamente si habrá suscitado un trabajo muy arduo al respecto, pero si lo hubo, se nota y se logra.

Personalmente no me han parecido del todo acertadas algunas decisiones creativas específicamente en el ámbito del montaje, vinculando algunas escenas que a mi gusto les faltan pequeños pedacitos de complementación que las hubiesen expresado aún más íntegras y que puede ser ciertamente el factor que haya resultado en que a veces cueste agarrarle el hilo conductor de las distintas las etapas por donde van dirigiéndose sus distintas fases evolutivas y constructivas.

Sobre sus últimos 40 minutos puede captarse una considerable caída sobre su ritmo, y que su final exacto probablemente divida opiniones, tal vez generándole una fricción con lo efectista y si se quiere "golpe bajo", aunque sostengo que su etapa central es tan potente y tan poderosa que son bastante más los puntos altos y menos los puntos flojos o a corregir que tiene en contra un proyecto que goza de ser novedosa y de beber aguas espontaneas que la hacen fluir con una medida exacta de la que posee la sabiduría para convertir eso, en su elemento más fuerte.

España le regala a Argentina y a Latinoamérica esta carta de amor a su existencia, y Argentina le regala a España un tanque cinematográfico de cara a la temporada de premios que se avecinan, certera y hábil para dar pinceladas sobre algunos géneros del cine, atractiva y seductora para propios y extraños, los premios no lo son todo sino aquella huella que deja sellada en sus espectadores, pero si sucede, habrá un aliento de este lado del mundo para los españoles.

Calificación: 7.6

La esperada secuela de la homónima película del año 2022 que también llevaba al frente de la dirección a Parker Finn, un proyecto que por entonces sorprendió a propios y extraños al engranar muy bien sus elementos de acuerdo al pequeño presupuesto que tuvo en su haber y que desde entonces, dejó una semilla de interés en el público esperando a ver que tanto se podía seguir extendiendo ese relato, y bien que lo ha logrado con buena efectividad, poseyendo como virtud en su haber justamente, el poder extender lazos creativos en búsqueda de otros horizontes y que claro, al haberse podido lograr y a su inminente éxito en taquilla, le abre las puertas a poder conformar un mundo propio sobre algo que empezó muy pequeño y que van agrandándose cada vez más.

Por su propia concepción como película de terror, en su momento Smile, sonaba con algo difícil de poder ampliar rumbos en vistas de nuevos proyectos que le dieran apuntes y posibilidades de formar una saga, pero finalmente se ha hecho y podemos decir que de maneras acertadas se le han abierto vínculos que le brindan la oportunidad de poder mirar hacia otros rumbos e incluso, poder superar en calidad tecnica e interpretativa, aquella obra del 2022, con evidentes cositas que necesitan y continúan sin pulirse desde aquel entonces, le abrirá los brazos a la expectativas de su funcionamiento en taquilla, ya que parece haber encontrado el equilibrio como concepto para incentivar a variaciones que le permitan continuar alimentándose de cara al futuro.

A su director Parker Finn se lo ve en esta segunda entrega, más decidido y más maduro al mando de la dirección, dándole una firmeza y una seguridad a todo lo que quiere englobar en su historia y con todos los fragmentos a disposición para poder llevarlos a cabo, si bien en grandes resúmenes algunas decisiones no terminan de cerrar del todo en cuanto a su consolidación como relato, se percibe que es lo que pretendía Finn para con la dinámica y estilo con la finalidad de que no hubiese demasiados baches que le dificultaran el transcurso pretendido por él, cuestión tal, que se le da beneficio por encima de algunos conceptos en los que no pretende quedarse estancada.

Sus aires resultarán casi imposibles de pasar por alto sus similitudes con "Vox Lux", del director Brady Corbet, arribando en este caso el elemento de terror a la plena vorágine y descontrol en la vida caótica de una diva, es interesante como se va tratando dicho enlace con total plenitud sobre sí misma, llevando de manera muy clara y evidente esas sensaciones de desborde social y psicológico en su protagonista, con bases que buscan hacer replantear las vivencias de la fama, las cargas psicológicas, las presiones ejercidas por el mero negocio que exprime a las personas hasta hacerlas rozar el límite de su integridad psicofísica sin importar más, que tanto se pueda llegar a exprimir esa fuente de ingresos e intereses.

Su protagonista, Naomi Scott se encuentra excelsa y a un nivel que eleva por completo el film, componiendo sorprendentemente una figura que, sin ella como actriz rápidamente a uno se le viene a la cabeza la imposibilidad como proyecto de poder acaparar tales grados si no fuese por su interpretación, Scott quien también es canta, compone las canciones que suenan durante el desarrollo y brinda un ejercicio esplendido de puesta en escena en cuanto a lo musical se refiera en esos trayectos, quizás al ser parte también de la misma industria, se le haya facilitado el poder compenetrarse a dicha faceta con total naturalidad en toda la seguridad que le imprime en sentirse y verse muy suelta como estrella pop.

Quizás lo más fantástico de Naomi Scott, radica en su adaptación a las concepciones propias que abarca el género de terror, personajes femeninos que este año han tenido una carga muy importante para con sus películas y que, Naomi no es la excepción, una interpretación tan increíble gestual, corporal y vocalmente que buscan en constancia el apoyo de unos primeros planos y movimientos de cámara hacia su rostro y esos gestos desencajados y de desconcierto ante los sucesos con enorme triunfo de realización, una actuación que por momentos se vuelve descarnada y visceral al máximo tanto estética como emocionalmente para con ella.

Sonríe 2, va más allá en todos los niveles sobre su antecesora, decidida a la maduración cuanto a su estilo y dirección, además se compromete a ser más salvaje, más violenta y sangrienta que la anterior, y cumple con mucha eficacia tal compromiso, con componentes terroríficos y sanguinarios bastante más elaborados, efectos prácticos por momentos muy creíbles que hablan del crecimiento en el monto que ha contado para su desarrollo, unos jump scare que, por cantidad dan la sensación de ser bastante baratitos, aunque como razón de ser, me plantea la posibilidad de que sus razones de existencia se deben a una necesidad de descolocar al espectador para dé a momentos, brindar si unos buenos sustos que hacen pegar unos buenos saltos en la butaca, estos no abundan en cantidad, cuestión que serán unos dos o tres en total muy bien realizados y sorpresivos que le aportan un buen gusto a la hora de componerlos.

La infección paranormal en la vida de la diva pop Skye Riley, o mejor dicho, en la vida de la diva pop Naomi Scott, quien se devora la película de principio a fin, es frustrante que, al pertenecer al género de terror y por obvio rechazo de la academia a ese género, ella no vaya a tener mayor reconocimiento durante la temporada, pero sin dudas marcará el año a la hora de estar presente en algún top propiamente del terror, que ha tenido grandes exponentes en este 2024 y que Scott es una de ellas sin dudas, Smile ahora sí, puede estar orgullosa de poder llevar la etiqueta de "universo", una creación que se extiende con éxito, con sus aciertos y sus decisiones erróneas, se posibilita así misma como fuente de alimentación en busca de otros rumbos de cara a una ampliación futura como saga.

Calificación: 7.0