El tema de "Gravity", al igual que hace años “Buried (Enterrado), echaba para atrás, y a Sandra Bullock no nos la imaginábamos en este tipo de películas. El milagro de “Gravity” es que su pobreza argumental (una mujer todo el tiempo dando vueltas en el espacio y sin saber cómo salir de allí) da lugar a un poderoso guion que mantiene en vilo al espectador durante sus escasos (y contadísimos) 90 minutos de duración. Como decía el maestro Hitchcock, en el cine “lo que importa no es lo que se cuenta, sino cómo se cuenta”. No sólo padecemos con la Bullock (Clooney sólo está en pantalla la primera media hora), sino que asistimos a un ejemplo de gran potencia visual que no impide, sin embargo, ni el realismo de la historia (nada que ver con alienígenas ni con monstruitos de cómic) ni una sobria reflexión sobre el sentido de la vida, la insignificancia del ser humano en el Universo, el destino final y la aceptación de la posible muerte. Los pensamientos de nuestra heroína (en una interpretación fuera de serie) y el llevarnos con ella a una situación incontrolable que nos sobrepasa hacen que los noventa minutos de “Gravity” pasen, contra todo pronóstico, como un suspiro. Por una vez la crítica y el público se han puesto de acuerdo.

Una de las primeras películas conocidas que abordaron directamente el tema de la problemática juvenil y educacional. Se me ocurren tres cosas al recordar este título. La primera es que es mucho más dura, creíble, sincera y profunda que otras de temática similar, tanto en su desarrollo como en su desenlace, como podría ser, por ejemplo, « Rebelión en las aulas ». Pertenece a una época en que el cine norteamericano empezó a tomar serio interés por lo social (recordemos « La ley del silencio », « El hombre del brazo de oro » o « Doce hombres sin piedad » entre otros muchos títulos).
La segunda es que los chavales de esta película, los que aún viven, tienen ya cumpliditos los ochenta y, por tanto, pueden ser los bisabuelos de los actuales estudiantes ; y aquí se dan situaciones que, desgraciadamente, no han pasado de moda.
La tercera cosa es que es curioso que los profesores de este tipo de películas sean casi siempre de Lengua y Literatura, como yo. ¿Será que es la asignatura que se presta más para motivar a los alumnos ? No lo sé.

Un soberbio trabajo del director Richard Brooks, que se sigue sin pestañear gracias a un guion en el que nada sobra, a sus excelentes diálogos, a la fuerza impactante de una serie de escenas y a la interpretación de Glenn Ford, al frente de un reparto en el que no hay que olvidar a un incipiente Sidney Poitier, curiosamente aquí de alumno antes de que con el tiempo hiciera de profesor. Gran película en todos los sentidos y que ha sabido envejecer muy bien, gracias a que es totalmente realista y sin « milagritos » al final.

“La ola” es una película alemana inspirada en un suceso ocurrido en EE.UU. en la década de los 60 en un centro escolar, adaptando la historia a un instituto alemán de nuestra época. Un profesor liberal y con ideas innovadoras plantea a sus alumnos en un seminario sobre autocracia la posibilidad de que el nazismo o algo parecido pueda resurgir en nuestros días. Naturalmente los chavales, que viven en plena democracia y a los que no les falta de nada, piensan unánimemente que no. Entonces nuestro profesor intentará, por la vía práctica, demostrarles lo contrario. Para ello utilizará un método: implantar en la clase un sistema totalmente autoritario y que consiga la plena implicación del alumnado. No parece probable que la disciplina más férrea logre la adhesión ni menos la simpatía; pero si, a través de ella, se llega a una conciencia de grupo, a la obediencia absoluta a un líder, a unas señas de identidad propias (“La ola” como nombre del grupo, la vestimenta blanca para todos y otros emblemas propios), a un sentimiento de superioridad ante otros grupos y a una exclusión absoluta en el trato social de todos aquellos que no pertenecen a “la ola”, entonces el experimento ha funcionado.
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Al igual que a Clint Eastwood, al carismático actor Sean Connery, fallecido el presente año, le sentó muy bien la madurez. Hacia mediados de los 70, lejos ya de su encasillamiento como James Bond, protagonizó tres notables películas de aventuras, seguidas una tras otra: “El hombre que pudo reinar”, “El viento y el león” y “Robin y Marian”. En esta última, el director inglés Richard Lester desmitificó al héroe de “Robin de los bosques” y de tantas otras películas en las que aparecía este personaje, y lo mostró envejecido, físicamente pero no en sus ideales, aunque humanizándole por completo y provocando nuestro respeto y simpatía.

Pero lo que da mayor interés a esta hermosa película no son las luchas y batallitas (que no faltan, aunque mucho menos grandiosas que antes), sino el encuentro cinematográfico de una pareja de lujo: nada menos que Sean Connery y Audrey Hepburn, señalando el regreso de una actriz, ya madura pero querida por todos, después de diez años de ausencia de las pantallas. Ellos dos, viviendo un romance que va más allá del tiempo y de la muerte, elevan muchos enteros la categoría de la cinta.

Una joven madre soltera acaba de mudarse a Londres desde América con su hija Bunny, una niña de pocos años. Cuando va a recogerla al colegio después de su primer día de clase descubre que no hay rastro de ella por ninguna parte. Nadie sabe nada de Bunny y nadie la ha visto en toda la mañana. Después de la denuncia del caso, el inspector de policía que dirige la investigación llega a sospechar que la niña no existe y que todo es una invención de una mente enferma.

El realizador de origen vienés Otto Preminger aportó al cine negro varios de los títulos más prestigiosos del género en la época dorada del cine americano, los años 40 y 50. Basta recordar « Laura », « Al borde del peligro » o « Anatomía de un asesinato », entre otros. A finales de los 60 y durante los 70 cayó, en cambio, en un lamentable declive con películas poco o nada interesantes. « El rapto de Bunny Lake », rodada a mediados de los 60, fue su último título interesante. Buen ejemplo de cine de intriga y suspense, cuenta con una puesta en escena muy elegante y cuidada para generar la tensión que la película requiere. Buena interpretación de la entonces joven Carol Lynley, que ya había trabajado anteriormente con el director, y del veterano Laurence Olivier, como el detective que investiga el caso.

Lo mejor.- Toda la primera parte; ejemplo de cine de intriga y misterio bien llevado, durante la cual el espectador anda como descolocado, ya que no sabe qué punto de vista adoptar: si el de la chica, angustiada como cualquier madre que no encuentra a su hija, o el del policía que, aplicando las leyes de la lógica, piensa que todo es un montaje.
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El momento.- Tras los simbólicos e imaginativos títulos de Saul Bass, que trabajó con realizadores como Preminger, Hitchcock y Kubrick, la película pasa en breve tiempo, y sin que nos demos cuenta, de lo realista y cotidiano a lo inquietante y anómalo.

Mi pregunta.- ¿Quién sería el listillo a quien se le ocurrió poner el título que tiene en castellano, cuando el original inglés (“Bunny Lake” is missing”) es mucho más misterioso y sugerente?