"El atelier" es la nueva cinta del destacado cineasta francés Laurent Cantet, recordado por la realización de grandes películas como "Recursos humanos", "El empleo del tiempo" y "Entre los muros (o La clase)", en donde supo retratar diferentes instancias de tipo social y laboral, con una mirada certera y categóricamente elaborada. Si bien "Entre los muros" es considerada por muchos su obra más completa, es difícil elegir una de las tres producciones, ya que cada una tiene rasgos sumamente válidos, y lo ubican a Cantet como uno de los realizadores más interesantes y más comprometidos del cine moderno. Otro dato a destacar es que en esta ocasión cuenta con la colaboración en el guión de Robin Campillo, director de la reciente "120 pulsaciones por minuto", quien contribuyó previamente en los guiones de "El empleo del tiempo" y "Entre los muros".

En "El atelier" la trama se centra un taller de escritura, brindado por Olivia (Marina Fois), una famosa novelista, que parece estar más interesada en ese tipo de experiencias, que en su trabajo actual. La idea del taller es poder concebir en conjunto un thriller policíaco, con la ayuda de la sumatoria de ideas y voces de sus participantes, un curioso grupo de jóvenes en donde visualiza un poco la multiplicidad de etnias que viven en la actualidad en territorio francés, en la pequeña ciudad de La Ciotat, ubicada al sur de Francia, para ser más exactos..

Lo que en un comienzo se manifiesta como un grupo amistoso, en donde el devenir de ideas parece poder tomar forma e ir en una misma dirección, las expresiones, pensamientos, y manifestaciones de Antoine (Matthieu Lucci), uno de sus integrantes, empezará a funcionar como foco conflictivo, no logrando desequilibrar la estabilidad del grupo, pero dejando en claro la diferencia de concepción de la vida y posibilitando su salida del mismo. Deja en evidencia cierta disconformidad, ciertas preocupaciones y una percepción muy distinta al resto en cuanto al contexto social. Estas marcadas discusiones y claras diferencias, serán el motor que llevara a Olivia a acercarse e interesarse de mayor manera por el joven, sus actividades, sus ideales y su mismo entorno.

Pese a ser una idea sumamente interesante, dotada de todos los detalles que la historia pide y contar con dos actuaciones acertadas y bien delineadas, como las de Marina Fois y Matthieu Lucci, "El atelier" no termina de ser del todo convincente. Quizás no se percibe la fuerza de sus cintas previas, donde Laurent Cantet supo manejar una mayor fuerza y convicción, y en donde la narración misma nos permitía adentrarnos en las situaciones. Se percibe cierta denuncia al racismo siempre presente, pero podemos decir que el abordaje termina siendo un poco escueto. Vale resaltar que la cinta sostiene el ritmo durante sus casi dos horas de metraje, brindando información de manera progresiva, conforme suceden las diferentes acciones, exceptuando algún que otro momento de breve densidad, donde la película no llega a estancarse.

Ambientada en la década del 50′ y enmarcada bajo el género dramático, "La Rueda de la Maravilla" es la nueva cinta del neoyorquino Woody Allen, que sigue empeñado con presentar una película anualmente, un hábito que sostiene desde hace tiempo. "La Rueda de la Maravilla" contiene, como era de esperarse, muchos de los elementos frecuentes del cine de Allen, que van desde el tratamiento y enfoque sobre el difícil entramado que conllevan tanto las relaciones amorosas, como las referidas al complejo entorno familiar, algunos diálogos ya tradicionales en su filmografía, y momentos cómicos, enlazados en medio de escenarios de índole dramático.

El encargado de presentarnos e introducirnos en las historia será justamente unos de sus protagonistas funcionales, un guarda-vidas llamado Mickey (interpretado por un aceptable Justin Timberlake), que nos cuenta la historia de Ginny (Kate Winslet), una actriz de carácter volátil y fuerte temperamento, devenida en camarera, y Humpty (Jim Belushi), un operador de carrusel, sin muchas pretensiones, pero con problemas con el alcohol; ambos atraviesan una crisis de pareja. Él insiste con invitarla a formar parte de hábitos que conforman su rutina, pasando por alto que a ella en realidad no le interesan, y que si alguna vez compartieron, no fue más que un intento de por fortalecer el vínculo entre ellos.

La aparición de Caroline (llevada a cabo por la actriz británica Juno Temple), hija de Humpty, con la cual él no hablaba desde hace unos cinco años, y había prometido no volver, representará un fuerte sobrecarga, sin pasar por alto que la joven huye de su ex marido, un hombre de perfil peligroso e involucrado en asuntos de mafia, que según ella, la busca para matarla. A esto vale añadir que en el medio, con la pareja convive el hijo más pequeño de Ginny, Richie, un muchacho fascinado con los incendios y la piromanía, con serios problemas de conducta, e inconvenientes en la escuela, a la cual a veces ni asiste, porque prefiere escaparse para ir al cine.

Mickey no será de ayuda en su intervención en la historia, ya que terminará convirtiéndose en el amante de Ginny, quien demuestra una clara disconformidad con su actual pareja, y remarca su arrepentimiento por haber engañado a su primer esposo, el padre de Richie, lo cual la llevó a un inevitable derrumbamiento. No tardará Mickey en conocer a Caroline, y pese a mantener distancia con la muchacha, los acercamientos inevitablemente se darán, y el simple hecho de percibir cierta empatía entre ambos, terminará de resquebrajar la frágil instancia emocional que acongoja a Ginny y sobrelleva a duras penas, exponiendo su lado más egoísta y miserable.

La historia contiene elementos teatrales, y se engloba en la naturalidad de films clásicos de Woody
Allen. El sentido de la moralidad será un eje central, ya que no todos los personajes la conciben del mismo modo, y la forma de operar de cada uno, será lo que brindará ciertos matices a la narración, y también será el motor elemental que desviara las acciones hacía el lado más coherente. La actuación más destacable es la de Kate Winslet, aunque en líneas generales son parejas. Algunos excesos, muchas veces presentes en las películas del realizador neoyorquino, es su debilidad mayor, pero la cinta en cuestión logra sostenerse a lo largo de sus 100 minutos, la historia sin ser una obra maestra, está bien delimitada, y podemos resaltar una serie de momentos que son netamente acertados. Quizás fascine a los seguidores de Woody Allen, y naturalmente evadan los detractores del mismo, pero para los neutros, la propuesta es interesante.

Corría el año 1977 y Nikita Mikhalkov presentaba lo que sería su tercer largometraje, al que llamaría Pieza Inconclusa para Piano Mecánico, basándose en la obra teatral Platonov, que escribiría Anton Chejov a temprana edad, cuando contaba con tan solo 18 años.

En un principio el ambiente se torna confuso, no se da mucha información respecto de quienes son los sujetos que aparecen en escena; Mikhalkov se toma su tiempo, permitiendo al espectador acomodarse un poco al contexto, pero sin dar demasiada información, y sosteniendo diálogos que de por si tampoco aclaran el panorama en cuestión. La aparición de quien es el protagonista de la historia lleva unos minutos, pero irrumpe de manera clara; se trata de Mikhail Platonov (papel llevado a cabo por Alexander Kalyagin), un personaje que por sus formas no pareciera del todo pertenecer a dónde lo han citado, pero conserva el espíritu de camaradería que la situación amerita, sobre todo cuando su esposa es una de las integrantes de aquella familia.

Minutos más tarde aparece en escena otros de los hermanos, con su nueva pretendiente, Sophia, que resulta ser, por aquellas circunstancias extrañas de la vida, un viejo amor de Platonov, o algo por el estilo. La situación en si, sumada al contexto vivido, repercute en forma negativa en carne de nuestro protagonista, quien termine cayendo en un entorno conflictivo y de difícil resolución, primariamente por ser este un maestro de escuela, quién prefirió no escalar posiciones, en orden de priorizar el sustento de una ideología.

El motivo central y enfoque brindado por Mikhalkov parece enraizado en la situación socio política que atravesaba la URSS, su país, por aquel entonces; el fin de la década de los 70′ llegaba y había mas dudas que resoluciones, más preguntas que respuestas en cuanto a lo que deparaba el futuro. Pareciera oportuna la adaptación, siendo que Chejov la había escrito en su momento, vivenciando el duro transitar
de una “sociedad herida de muerte”. Quizás por ende, asustado ante la incertidumbre, termina de plasmar con grandeza un escenario de conflicto, de oposición, y de cuestiones irresolubles, entre quienes creen en poder sostener las formas, y quienes creen que todo está terminado.

También se expone el mismo Platonov, un poco sentido por el paso del tiempo y por la nostalgia de años que han pasado hace demasiado, dejando un sabor amargo y desalentador, incluso dejando de lado el porvenir al lado de su actual mujer. Este film no llegó a ser de los más famosos del director soviético, siendo recién Sol Ardiente, película del año 1994, la que obtendría mayor consideración por parte de la crítica. No obstante es una pieza altamente recomendable y sumamente interesante.

Hay algo a la hora de hacer cine que es envidiable y eso es estar en el momento justo, poder hacer un film en tiempo y lugar exacto, y esa fue la posibilidad que tuvo Tomas Alea allá por 1960 cuando filmó "Historias de la Revolución". El punto de realismo impregnado en el mismo es inmenso, retrato del cambio que buscaban y obtendrían en aquel momento y de la situación por la cual Cuba atravesaba en aquellos años. Destaco también un puntilloso y más que interesante trabajo de montaje por parte de Alea, con algunas tomas que me parecieron sorprendentes para la época. A la hora de hablar de las historias, me quedo con la primera, la fuerza y el contenido de la misma, y las caracterizaciones de los personajes, si bien todas las historias tiene un peso y una carga de dramatismo importante.

"Cambio de Dirección" es una película tecnicamente desconocida, tiene que ver quizás que ni su director (Emmanuel Mouret), ni sus protagonistas son conocidos, pero eso encierra cierto encanto. La historia se encierra en cuatro personas y una serie de cruces entre ellos. El personaje central en la historia es David, quien convive con Anne, pero está interesado en su alumna Julia. A lo largo del film se dan momentos intertesantes y cierto humor especial que hace de una película simple, pero encantadora, lejos de un film burdo de humor, con inteligencia y sin abruptos. A tener en cuenta si gustan del buen cine.