Alejandro Amenábar, lo ha vuelto a conseguir y es que esta vez ha dejado al púbico sin habla. Cuando acabó el film, los espectadores de la sala no nos atrevíamos ni a levantarnos, se formó un silencio que nos dejó atrapados en la butaca. Es una película de sentimientos encontrados que no dejará indiferente a nadie. Te va enamorando poco a poco tanto con la trama intimista como con la histórica, hasta finalmente dejarte sumergido en el verano de 1936.

En relación a los actores cuesta decidirse por alguno y es que cada cual está aún mejor. Me atrevería a decir que Karra Elejalde acabará levantando la estatuilla por mejor actor de reparto, así como Eduard Fernández que no me extrañaría que estuviera en la lista de candidatos. Lo único que he echado en falta ha sido a Nathalie Poza, de la que me esperaba un mayor peso en la trama y no sólo en dos escenas que saben a poco. No da tiempo a disfrutar de la grandeza que puede aportar esta actriz y se desaprovecha totalmente su talento.

Cabe destacar al departamento artístico por adentrarnos tan bien en ese momento histórico. Cada paisaje y cada localización están cuidadas al milímetro, desde las calles hasta la propia Universidad de Salamanca. Yuxtapuesto a la notable dirección de fotografía y al equipo de vestuario que hace una gran labor al frente de una vestimenta tan variada en cada uno de los personajes. Otro punto a favor es que se ajusta a la realidad al completo, se aleja de todas las caricaturas o perjuicios sobre cualquiera, sobretodo en Franco mostrándonos todos sus impedimentos y cómo poco a poco va consiguiendo el poder con la mayor astucia permitida. Posiblemente estemos ante una de las mejores películas de Amenábar seguida de “Mar Adentro”, y es que el director ha vuelto a demostrar su gran destreza tras las cámaras.

CARLOS ANTOLÍN
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Tres historias que se enlazan poco a poco en la nueva película de Salvador Calvo (Los últimos de Filipinas). A pesar de que el nombre del film sólo haga referencia a una de ellas, a la historia que servirá de conector con las dos restantes. Los tres relatos pretenden transgredir la parte más dolorosa de nosotros. Un mapa que recorre todo el continente condenado por la avaricia y la miseria humana. Una aventura en la que prima la supervivencia llena de emoción, con escenas sobrecogedoras que reflejan la cruda realidad. Te muestra las dos caras del ser humano, en la que se diferenciarán los pobres y los ricos, los que luchan y los que quieren huir, los interesados y los altruistas. Pero sobretodo en la que el protagonista conocerá la auténtica amistad.

Intentando repetir el éxito de “El cuaderno de Sara”, con la misma base pero con una historia mucho más personal y completamente diferente. Está muy bien construida, montada y dosificada, no lleva lugar a confusión. Conectadas mediante el significado de la consciencia de la historia con las condiciones de vida y las tragedias del continente. El problema es que abarca tres tramas paralelas en las que el tema principal no llega a estar del todo claro. A pesar de eso, las historias son tan puras y necesarias que te dejarán con un sabor de boca agridulce.

Adú, no sería lo mismo sin el gran protagonista del film. Moustapha Oumarou, utilizando su bicicleta como nexo de unión de ambas familias. Su expresividad natural y la autenticidad que arrastra provoca la verdadera conexión con la película. Luis Tosar y Anna Castillo, se ajustan bastante a su papel sin sobresalir, posiblemente porque la trama principal deje eclipsadas al esto de historias que la conforman. La fotografía llega a ser demasiado oscura en algunos momentos y a pesar de introducirnos tan bien con Adú, los planos de África son muy reducidos.

Pese a que cueste digerir sus 119 minutos de film por la gran cantidad de realidad que transmite cada plano, es una película totalmente necesaria que hace replantearte ciertos comportamientos. Es un viaje tan bello como doloroso del que no podrás huir.

CARLOS ANTOLÍN
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Polo Menárguez se estrena como director de su primer largometraje de ficción. El plan tiene algo que te atrae poco a poco hasta dejarte inmerso en la trama. En su faceta como director al encontrase en interior y a tiempo real de una mañana. Con brío y eficacia en el plano, los personajes nos narran sus acontecimientos pasando del secreto a la ira, del fulgor al drama, de lo social a lo personal, etc.

Lo mejor de la película es el trío de protagonistas. No necesitan a nadie más, ellos mismos se comen la pantalla. Las interpretaciones están a la altura y no me esperaba menos de semejante elenco como tiene El plan. Antonio de la Torre está prodigioso, igual que Raúl Arévalo. Por su parte, Chema del Barco asombra de manera muy positiva.

Adaptar al formato audiovisual una obra de teatro que se desarrolla casi en un único espacio es todo un reto para su director. Con El plan, Polo Menárguez sale indemne de este gran drama social. Tiene un guion muy trabajado a partir de la pieza teatral de Ignasi Vidal. El argumento desprende sencillez, propiciando así un acercamiento al espectador con tensión, carga emocional y comedia.

El plan es un claro ejemplo de la masculinidad y de los complejos que cualquiera puede tener, ya sea como nieto, como hijo, como padre o como abuelo. Es un vistazo terrible a los excesos y a las carencias de los propios personajes. La música, el vestuario y la colorimetría dejan mucho que desear. Ninguna de los tres departamentos consigue destacar a lo largo de toda la película. Un poco por encima de estos, se encuentra el departamento de maquillaje y peluquería que se salvaría por la labor que hacen con Raúl Arévalo en El plan.

CARLOS ANTOLÍN
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Basado en el galardonado cortometraje “Madre” que se alzó con una nominación en los Premios Oscar 2019, Rodrigo Sorogoyen vuelve a ponerse detrás de las cámaras para prolongar el asfixiante thriller que nos dejó en vilo. Con el mismo equipo técnico y contando con su coguionista habitual, nos defraudan después de tocar el cielo con una continuación imperfecta. Durante la primera parte vuelve a hacernos partícipes del agobio de la protagonista para luego dar un salto temporal y entender el sufrimiento con una historia un tanto convulsa e incomprensible. Te esperas un regreso impactante pero te encuentras ante un género distinto aunque con el mismo formato de grabación siendo este lo único que ha respetado del material original que tanta reputación le dio.

Sorogoyen ha demostrado ser un gran director pero un mediocre guionista en lo que a esta película se refiere. El gran angular y los maravillosos planos secuencia hacen que el espectador sienta el verdadero sufrimiento de la protagonista, y más, cuando está interpretada por Marta Nieto. Del mismo modo que la dirección se va incrementando, el guion va decreciendo hasta llegar a un punto de incomprensión y extrañeza. Es tan desconcertante como inquietante a cada paso que da llegando incluso a dejar de empatizar con los personajes.

Al igual que cambia el género de manera feroz, también deben hacerlo las propias actrices. Marta Nieto ya ha digerido el nerviosismo de su personaje del cortometraje Madre y ahora ocupa por completo el lugar de la resignación. Su interpretación roza todos los sentimientos posibles de una manera brillante. Así como el principiante Jules Porier sin miedo a adentrarse en lo desconocido, en el caos y en el propio abismo que le provocará su compañera de reparto.

Madre rompe las expectativas ahondando en un terreno desconocido provocando cierto engaño en el espectador. Sorogoyen rompe las reglas y arriesga demasiado llevando la película por mal camino, tenía todas las que ganar y las expectativas muy altas. Al igual que en las series hay que saber cuándo cortar por lo sano, nos encontramos ante el mismo caso transformando un acertadísimo cortometraje en una película mediocre.

CARLOS ANTOLÍN
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Provincia de Buenos Aires, durante la gran crisis Argentina del 2001. Un grupo de amigos y vecinos pierde el dinero que había logrado reunir para reflotar una vieja cooperativa agrícola. Este hecho acontece al ser estafados por un perverso abogado y un gerente de banco que poseían información confidencial del futuro del país. Al enterarse de lo sucedido, este grupo de vecinos decide organizarse y armar un minucioso plan con el objetivo de recuperar lo que les pertenece.

La risa se impone a la trágica historia que nos narra su inapreciable director que pasa demasiado desapercibido. Sebastián Borensztein tenía todas las posibilidades para conquistar al público pero le ha sobrepasado su magistral elenco encabezado por dos de los mejores actores de Argentina. A pesar de la mediocre dirección, combina de manera brillante la dosis de humor costumbrista y la sátira social para conseguir una película placentera con un gran ritmo en el desarrollo. Es una película empapada de argentinidad tanto en la temática, en el humor y en el conjunto de referencias y problemáticas de la anécdota; perfecta para los verdaderos amantes de cine argentino.

El espectacular reparto consigue darle ese toque de ingenuidad en un film amable y divertido, pero sobretodo muy vivo. La realidad se superpone de manera excepcional a los diálogos por las grandes interpretaciones que recorre la historia. Revindico una vez más el arte y el don que tiene Ricardo Darín para transmitir todo tipo de emociones plasmadas sobre el papel, asimismo el actor Luis Brandoni se eleva a su altura para ofrecernos uno de los mejores personajes. Darín y su hijo Chino se juntan por primera vez en La odisea de los giles para desprender tanta complicidad como en la vida misma.

El guion es una adaptación de la obra original de Eduardo Sacheri titulada la Noche de la Usina, publicada en 2016. Sacheri y el director, han sido los encargados de escribir esta novela enfocada el formato cinematográfico donde encontramos un argumento predecible. A pesar de saber en todo momento cómo va acabar el film, la inocente historia acaba por conquistar al espectador y dejarle enganchado con el elemento conductor de la risa.

La odisea de los Giles cuenta poco pero gana mucho más; es ingeniosa, divertida, mordaz, real, emotiva y maliciosa. Revindica solidaridad y lealtad con un mínimo de esperanza en el género humano. Posee un buen ritmo, una magnífica voz en off y un guion aceptable al que le sobran varias subtramas; por eso mismo, nunca podríamos asemejar la película a la definición de un buen gil.

CARLOS ANTOLÍN
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