Era de las últimas películas de Miyazaki que me quedaba por ver. En la cuarentena me agarró una especie de síndrome Miyazaki y me vi varias de un tirón.
Kiki, entregas a domicilio, es parte de una etapa anterior al camino que tomará Studio Ghibli desde El Viaje de Chihiro en adelante. Kiki, me pareció que es el camino de la amistad y la inocencia que reina también en el film anterior del director, Totoro. Pero cuando digo inocencia no es algo menor, o pobre si se quiere sino ese lugar que abre al camino de lo desconocido o mejor dicho del aprendizaje. Ese aprendizaje que va trazando Kiki, desde que sale de su casa para llegar a una ciudad que desconoce, es lo que más me quedó de la película. Cómo esa travesía es la introspección para crecer y descubrirse.
Algo que también me parece interesante es que retoma en su técnica de animación, y en la propia historia, a la vida cotidiana trastocada por lo fantástico. La brujería no es algo anormal en la ciudad, pero ellos viven el común entendiendo que la brujería es parte de su mundo. Como Hiyao utiliza los seres fantásticos me parece que es de lo más fascinante en sus historias. No sabes para donde va a seguir la trama o que personajes nuevos pueden irrumpir de repente.
En Kiki, entregas a domicilio incurre como en toda la filmografía del director el mundo de la aviación. En el film el personaje principal puede volar, ya que es una bruja; como así también incurren dirigibles, y aves que también van a ser parte de la historia. Miyazaki es alguien trascendido por la aviación y todo lo que pueda volar. En “Se levanta el viento” pone toda su imaginación y su vida en lo que ha sido para el director los aviones. Un gran film que recomiendo.
Ah...Y el extra, es la compañía de NIcky, Jiji su gato. Hacen una gran dupla, dando una frescura particular a la historia. Los gestos del personaje del gato técnicamente son muy entrañables y humorísticos.
si te intereso puedes seguirme en instragram: @midiariode_cine

Tras verme tres de los primeros cortos de Svankmajer me senté con ganas de ver The Little Otik. Había leído que es uno de sus films donde se sale bastante de ese lugar impuesto de animador. Deja claro en esta cinta que es un verdadero artista sin fijarse en un género a realizar. Svankjamer en gran parte de su filmografía se corre del stop motion y trabaja con actores como es en este caso. Una de las cosas que me llamó la atención es el roce desmedido de los cuerpos.Están en continúo movimiento, casi sin respiro. Siempre hay algo que los está inquietando y se nota en los cuerpos que quieren casi como escapar del espacio que ocupan.
Para quienes me leen y los que no también quiero aclarar; por si acaso, no suelo hacer una crítica y contar de qué va la película. Esta es mi experiencia primaria como espectador, acentuando en algunas ocasiones sobre las actuaciones y en algunas cuestiones técnicas que son más que nada cuando veo una seguidilla de películas del mismo director.
Svankmajer se basa en un cuento checo de Karel Erben para contar esta historia que le viene perfecto a su poética. Una pareja que no puede tener hijos, y el marido decide tomar la raíz de un árbol que está en el jardín y darle forma de bebé. Su esposa toma el regalo como ese niño que no pueden criar. La raíz toma vida y se desata un follaje ineludible de situaciones que derivan en el terror de una rama que come gente. Así como lees; el pequeño monstruo se envaina seres humanos para llenar su estómago. Una película bizarra, delirante, gore, inclasificable y eso me agrada, ¿para qué ponerle género a las películas? Es cine.
La materialización toma el control del cotidiano. Este nuevo plano invierte los sentidos de cómo actuamos en la vida y nos hace preguntas que vuelven interesante la peli: entre la materia que cobra vida y el ser humano, ¿quién domina a quien? Un anciano que tiene deseos perversos con una niña, los anteojos toman vida y el control es de los pantalones. La comida, el alimento de cada día en un plato tiene también vida propia, y es el ser humano quien desea y no puede moverse.
Me llamó también la atención el trabajo con la cámara, los primeros planos que desbordan casi la pantallas, los ángulos de cámara para captar imágenes que ensombrecen de buena manera lo narrativo. Es casi como si los planos distorsionaran visualmente la realidad; una realidad que acepta los códigos fantásticos como signos propios. Eso me pareció un acierto total, que además ayuda al trabajo de los actores. Unos actores que son arrolladores como los 132 minutos de película.Pero quiero destacar la labor de la pequeña actriz. Que bueno que leyendo comentarios del film, muchos destacan la actuación del personaje de Alzbetka interpretada por kristina adamcova de manera maravillosa. Un personaje enamorado de las historias de cuento infantiles que narra, por momentos en voz en off, las situaciones que va viviendo el matrimonio con el pequeño Otik, pero dándole el propio Svankmajer toques personales al punto que el final quiere escapar del propio cuento. El trabajo de la actriz es disparatado, ágil pero sumamente inteligente que va llevando el hilo de las acciones hasta su paroxismo final.
Hermosa película. No me defraudó para nada. Svankmajer es más un genio del Stop Motion y queda a las claras en esta película que te tiene agarrado del sillón en todo momento.

Octubre 2021

Esta pequeña reseña es sobre la segunda película que veo de Claire Denis, luego Bella Tarea (1999); tiene referencias o apuntes que destaco del texto “Icon of Fury” de Jean Luc Nancy.

¿Se trata de una película sobre amores que se buscan, o de cuerpos que se devoran entre sí? Leí en algunas críticas que el cine de Denis casi que parece no tener un argumento, y no comparto tanto esa lectura. Sí trata de escapar de lo convencional, pero hay una historia, un relato. ¿Pero es sólo eso lo interrogante del film, o de lo que busca ahondar la autora en sus películas? Si hay algo que me quedó impregnado tanto en Beau Travail como en Sangre Caníbal ( la traducción al español que pusieron) es la exploración de la piel. En Beau Travail es el cuerpo tonificado, intacto, hasta la última salida del sol. En cambio en Trouble Every Day, la piel no es superficie , es carne, dónde se entierra el mito de la obra. Es la carne que no podemos ver, es aquello que los personajes desean y por lo que transitan el encierro del deseo.

Jean Luc Nancy es un texto, resume con claridad que la película es el pasaje del beso a la devoración.Lo vemos desde el inicio de la película en ese viaje en avión hacia una luna de miel que se abre con un beso que no logramos entender aún de que trata, pero que luego se cierra con la mosntruosidad por la mordida; no de lo erótico, sino del acto salvaje de morder. Me pareció el trabajo de la posición de la cámara en búsqueda a través de la piel que con el correr de la cinta se va transformando en la perversión.

Hay una escena que me pareció a destacar, y es cuando Shane visita a una doctora para que le de información sobre Coré (la mujer caníbal). Me pareció la escena que deja al desnudo no sólo a Shane sino a los demás personajes, porque la película en esa escena reluce el conflicto. Muy bien trabajada esa escena en la película y trataré de hacer un video sobre el trabajo de los actores.


Como el personaje de Vincent Gallo se va depravando en la búsqueda obsesiva por Coré es interesante, ya que nos tiene al acecho ya que es quien tiene información que el espectador va a descifrar sobre el final de la película.

Trouble Every Day es el secreto de lo macabro del ser humano hecho poesía; que no es el beso,es el desgarro; pero para llegar a ello hay que oler la presa. En ese proceso de indagar, la película tienta en su lentitud, pero creo que es necesario para generar su propio diálogo, su propio aire que separa lo real de la ficción. Ejercicio de sueños que viven entre lo sobrenatural y lo biológico.
.
.
Si te intereso puede seguirme en mi instagram @midiariode_cine

Leí de buenas palabras que la serie Godless no era para nada un desperdicio. Que aquellos que gustan del western iban a quedar maravillados, además con un final que cierra por todos lados sin pedir segundas o terceras temporadas. En lo cierto estaba el hombre. Pero así como toda categoría de tipos de personajes de los western clásicos; hay una vuelta de tuerca que está acompañada de los nuevos caminos de las sociedades. ¿A qué me refiero? A que la miniserie no queda en arquetipos, sino que profundiza en los personajes, dónde por ejemplo la mujer tiene un rol preponderante, es luchadora, perdedora, también enamoradiza pero no es segunda del hombre. Tiene historia, historias que quieren ser contadas.

La trama de la película es simple e interesante. Frank Griffin persigue a quien su protegido. casi como un hijo, Roy Goode que se ha convertido en un enemigo para él. Roy escapa de Frank y se esconde en una casa del pueblo de La Belle, un pueblo compuesto mayoritariamente por mujeres que han quedado solas porque la mayoría de los hombres han muerto en una mina. Esto envuelve la historia en una llamativa historia coral. No sólo es Frank y Roy, sin las distintas historias que se tejen en la ciudad La Belle.

Algo que me llamó mucho la atención de la trama, es su subtrama. Que para mí rinde en las palabras. La palabra en la serie la tienen los que mantienen en el poder, los que pueden llegar a formarse en la educación. Godless es también la búsqueda del saber para ser. Ese “ser” alguien, lo posiciona en una posibilidad de un futuro mejor. De progresar más allá de la llegada del tren a una ciudad. Por eso Roy quiere aprender a leer, como también la prostituta del pueblo es la maestra de los niños. Eso marca que los roles genéricos del western también sufren ser otra cosa.

La fotografía de Steven Meizler es maravillosa. Hace uso del formato de cinemascope panorámico que detalla los paisajes montañosos que se muestra en la serie. La música acompaña sobresaliente el ritmo de la serie. He leído que para algunos la serie es un poco lenta, pero a mi parecer tiene el tiempo propio de la trama. Conocemos a los personajes mayoritariamente mediante flashbacks que cuenta el pasado que pone en jaque a los personajes. Un ritmo que ancla con el tiempo galopante de los caballos. Sí, los caballos. Los caballos no son únicamente transporte y paisaje, también son el medio entre lo salvaje y el cotidiano; son el entre de lo animal/hombre, como una relación que ata las historias de cada uno de los integrantes.

Y por último, destacar las actuaciones, sobre todo a Jeff Daniel interpretando al maleante Frank. Un desaforado predicador que arma una familia de ladrones sin almas, sin dios.