Después de poco mas de dos horas, concluimos que hemos dado un vertiginoso paseo por los más disímiles, rudos y exóticos escenarios que conforman el mundo de James Bond, con guiños a otras películas de la serie y también de películas que están fuera de la misma. Sam Mendes nos lleva por una montaña rusa que parece no va a detenerse nunca, pero evitándonos el aburrimiento de caer en una misma escena de acción interminable. Nos da un paseo por nombres y lugares que nos traen al recuerdo las originales novelas de Fleming, así como otras cintas de la exitosa franquicia y además con un Daniel Craig que llega a su punto más alto en la interpretación del personaje, superando por lejos a la mejor de sus películas como 007, "Casino Royale." Es que luego de Skyfall, que me pareció aburrídisima, (incluido el villano de turno,) aquí la historia se reinventa y nos plantea (y aterra al mismo tiempo) "el nuevo orden del mundo de hoy," el control y espionaje informático.
Así, de estallido en estallido, nos encontramos con Christoph Waltz (el "petit" villano de la cinta,) tan odioso como maligno y al mismo tiempo su tétrico humor negro (más bien negro azabache) nos hace esbozar alguna que otra sonrisilla (que de inmediato tratamos de ocultar para no pasar por sádicos.)
Léa Seydoux está sencillamente divina, tanto que a ratos me recordó a Eva Marie Saint en "North by Northwest," con el agregado del viajecito en tren, pelea incluida. ¿O sería "De Rusia con amor"?
El nuevo "Q" informático (que ya conocíamos) se luce más en esta película y su juventud agrega aire nuevo a los vetustos "Qs" anteriores. También la llegada como "M" de Ralph Fiennes se agradece y no desluce en momento alguno (es que en verdad no te echo de menos Judy Dench, sí a Bernard Lee, pero no a ti...)
Lo dicho, "Spectre" no tiene puntos bajos y la acción pasa delante de nuestros ojos como un río caudaloso.
Una cinta dificil de superar no cabe duda, incluso para el rudo Craig, o será que los productores estarán pensando en un nuevo actor que se ponga los zapatos de nuestro invencible agente 007.
Por demás creo que el actor inglés, con sus bajones, está listo para sentarse al lado de los dos Bonds mas grandes de la serie, los señores Sean Connery y Roger Moore,,, ¿y Brosnan? Bueno... ¿pero es que alguna hubo un tal Pierce Brosnan que interpretara a Bond...?
Finalmente, a los que no les gustó esta cinta sencillamente fue porque no la entendieron. Es que no se puede ser fan de 007 y de los payasos que conforman el universo Marvel al mismo tiempo.
Ah, me olvidaba, una cinta de 007 sin un villano que posea un gato angora blanco no es una película de 007 y aquí supimos de tres... bueno, "Q" dijo tener dos gatos, pero desconocemos la raza de estos...

Sé que llego bastante tarde para hacer una crítica que interese a alguien sobre esta película multi-premiada y considerada por muchos como una de las mejores de todos los tiempos. La verdad que luego de revisionarla tras mucho tiempo de haberla visto por primera vez, (la había visto una vez a principios de los noventas) esta nueva pasada me aporta un nuevo sentimiento hacia esta cinta, que tal vez difiere en algo (o bastante) en el recuerdo que yo tenía de ella.
Es sin duda una película que apela a tocar y ganarse los sentimientos del espectador tanto en su composición narrativa, como en los diálogos, así como en una banda sonora extremadamente dulzona y que está allí taladrándote el cerebro durante las dos horas de duración. Siempre, claro, contando con aquella exagerada expresividad italiana bastante caricaturizada que busca llevarte con facilidad hacia la risa, para luego, como quien da vuelta una tortilla, pasar directamente a momentos de mayor intimidad, pasión o sentimentalismo (y esto último es lo que más sobra en la película.)
Aquí sin embargo destaco esa hermosa amistad que nace entre "Toto" (el niño) y el viejo Alfredo (representado por el enorme Philippe Noiret) en torno a la pasión que les une: EL CINE.
Sin duda para nosotros los que nos definimos (o nos creemos) cinéfilos, es esto lo que mayormente nos acerca a esta película, ese homenaje al maravilloso séptimo arte que está presente en gran parte del filme. Claro, luego nuestro pequeño "Toto" crece y como es de esperar comienza a darse de cabezazos contra la pared por amor y entonces descubre, como también lo descubrimos nosotros mismos en algún momento de nuestras vidas, que el cine es hermoso, pero solo es una entretención.
Es aquí donde la película pierde un poco ese ritmo de la primera parte y a ratos se zambulle en aguas poco profundas (como quien estira un elástico) para luego recuperar el hilo con el regreso de un ya maduro Salvatore. Por supuesto, coincidentemente con su regreso y mientras la "azucarada musiquilla" de fondo sigue muy viva, el viejo cinema paradiso se viene abajo, y con él los recuerdos del tiempo ya ido e inexorablemente perdido.
"Cinema Paradiso" es sin duda una película que hay que ver, tiene muy bellos momentos que inevitablemente hacen que tus ojos se llenen de lágrimas, pero eso no la hace necesariamente una película hermosa. ¿Y porqué señalo esto que parece sonar a contradicción? Porque es un producto final demasiado dulzón, dulzón en todo, artificiosamente dulzón, y ello por momentos impide la necesaria fluidez narrativa de la historia, cayendo en lo hostigoso. Aunque esto parece ser algo repetitivo en las realizaciones de Tornatore, cabe recordar "Malena" (2000,) que es un poco más de los mismo (y con pasada por un cine incluida,) en que otra vez nos vemos ante el típico pueblo pobre italiano, con sus habitantes de hablar locuaz y exagerado, (que si eso no viene en una película italiana es que estamos ante una película de alemanes morenos) ese supuesto reencuentro visual con un pasado duro, sufrido, pero pleno de nostálgica felicidad.
Aun, y a pesar de todo esto, "Cinema Paradiso" resulta un buen producto para ver, si tratamos de no tragarnos el exceso de azúcar flor...

Y que más decir, ante esa última escena, y por el amor que siento por el cine y que me une a tantos que sienten igual que yo, y como me sucediera hace casi treinta años atrás, no pude evitar volver a llorar.

No me defino como fanático de los hermanos Coen, pero sí se que esta película, que es un western con todas las de la ley, es una gran cinta que en medio de toda su oscuridad devuelve el perdido orgullo y respeto por el género. Un remake que para mi gusto supera al original (mucho mas cándido,) con un argumento bien solventado por las extraordinarias actuaciones de sus protagonistas y las escenas que hablan por sí mismas y retratan con gran fidelidad una época dura y salvaje pero no tan alejada de nuestro presente actual. "True Grit" tiene todo lo que hizo grande al género del western y aun más, mucho más.
Por supuesto destacan las actuaciones de Jeff Bridges y Hailee Steinfeld, ya que son ambos los que llevan en todo momento las riendas de la historia, el resto del elenco son solo fantasmillas que pululan en derredor del viejo, alcohólico, brutal e hilarante federal y de la pequeña brujilla de cabellos negros amarrados en dos trenzas, fria, decidida y estirada (hasta el final, ya adulta y con un brazo menos,) a la que con apenas catorce años le sobran agallas.
Sin dudas, "True Grit" es una gran película y Jeff Bridges mereció el oscar a mejor actor, lo que hubiese sido inédito en el sentido de que dos actores ganaran el máximo premio del cine por la misma historia (original y remake.)
"True Grit" es ya un clásico del género (un joven clásico,) que se codeará por siempre con los grandes westerns, tales como: "La búsqueda," "Río Bravo," High Noon," "Tren de las 3:10 a Yuma" y muchas otras más... y sin ninguna duda se tiene ese lugar bien ganado.

La leyenda dice que fue la película favorita de Howard Hughes y que en sus últimos años de vida solía pedir que se la proyectaran seguidamente en su sala de cine. Película que puede ser considerada entre las precursoras de ese cine que viviría su mejor momento en la primera mitad de los años setentas. El llamado "Cine desastre."
Esas películas plagadas de estrellas que luego de una primera mitad de mucho diálogo (dando tiempo para conocer mejor a los personajes y sus historias personales) pasaban a una segunda mitad a toda acción.
Claro que como la cinta que nos convoca se desarrolla principalmente a bordo de un submarino, cuenta esta con un reparto fijo y eficiente encabezado por un Rock Hudson extraordinario, que nos muestra que era más, mucho más, que un actor de comedia. También tenemos a un Patrick McGoohan (Jones) como un frío, eficiente y calculador agente (un eficiente asesino, también, de ser necesario,) y Ernest Borgnine como Vaslov, un agente ruso pasado a los norteamericanos. (Bueno, en el papel que fuere, Borgnine siempre hacía de Borgnine.) También destacar al jugador de fútbol americano pasado a actor Jim Brown como Leslie Anders, un poco expresivo capitán de marines. Al comienzo de la película también vemos al "curtidísimo" Lloyd Nolan (Almirante Garvey) y mención especial para Tony Bill (Teniente Russell Walker) actor y productor, que precisamente ganaría un Oscar como uno de los productores de la película "The Sting" (1973.)
Como señalaba la falta de espacio imposibilitó la presencia de otras estrellas como Charlton Heston o un Gregory Peck, ya que el único papel que iba quedando era el de cocinero y su único diálogo sería: "¡Los huevos están cocidos!"
La primera parte de la película se me hizo muy entretenida y se me pasó volando, y me hizo rememorar a "Viaje a las estrellas, la película" (obviamente vi primero la cinta de 1979 y en mi búsqueda de clásicos he visto esta película de 1968,) pues como en aquella uno se entretiene con el espectáculo visual que produce el visionar el interior del submarino nuclear USS 509 (logrado y muy real) su funcionamiento, los espacios, o la falta de espacios (¡y eso que este es uno de los grandes!) Aquí la cinta se posa sobre los hombros de Rock Hudson y por momentos de McGoohan, mientras Borgnine juega a "Marty" pero soviético. Durante el viaje disfrutamos de algunas de las mejores escenas viendo al submarino navegando a toda máquina por un mar frío y picado.
La segunda mitad de la cinta nos viene con toda la acción (pero al igual como me pasó con Star Trek, 1979) me decepcionó un poco. Más cuando la acción pretende ocurrir en el frío ártico y se nos hace desde el primer momento totalmente desarrollada en un estudio (gigantesco de seguro) que pretende, mediante bloques de cartón de formas rectangulares y pintados de blanco, aparentar ser el polo norte, mientras la nieve artificial cae profusamente. Aquí llegamos a la mentada Estación Polar Cebra que además se ve algo improvisada y rudimentaria como para soportar temperaturas bajo cero.
Con la llegada del coronel Ostrovsky y sus paracaidistas rusos, caminamos al desenlace que hace más patente la sensación de estar presenciando escenas filmadas en estudio, y para colmo nos enteramos que tanto cabezazo contra el hielo es para la recuperación de un "chismecillo metálico" pero que porta tan valiosa información como para que rusos y norteamericanos desenvainen sus espadas. Aquí por fin las máscaras caerán y sabremos quién es quién y a qué jugaba cada uno, claro que la figura del comandante Ferraday (Rock Hudson) queda inmaculada, pues, él al igual que nosotros (los espectadores,) ha estado siempre expectante por saber con qué mano juegan Jones y Vaslov (Borgnine, el "Marty" ruso.)
Cinta extensa como lo eran aquellas superproducciones, pero con muy buenos momentos. Antecesora de ese cine que nos regalaría luego otras películas con igual construcción y desarrollo como: "The Towering Inferno" (1974) "Terremoto" (1974) "King Kong" (1975) "La batalla de Midway" (1976) "Enjambre" (1978) y un largo etc...

Segunda obra de Aldrich dentro del género del suspenso-terror. Aquí el director vuelve a trabajar con Bette Davis, a los que se suman Olivia de Havilland, (gran amiga de Davis, así que en el set debe de haber existido menos tensión que con el dueto Davis-Crawford en "Qué fue de Baby Jane") Joseph Cotten, la tremenda Agnes Moorehead (ganadora del Golden Globe y nominada al Oscar como actriz de reparto por este filme) y mención aparte para Victor Buono que está notable al comienzo de la cinta como padre de Charlotte.
La película rodada en blanco y negro, (como "Qué fue de Baby Jane") busca repetir los réditos de aquella cinta, y tiene muy buenos momentos en gran parte gracias a las magníficas actuaciones de sus actores protagónicos, pero en la búsqueda de sorprender continuamente al espectador la cinta se alarga demasiado y allí comienza a resultar algo tediosa, sin quitarle por ello el ser una de las buenas películas dentro del género del terror, a veces algo recargada de terror sicológico. Claro que ahora es al personaje de la Davis, Charlotte, al que le toca padecer dicho terror sicológico.
La película cuenta con un comienzo que es tan extraordinario como prometedor, como para que el espectador se haga las mayores ilusiones de lo que va a ver y que en el desenlace nos aclarará que la historia no era tan así como la creíamos, pero tiene una parte central que por momentos hace demasiados giros sobre sí misma produciéndonos algún tedio, que se lima como ya he señalado al final, en que las caretas de todos los personajes caen, y con una Davis (que como en "Qué fue de Baby Jane") nos regala una última escena como para mostrarnos que al fin de cuentas la película descansaba sobre sus hombros, y que por momentos me recordó, (con las diferencias obvias,) a Gloria Swanson de Norma Desmond en "Sunset Boulevard."
"Hush... Hush, Sweet Charlotte" así como su antecesora "Qué fue de Baby Jane" (ambas de Robert Aldrich) son sin dudas dos películas que hay que buscar y darse el tiempo de ver, entre otras cosas, para reencontrarnos con un cine mucho mas inteligente que el que se hace hoy y para, a través de sus protagonistas, disfrutar con el talento de estos que nos muestran que cuando una actuación es convincente y bien lograda no es necesaria la utilización de litros y litros de tinta color sangre.