“Como entrenar a tu dragon” (2010), fue toda una sorpresa, no sólo por ser junto con “Toy Story 3” la mejor película de animación de ese año, sino porque Dreamworks Animation conseguía dar un puñetazo sobre la mesa y ponerse de nuevo al nivel de la todopoderosa Pixar. Cuatro años después, llega esta secuela, esperada y temida a partes iguales por muchos, debido al listón tan alto que dejó la primera. Pues bien, Dean De Blois, esta vez en solitario, consigue entregarnos un film muy completo, que sin olvidar al público para el que va dirigido, es bastante más maduro y oscuro que el anterior, pero que en términos generales no consigue superar a su primera parte por muy poco.

En esta segunda entrega, han pasado 5 años desde que Hipo y ‘Desdentao’ se hicieron grandes amigos, rompiendo la tradición vikinga de cazar dragones. Ahora son casi adultos y eso conlleva una serie de responsabilidades para la comunidad. En un viaje de exploración descubrirán una cueva de hielo, que resulta ser refugio de cientos de dragones, cuidados por un misterioso guardián. Hipo y los suyos deberán proteger a estos dragones y a los suyos propios ante una fuerza maligna que quiere acabar con ellos.

En este sentido, ésta secuela consigue desmarcarse de su primera parte apostando por una evolución en sus protagonistas, y no solo en su explotación per se. Aquí es quizá donde la película se vuelve más oscura que su predecesora, con situaciones y motivaciones más complejas que las que movían a los protagonistas en el anterior film. Aquí, el mensaje pacifista y naturalista es el más claro y el que pretende calar en el espectador, pero sobre todo también se afronta el hecho de la importancia de la responsabilidad para uno mismo y para con los demás. Un mensaje eficiente, y diferente al de amistad y amor que nos ofrecía la primera, que no se olvida aquí, pero que no es en el que más se pretende enfocar, aunque eso sí, lo que deja claro la película es que la motivación por lo que hacemos siempre debe ser desde el cariño y respeto hacia los demás, y no con miedo ni a través de él, además de la importancia de las segundas oportunidades.

Un mensaje claramente enfocado al público infantil, pero que desde mi punto de vista, en algunos momentos lo enfoca desde una perspectiva demasiado adulta, no nos engañemos, es una película que los más pequeños disfrutarán, pero que algunos momentos no serán de su deleite, incluso alguno que otro es bastante inquietante, lo que por otro lado la hace una propuesta muy atractiva.

Todo esto, hace que una película que se ofrece como secuela tenga un alma e identidad propias. Sin embargo, como decía al principio, no supera a su predecesora, y el motivo es el de siempre, la esencia y magia que tenía la primera, su frescura, aquí en cierta manera se pierde ya que todos los elementos que la configuran ya los conocemos, sin embargo me reitero en que si no la supera es por muy poco, ya que nos encontramos ante un film inteligente y valiente, que sabe desmarcarse y remarcarse.

Una secuela que se agradece como pocas y que deja con ganas de seguir viendo esa evolución que Dean de Blois parece que sigue visualizando para su particular mundo de dragones, y que salvo cambio de última hora, llegará en 2017.

NOTA: 8.0

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“El Amanecer del Planeta de los Simios” supone la segunda parte de la notable precuela de 2011 de “El Planeta de los Simios”. Una segunda “precuela” comandada por Matt Reeves (director de “Monstruoso” y el remake americano de “Dejame Entrar”), que no sólo mantiene la buena calidad de su predecesora, sino que en algunos momentos la amplía y mejora, haciéndola una secuela justificada y que completa y complementa a su primera parte y a la original del 68.

Mientras que “El Origen del Planeta de los Simios”, hilaba de manera respetable con el clásico original del 68 contando el origen de todo y de cómo unos simios podían llegar a suponer un peligro para la humanidad, haciendo una profunda crítica a la experimentación con animales; en esta segunda parte, situada 10 años después y donde la población humana ha quedado bastante diezmada por el virus “Simio”, se profundiza en ese comienzo de la Revolución simiesca. Una Revolución, que lejos de ser contada meramente con escenas típicas de blockbuster, se centra más en la narrativa, en esa triple relación entre humanos- humanos, humanos-simios y simios-simios, donde conceptos como la familia, futuro, diplomacia, humanidad y paz, conforman la idiosincrasia de la película y que invita a la reflexión pretendida en el espectador.

Además, se centra muy bien en como narrar la evolución tanto de los humanos, como de los simios, los primeros, desesperados por recuperar lo que saben que ya no podrán tener, su modo de vida anterior, cómodo y nada primitivo donde buscar una fuente de energía eléctrica es lo principal. Y en los simios, vemos una evolución hacia la adaptación, el aprovechamiento del medio y en cierta manera incluso un mayor grado de civilización. Es en este punto donde ambos bandos coincidirán y se desarrollará la historia.

Una historia, donde las motivaciones y anhelos de ambos bandos se entienden, haciendo que el espectador no consiga posicionarse por ninguno de los dos , siendo la “Paz” lo que se anhele en todo momento. Una película mucho más profunda de lo que parece en un principio y que merece la pena ver, con un ritmo constante donde acción y narración están muy bien equilibrados.

Destacar también el papel de Andy Serkis (César), que se come la pantalla y al resto del reparto cada vez que hace su aparición “digitalizada”, algo, que ya demostró en la primera parte y en papeles como el de Gollum en “El Señor de los Anillos” o el de King Kong en el remake de 2005.

En definitiva, una película muy cuidada y elaborada, con un guión que lejos de ser original, está muy bien construido, donde emoción, acción y reflexión se conjugan de manera notable y con una mejora de la técnica evidente y lógica que ambienta uno de los mejores blockbuster para ver este verano en pantalla grande.

NOTA: 7.75

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Dirigida por J.A Bayona, ‘Un Monstruo Viene a Verme’ supone su tercer film en la dirección y el cierre de una trilogía marca del director sobre las relaciones materno-filiales y la asunción de la muerte. Un film, que termina de definir a un Bayona que lejos de relajarse, se toma muy en serio el producto que nos vende, y que pese a lo simplista que es en parte el juego en el que nos envuelve, sabe jugar una carta con la que siempre gana en su films, llegar al corazón del espectador.

Tras la separación de sus padres, Connor (Lewis MacDougall), un chico de 12 años, tendrá que ocuparse de llevar las riendas de la casa, pues su madre (Felicity Jones) está enferma de cáncer. Así las cosas, el niño intentará superar sus miedos y fobias con la ayuda de un monstruo (Liam Neeson), pero sus fantasías tendrán que enfrentarse con una verdad que esconde.

Dicho esto, si en algo destaca ‘Un Monstruo Viene a Verme’ es en la apuesta decidida por configurar todo el sentimentalismo del film a unos efectos especiales y sonoros cuidados hasta el más mínimo detalle, y que sirven para que dentro de una historia a priori simplista y predecible, se pueda embaucar a un espectador que se ve inmerso, gracias a la técnica y una buena dirección, en más matices de los que se podría pensar en un principio.

La fotografía gris y oscura en la realidad y tan colorida en los tramos oníricos por los que pasa Connor, denota ese desequilibrio en el ‘statu quo’ de un personaje que se mueve entre la vida y la muerte de su madre, y que debe decidir cómo quiere enfrentarse a ello. El director lleva muy bien esto, y sabe incluso como conectar el personaje de Connor con su madre pese a que tengan menos escenas juntos de las que cabría esperar, y es que, el hecho de que Connor tenga fantasías en las que las acuarelas son las protagonistas, no es un recurso estilístico de autor, sino una más de las piezas de una relación madre hijo muy profunda.

Pero quizás ahí radica lo más llamativo del film, Connor y ese proceso de madurez, de crecimiento y de asunción de lo trágico ante la inevitabilidad de la muerte, haciendo muy interesante el desarrollo de un segundo acto en el film muy bien perfilado por Bayona, para ya en su tramo final desmelenarse y mostrar todas sus cartas al espectador, una mano ya vista mucha veces en el director, pero que le vuelve a funcionar al saber manejar todos los medios con los que dispone. Además, el resto del elenco tiene sus momentos muy bien medidos y con unas interpretaciones a la altura de la travesía en la que se ve envuelto el protagonista.

Bayona es un director que marca sus trabajos con un carácter melodramático muy fuerte, se echa en falta que originalice con algo más el peso de sus films, eso no se puede discutir, pero no se le puede tildar de no ser honesto con lo que nos vende, él sabía lo que quería hacer con esta trilogía y la ha llevado hasta el final tal y como quería, una muestra en parte ‘hiperbolada’ de esa emotividad dentro de las relaciones humanas, en este caso de madres e hijos, quizá por el fuerte vinculo que le une a su madre, pero lo hace desde la sinceridad y el cariño, haciendo difícil que no guste lo que nos ofrece pese a lo poco que sorprenda.

Es curioso, porque pese a que es el film en el que más medios ha tenido a su disposición, es quizá el más íntimo que ha realizado hasta la fecha, todo un conglomerado de fantasía y onirismo que paradójicamente configura su apuesta más realista, dura y bella hasta el momento. En parte llena de tristeza y en parte llena de preciosidad, pero al fin y al cabo ¿No es la vida misma una conjunción de las dos?

NOTA: 7.75

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“Lucy”, ha sido una de esas películas controvertidas de este año cuyo boca a boca la ha convertido en un éxito prácticamente inesperado, y en mi opinión inmerecido. Su director, Luc Besson, se vale no de una teoría científica, sino de un mito falaz que circula desde principios del siglo XX por una mala interpretación de algunas declaraciones de ilustres científicos, para colarnos una película que bajo su tramposo argumento y cierta belleza visual, se esconde el vacío más puro.

Lucy (Scarlett Johansson), se ve obligada a ejercer de mula para unos narcotraficantes con una droga nueva cuyos efectos se desconocen. Tras un accidente, la droga recorrerá su cuerpo desencadenando un desarrollo cerebral que le permitirá hacer prácticamente cualquier cosa.

Una sinopsis clara y concisa que sirve de excusa para un nulo desarrollo del argumento y su guión, que apenas hace acto de presencia, siendo el esfuerzo y en definitiva el mérito de su éxito sin duda, el marketing que se ha hecho alrededor de ella. El eslogan del que se vale la película: “Solo usamos el 10% de nuestro cerebro, ¿Qué pasaría si usáramos el 100%?”, aunque engañoso, es muy llamativo y sin duda es lo que ha empujado al público a acercarse al cine y ver que se le ofrecía. Sin embargo, y aunque pasáramos por alto la patraña en la que se basa la teoría principal del film, tampoco se intenta cubrir el mito con algún tipo de lógica que haga que el espectador, aunque sabiendo que no es real lo que se le cuenta, se lo pueda creer.

No hay que olvidar que el cine de Ciencia Ficción, aunque nos narra historias de fantasía con pocas probabilidades de que se pudieran dar en nuestra realidad, normalmente se encubren de cierta lógica científica que mueve el mundo en el que se ven inmersas, de ahí que el género adquiera ese nombre: Ciencia y Ficción.

Sin embargo, “Lucy” sólo es pura ficción, no hay ni si quiera un desarrollo lógico del mito que se nos presenta, puro marketing y efectos especiales que sirven de excusa para ver a Scarlett Johansson hacer prácticamente cualquier cosa que se proponga. Y eso es lo que ofrece “Lucy”, detrás no hay ningún desarrollo de los personajes, con los cuales apenas se empatiza, el poco guión que hay, es un guión tramposo cargado en su último tramo de una amalgama de absurdos que provocan vergüenza ajena, y una fotografía muy colorida a la par que desaprovechada.

En definitiva, “Lucy” es un producto fallido que aunque entretiene, sólo se puede disfrutar si interpretamos que lo que hace Besson es parodiar el mito del que hace gala la película, pero claro, venderlo así le hubiera supuesto a Besson usar el 100% de su cerebro.

NOTA: 3.5

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Dirigida por Tim Miller, ‘Deadpool’ supone la primera incursión en solitario del conocido personaje de Marvel después de una adaptación bochornosa en ‘X-Men Origenes: Lobezno’, y que hizo a la comunidad fan, empezar a moverse contra la propia Fox para que intentará adaptar los personajes de la casa de las ideas con más respeto hacia su idiosincrasia. Algo, que paradójicamente caló en la productora visto lo decepcionante del resultado y se empezó a fraguar la idea de realizar un film sobre el personaje, que finalmente ahora ha llegado a nuestras pantallas, ¿Habrán aprendido la lección?

Un ex-operativo de la fuerzas especiales llamado Wade Wilson, reconvertido a mercenario, tras ser sometido a un cruel experimento adquiere poderes de curación rápida, adoptando Wade entonces el alter ego de Deadpool. Armado con sus nuevas habilidades y un oscuro y retorcido sentido del humor, Deadpool intentará dar caza al hombre que casi destruye su vida.

En este sentido, Tim Miller, con su poderosísimo arranque en los créditos iniciales, pone de manifiesto la pretensión y la singularidad de lo que el espectador va a encontrar en el film, una demencia, violencia y lenguaje obsceno sin edulcorantes, que solo en esos créditos iniciales, sirven como espejo de la propia personalidad de un personaje opuesto al arquetipo del Super Héroe. Esa brillantez en la presentación de un personaje en ese momento tan introductorio y normalmente olvidable, denota el esfuerzo que se ha tenido por intentar llevar a buen puerto el proyecto.

‘Deadpool’, se presenta como un producto (comercial) limitado o quizás no, por esa calificación ‘R’ que tanto temen las grandes productoras, debido a esa falsa idea de la restricción que pueda causar en taquilla. No nos engañemos, Fox ha arriesgado con este film y eso se nota en una producción, que dentro de su condición como blockbusteriana es bastante modesta, algo con lo que juega incluso el propio film con la presentación de algunos personajes y/o escenas a modo incluso de denuncia hacia sus propios ‘jefes’ de producción, rompiendo la barrera de la cuarta pared en su participación con el propio espectador.

En este sentido, ‘Deadpool’ peca de jugar con un guión que aunque bien confeccionado se denota como simple y clásico, dentro de la estructura narrativa que puede tener una historia de origen de un Super Héroe. Quizás donde intenta desmarcarse un poco más en este aspecto, es en el uso de un humor marcadamente obsceno y en el uso continuo de flasbacks ‘muy bien situados’ gracias a un montaje excelente y que rompen con la línea temporal del film en varios momentos, y más que por innovación, por intentar romper con la estructura clásica en la narración de la ‘formación del Héroe’. Esto puede gustar más o menos, pero lo cierto es, que ese humor y diálogos tan bien confeccionados (presentes durante todo el film), también juega con esto para intentar hacerlo lo más ameno posible y que en mi opinión, consigue sobradamente.

Ryan Reynolds ya había interpretado al personaje en el film de ‘Lobezno’, fue ahí cuando le cogió cariño al mismo, incluso encabezando esa denuncia a la productora por el mal trato que se le había dado en su adaptación. A partir de ahí, el mismo ha intentado que el proyecto viera la luz, y apoyado por la comunidad fan lo ha conseguido, demostrando ya en la propia campaña de marketing (una de las mejores de los últimos meses por cierto), que no solo era su personaje fetiche, sino que además podía ser el papel de su vida. Quizás para aspirar a premios prestigiosos Reynolds deba ir por otros derroteros, pero dado el cariño que ha infundido en el personaje y su excelente interpretación, parece claro que el actor preferiría seguir poniéndose las mayas rojas.

Pero es aquí donde quizás ‘Deadpool’ cojea. El protagonismo absoluto es de él, y esto lastra por otra parte elementos importantes del film. Los dos villanos principales, aunque bien introducidos, son personajes muy planos y con motivaciones que no se salen del arquetipo clásico, con diálogos superfluos y nada originales. Casi parece que el esfuerzo del guión solo fuera a parar hacia el personaje de Reynolds, y eso lastra el desarrollo de unos personajes que como contrapeso del Héroe no destacan demasiado. Eso sí, los demás secundarios y cameos si cumplen dentro de su función en el film y ayudan al propio desarrollo como personaje del mismo ‘Deadpool’, e incluso regalan varios de los momentos más divertidos del film.

'Deadpool’ dentro de su modestia, juega mucho con esa baza autoparódica en sí misma y paródica en general del mundo de los Super Héroes, a veces con mucho acierto y otras de manera brillante, pero aún así y como producto final, es extraña e incluso excesiva, pero ahora bien, acaso Deadpool ¿No es extraño y excesivo? Tim Miller sabe que está jugando con la inestabilidad hecha Héroe y juega con eso, nos entrega un producto demente, excesivo, obsceno, y de mal gusto, en definitiva, Miller nos ha entregado al perfecto Deadpool.

NOTA: 7.5

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