Clint Eastwood pone su firma a esta joya, para mí su mejor trabajo como director. Hipnótico drama que te atrapa de principio a fin repleto de interpretaciones sensacionales y un reparto total. El perfecto ritmo narrativo que inyecta Eastwood nos atrapa, emociona e inquieta en un drama con distintas líneas argumentales que poco a poco van descubriéndose. El guión elaborado y complejo cuenta con multitud de detalles que nutren de una riqueza argumental que consigue atrapar al espectador de principio a fin. El director consigue mantenernos en todo momento a la expectativa sin que nos atrevamos a plantearnos claramente un final o resolución claramente visible. Atrapa, emociona, inquieta y deslumbra a partes iguales. No contento con mostrarnos a un Sean Penn (Jimmy Markum) rozando la perfección interpretativa y regalando al espectador una profundidad dramática espectacular en donde parece que vomite toda su alma, Eastwood es capaz de empujarnos sin contemplaciones dentro del alma del resto de personajes consiguiendo una profundidad psicológica de cada uno de los 3 protagonistas realmente digna de aplauso. La banda sonora, con hermosas piezas de piano, acompañan dignamente en todo momento a la acción. “Para siempre” como dice Dave, Mystic River te quedara en la memoria.

El film está repleto de escenas memorables. Eastwood sabe cómo hacernos llegar mediante su escenografía las diferentes sensaciones que quieren transmitir sus personajes. Recoge con movimientos de cámara interesantes una atmósfera de tensión e intriga perturbadoras y que centran desde el principio el interés del espectador. Sabe cómo rodar la tensión, sabe cómo presentarnos ese plato tan suculento sin dejarnos ver cómo serán los postres. Jimmy Markum (Sean Penn) representa todo lo que no ha podido conseguir Dave Boyle, tiene una familia estupenda, un negocio, un par de matones que le cubren las espaldas y que están en deuda con él (los hermanos Savage), una mujer hermosa y unas hijas encantadoras. Dave Boyle, dejo de ser el mismo cuando 25 años atrás fue secuestrado por un pedófilo antes los ojos de sus amigos Jimmy y Sean Devine (Kevin Bacon). La persona que consiguió escapar de las manos de ese secuestrador ya no volvería a ser nunca más Dave Boyle, sino una bomba de relojería que en cualquier momento, tarde o temprano estallaría violando, matando, vengándose o volcando toda su rabia contra quien cree culpable de su desgracia, su amigo Jimmy. La mirada hacía la Katie (la hija de Jimmy) cuando está en el bar bailando en la barra no parece para nada inocente. El director consigue que entendamos y podamos llegar a comprender el estado psicológico de los personajes y como público podamos justificar sus acciones y sentirlas como nuestras. Dave es interpretado de forma magistral por Tim Robbins que nos transmite la inestabilidad psíquica del personaje, y nos perturba y conmueve al mismo tiempo.

(Continúa en SPOILER)

Todo en uno. Dosis justas de acción, tensión, intriga, humor, sarcasmo, ironía, enormes diálogos, potentes interpretaciones y un guión con personalidad todo dentro de una habitación de hotel. El “in crescendo” es constante durante los 86 minutos de metraje. Al principio parece que nos encontremos en una reunión entre dos amigos que llevan tiempo sin verse pero esta cotidiana escena acaba convirtiéndose en una batalla moral entre ambos en donde empiezan a aflorar pasados problema enterrados y no resueltos que había entre ellos y con un eje de conexión dirigido en relación a Amy (Uma Thurman, portentosa como siempre.) que era ex-pareja de Vince (Ethan Hawke) y que compartió una especie de romance / aventura con John (Robert Sean Leonard).

La escenografía se nos presenta en un espacio cerrado con pocos elementos destacables a parte de dos camas, una bolsa con drogas, y posteriores accesorios con los que Vince puteara al máximo a su ¿amigo? John. Realmente parece difícil creer en la amistad entre ellos, ya que no es precisamente el comportamiento que esperas que tengo un amigo que te está empujando a la jaula de los leones y quiere que pagues por tus pecados de hace 10 años. Rodado totalmente sin elipsis temporales el director, fantástico Richard Linklater, consigue atrapar e interesar al espectador a medida que va aumentando la intensidad del discurso dramática de los protagonistas. Quizá los primeros minutos de metraje son un tanto insulsos y no se ve claramente hacia donde van los tiros…pero también es un elemento de intriga que dota de cierto realismo a la cinta. Vince consigue dar la vuelta al discurso paternal que John tenía preparado para él y empieza a ametrallarle moralmente con envenenados dardos de culpabilidad que John tenía enterrada desde hace años y años pero que vuelven a surgir al no saber cerrar “correctamente” aquel oscuro capítulo de su vida. El director nos transmite casi de forma angustiosa la tensión vigente en la escenografía consiguiendo que seas capaz de ponerte en la piel de cualquiera de los protagonistas, ya que de algún modo (dependiendo de nuestras convicciones y moralidad) podemos ser capaces de identificarnos con uno u otro. El amigo inmaduro casi treinteañero que consume drogas, la chica guapa con un trauma en la adolescencia que ahora utiliza a los hombres para ascender en su carrera y de esa forma vengarse, y el tímido chaval que perdió el control una noche a causa del alcohol y luego puedo reconducir su vida hacía el buen camino pero que no pago el precio de su acción en su momento.

Las interpretaciones son de escándalo. Ethan Hawke se le nota en su salsa, Robert Sean Leonard clava perfectamente el rol de amigo modelo en apariencia pero que esconde mucha mierda debajo de esa impoluta alfombra y Uma Thurman (una debilidad personal) muestra un papel escueto pero con una sobriedad notable.

(Continua en SPOILER)

Orson Welles nos ofrece en este magnífico documental una inyección de 60 minutos de pura verdad, raro en él, ya que como comenta su éxito en la vida ha ido abrazado estrechamente a la mentira. Como bien dice, solo nos da una ración de ella, durante 60 minutos, para que no nos acostumbremos demasiado.

Nos cuenta una historia de falsificadores, falsos falsificadores, falsificadores que falsifican falsas obras y demás listos de la vida. Nos habla principalmente de tres grandes figura del S.XX en el campo de la mentira, como eje de la narración tenemos al pintor Elmyr de Hory, que como buen húngaro que diría Orson Welles, es un gran artista, tanto como pintor como por falsificador. Su biógrafo Irving, no se queda atrás y también nos habla de un tal Hugues. El contenido es interesante y muy atractivo pero la forma de narrarlo no creo que sea la más correcta. Welles nos va presentando la vida y peripecias de los protagonistas pero de una forma desordenada y sin contarnos demasiado información sobre los antecedentes de cada uno de ellos. Las relaciones entre ellos más que explicarlas tienes que deducirlas y no te da demasiado tiempo para ello, ya que, además de los continuos saltos temporales y entre personajes, hay un ritmo narrativo muy veloz y acelerado que no te deja descansar la mente ni unos pocos segundos, sobre todo si se visiona la VOS.

Me ha resultado curioso que se auto-biografíe el mismo Orson Welles poniéndose de ejemplo como falsificador, a eso le podemos llamar sinceridad. Como he comentado el ritmo narrativo tan veloz no me dejo claro realmente el papel de Hugues y el de Irving. La historia de Picasso y la colección de retratos de la Srta Kodar no me la creo demasiado…puesto que ya estaba fuera de esos 60 minutos de verdad.

El resultado a mi gusto es muy bueno y me dejo un buen sabor de boca, pero si no estás dispuesto a poner tus 5 sentidos sin distracciones mejor que lo dejes para otro rato porque puedes perderte fácilmente y llegar a causarte desinterés la temática. En fin, muy bien Orson pero un poco más de orden y tranquilidad contándonos tus mentiras! O en este caso verdades.

El film tiene un mensaje claro y directo a la vez que gamberro, hablamos del mítico ”Sexo, drogas y Rock’n Roll” bajo los tonos de la estupenda canción de Steppenwolf - Born To Be Wild los cuales son las bases de presentación de esta gamberra y divertida road movie sobre dos tipos (Peter Fonda y Dennis Hooper) que se mueven bajo el simple ideal de la libertad. Su trayecto desde Los Ángeles hacia Nueva Orleans les deparara diferentes aventuras y la posibilidad de interactuar y conocer a personajes de lo más variopintos.

Los protagonistas, con un carisma en pantalla bastante light a mi gusto, tienen un papel correcto aunque algo discreto en sus interpretaciones, aunque Dennis Hopper tiene momentos cómicos realmente buenos. La aparición de Jack Nicholson es fresca, necesaria y al nivel esperado. Merecida nominación al Oscar como mejor secundario a Jack Nicholson por encarnar a un curioso abogado alcohólico que no para de meterse en líos y que complementa perfectamente a este curioso dueto. Además, nos ofrece buenos diálogos y una serie de tics y expresiones que incitan inevitablemente a la carcajada.

El mensaje es atractivo e indiscutible, pero el film está posiblemente bastante sobrevalorado. Lo podríamos considerar una versión light o más pura de “Miedo y Asco en las Vegas” con una psicodelia de imágenes que atrapa al espectador en pantalla y consigue atraer su atención pero buscando mas chicha que la que realmente acaba ofreciendo finalmente el producto. No deja mal sabor de boca si te la tomas como un fácil entretenimiento visual de escape, englobarla en película de culto me parece osado, aunque no es lo mismo saborearla en 2011 que no en 1969. A la buena escenografía le complementa una fotografía más que notable siempre potenciando ese brindis a la libertad del ser humano. El guión a medida que avanza el metraje va haciéndose realmente insostenible y a medida que se nos presenta el desenlace de la trama vamos notando claramente estas carencias. Un film que posiblemente no haya sabido envejecer de la mejor manera posible pero que aún así su esencia, rebeldía y frescura son de agradecer.

Estamos ante un film totalmente insustancial, pero interesante ya que se mantiene a flote por interpretaciones bastante notables y una escenografía visual bastante interesante como en casi todo lo que he podido ver de Sofía Coppola. La directora consigue captar la atención del espectador más por el atractivo de su escenografía que no por el interés en si de lo que nos intenta contar en ella.

El guión es tan insustancial como simplista…una estrella del cine que vive a lo grande con su Ferrari y sus chicas de una noche sin más preocupaciones que esquivar a los lobas que le persiguen en cada momento y cumplir con algún que otro compromiso social de su trabajo. Su vida cambia totalmente cuando su hija pequeña (Elle Fanning) se planta por sorpresa en su casa. La relación entre ambos irradia frialdad a la vez que por momentos una complicidad extrema. La hija se transforma en un símbolo de responsabilidad y acaba actuando como la mujer o madre que posiblemente nunca tuviera el protagonista. Estupenda la joven actriz Elle Fanning, en cada trabajo que la veo se va superando y tiene un don innato para la interpretación y su encanto y naturalidad ante la cámara son dignos de mención. Para mí aquí su actuación es incluso mejor que en “Súper 8”. La cinta empieza, se desarrolla y acaba en el mismo sitio…realmente no va a ninguna parte. El retrato de la vida de una estrella queda representado con aires muy realistas pero a la vez con el inconfundible tufo snob de muchos de los trabajos de Sofía, aún así lo que vemos es divertido, inteligente y original y nos plantea claramente el fenómeno de la “soledad del éxito”. A ver si se lanza la hija de Francis Ford a contarnos algo sobre otras clases sociales no tan privilegiadas… este trabajo no llega a la intensidad de “Lost In Translation” pero estamos ante una idea similar en las formas con un impacto menor.

Sentirse identificado con los films de Coppola para el espectador de a pié resulta inverosímil en la mayoría de los casos, los sentimientos y situaciones que nos cuenta son de otro mundo y es difícil que nos atraigan hasta el punto de sentirnos identificados con los actores. Por tanto, el ejercicio de inmersión al personaje en algunos casos resulta forzado e inverosímil y nos vemos obligados a contemplar su visión cinematográfica desde segunda fila.