Yo creo que esta película se asienta en dos bases absolutamente sólidas: el talento y la experiencia de Sidney Lumet y el trabajo memorable que hacen los dos actores protagonistas: Philip Seymour Hoffman y Ethan Hawke. El guión en otras manos hubiera terminado siendo otra cosa y esa cosa la intuyo bastante peor.

Lumet acierta en los límites. Una historia extrema hay que conducirla con la suficiente moderación como para que no se vaya de las manos. ¿No le daría miedo a usted dirigir una película en la que unos hijos ponen en peligro la vida de su propia madre? Todo está controlado y responde a un plan argumental y de imágenes que termina cerrando un círculo muy difícil de cerrar.

Y los actores. Philip Seymour lleva una ascensión profesional imparable. Estaba soberbio en “La duda” por la que fue nominado al Oscar. Allí coincidía con una Meryl Streep que también se salía, y aquí con un certero Ethan Hawke, de carrera irregular hasta este momento. Un dúo de alto nivel con un resultado extraordinario. Decíamos que los dos últimos años han dado excelentes películas basadas en “tour de forces” interpretativos. Aquí tenemos otro.

Qué caso el de Lumet… Se encamina hacia los noventa y hace estas cosas. Antes, se equivocó mucho y acertó algunas veces. No ganó ningún Oscar y hubo que darle el que se les da al final a los dinosaurios por toda su carrera. Y ahora, cuando parecía que ya era un recuerdo, hace una película con brío de primerizo y talento de maestro.

Sí, estoy de acuerdo con la apreciación general de que esta es una buena película, una crónica bellamente realizada sobre el viaje que realizó el Ché Guevara por Latinoamérica y que le abrió los ojos ante la injusticia que se cernía sobre sus gentes y la identidad cultural de todos los países de la zona.

“Diarios de motocicleta” se detiene en lo que Ernesto Guevara vio para que nosotros lo veamos. Combina para ello de una manera eficaz la narración ficcional y la crónica documental, utilizando para este aspecto personajes de la realidad. Es decir, actores no profesionales, oriundos de las poblaciones en las que los viajeros se detienen. Ese afán documental hace que Walter Sallers, al final, nos muestre el rostro del verdadero Alberto Granado, compañero de viaje, que se quedó a vivir definitivamente en Cuba después de que el Che lo llamara de nuevo.

Todo está bien, en un punto medio entre la ternura –con momentos muy emotivos-, la belleza –imágenes magníficas de los paisajes por los que van atravesando-, y la denuncia –con escenas, como la de los mineros que son elegidos brutalmente para trabajar-. En ese contexto, Gael García Bernal vuelve a demostrar un talento interpretativo indiscutible, junto a Rodrigo de la Serna, muy poco conocido en España y cuyo trabajo resplandece con luz propia.

Junto a ello, el guión, eficaz, interesante, inteligentemente construido, y algunos elementos, como la música, y la canción de Jorge Drexler, que obtuvo el Oscar, subrayan un conjunto hermoso, que atrapa al espectador de principio a fin.

Otra gran película de Clint Eatswood, uno de los hombres que en la cima de su carrera siegue contando historias valientes, hermosas y, a la vez, terribles de su propio país. En esta ocasión es el fenómeno de la violencia nacida de la difícil integración de las etnias que conviven en el pequeño territorio de una ciudad. De los desajustes sociales que nacen en ese contexto, de los dramas que se originan de forma inevitable.

Eatswood domina a la perfección los registros cinematográficos. En sus manos el argumento y lo que en él se nos cuenta termina siendo divertido y hasta pintoresco. Pero ese vehiculo hace que nos deslicemos con agilidad por una pista resbaladiza y francamente peligrosa. Llegamos entre risas y lágrimas a un final sobrecogedor, del que se nos habían dado sutiles pistas, pero que a todos nos sorprende y nos emociona. En la sesión a la que yo acudí el público, como en los viejos tiempos, prorrumpió en un aplauso sincero.

La película está desprovista de ornamentos innecesarios. Yo creo que en ella el único actor realmente conocido es el propio Eatswood. No hay efectos, ni truculencias, ni trampas ideológicas. Lo que se nos cuenta está vehiculado por el buen trabajo de los actores, la sabiduría del guión y una calculada y eficaz economía de medios que, al final, termina siendo un factor positivo.

Yo creo, sin embargo, que no llega a la cima de “Million Dollar Baby”, en donde las interpretaciones estaban a una altura extraordinaria y el conjunto bordeaba la obra maestra. Pero es, sin duda, una buena película, honesta, positiva, en momentos de gran dureza, y con una lectura integradora y humanista, a pesar de los pesares.

Excluida de la parafernalia anual de los oscar, sin duda merecía más de un galardón, porque tanto su factura como su mensaje están a un excelente nivel.

Sin negar las virtudes que tiene esta película, reciente ganadora de diez oscar, salgo del cine con la impresión de haber visto un producto de diseño, pensado, precisamente para ganar diez oscar o los que haga falta.

Siempre interesan las películas cuy trama argumental vaya asociada a un concurso en el que alguien se puede hacer millonario. Mucho más si ese señor es pobre de solemnidad y es una injusticia que lo sea. También nos interesan las historias de amor que van creciendo en el tiempo, a la par que las dificultades para que los amantes satisfagan el legítimo propósito de terminar juntos y felices. Por último, siempre nos interesan las cosas que suceden en lugares exóticos, y mucho más si lo que se nos cuenta tiene un pie puesto en la denuncia social, o por lo menos apariencia de tal. El secreto de “Slumdog Millionaire” es que mezcla estos ingredientes en dosis adecuadas y el resultado tiene una factura excelente.

Todo está bien y algunas cosas más que bien: hacía años que no veía una cara más hermosa y cinematográfica que la de Freida Pinto. Hay que verla, pero viéndola entenderás porqué “El lector” se ha llevado tan poco y ésta tanto. La industria necesita finales edificantes, empatía a chorros, y hay pocas cosas menos edificantes y que produzcan menos empatía que el suicidio.

Salgo del cine con esa sensación de plenitud que se siente después de ver una gran película. Desde hace tiempo, su director, Clint Eastwood, casi de puntillas, tal vez sin el clamor mediático de otros directores americanos, nos presenta una tras otra, obras bien construidas, de una arquitectura y un ritmo narrativo perfectos, magníficamente dirigidas e interpretadas, en las que se nos cuentan historias que nos interesan y emocionan de principio a fin. A mí eso me ocurrió desde que vi “Bird” (1988), una especie de biografía sobre el gran pianista de jazz, Charlie Parker.

Pero después han sido muchas otras. La última vez, “Mystic River”(2003), con un fabuloso Sean Penn de protagonista junto a un no menos fabuloso Tim Robbins. Dios los cría...

La filmografía de Eastwood como director parece como una especie de desmentido de la filmografía de Eastwood como actor. Hay algo que no encaja. Es, la de ahora, como una suerte de rectificación, de radical cambio de rumbo desde la banalidad hacia la reflexión e incluso como en este caso, hacia el debate social sobre aspectos muy complejos, como el derecho a la propia muerte, especialmente difíciles en el seno de la sociedad norteamericana, tan puritana ella y tan hermética.

Estoy hablando de “Million Dollars Baby”, la increíble biografía de una boxeadora (interpretada maravillosamente por una portentosa Hilary Swank) y su manager (Clint Eastwood), y las relaciones personales que se van estableciendo entre ellos.

No es una película más de boxeo. Es la película del lado posterior del boxeo, incluso del lado redentor y positivo de ese controvertido deporte, como ámbito de todas las miserias, pero como lugar también en donde las personas se superan a sí mismas adquiriendo una técnica precisa, que les exige un afán y una constancia diaria auténticamente extraordinarios.