Tragicomedia sutil en todos los aspectos, la película dirigida por Alexander Payne forma, desde luego, parte de su forma de hacer cine, un tanto minimalista, sin buscar un humor forzado o grueso, expuesto este más por lo irónico o extraño de la situación que por humor puro y duro. Tampoco en el drama se decanta por mostrarlo crudamente, pequeñas pinceladas por aquí y por allí, pero sin mostrar los sentimientos, sin ser nunca franco.

Pero todo esto que funcionaba perfectamente en Entre Copas, aquí no acaba de cuajar, todo se hace demasiado extraño, la historia no acaba de convencer, resulta agradable pero totalmente ajena. Se puede entender que en los Estados Unidos una película así llame la atención, pero no en Europa, donde el cine europeo lleva años haciendo este tipo de cine y de forma mucho más convincente, pues la historia de Clooney es tan realista como una película fantástica, se puede enfrentar a hechos comunes, pero lo hace de forma totalmente irreal.

La historia posee ciertas lagunas, así la parte que da título a la película se alarga en exceso, sin que llegue a importar al espectador, es más la película ganaría y mucho si esa parte se suprimiese, pues hace del protagonista una persona demasiado poco habitual.
Los personajes, exceptuando al de Clooney y su hija mayor, resultan desdibujados, simples comparsas, y especialmente el amigo de la hija y la hija pequeña están totalmente desaprovechados, parece que van a resultar útiles a la historia o aportar dosis de humor, pero al final ni lo uno ni lo otro, están por ahí, siguen a los protagonistas pero simplemente resultan desagradables y sin nada que aportar al relato.

Es cierto que la película resulta agradable, aunque se alarga en exceso con situaciones que no terminan de funcionar, lo que la hace en ocasiones aburrida y el abuso de la música local puede llegar a exasperar, en otras en cambio funciona muy bien, sin llegar a poseer momentos grandes, supone un viaje a Hawai agradable sin más, pero sorprende lo excesivo de su éxito, ya que es una peliculilla simple, de las que el cine europeo proporciona decenas cada año, con la salvedad de transcurrir en ambientes más realistas y no en una paradisíaca isla siguiendo los devenires de gente adinerada, quizás sea en esto donde está la clave del éxito.

Noche en la ciudad es una película que no había visto hasta ahora, aunque parece haber estado siempre ahí, aguardando a que uno madure lo suficiente como para comprender su amargura. Es quizás por ello, por lo amarga, que no es tan popular como otras. Esta asemeja más a una tragedia griega disfrazada de thriller urbano.

Dassin filma con nervio el ambiente decadente del Londres de posguerra, sumergiendo al espectador en el ambiente social y económico de la ciudad. Lo que en otras películas se trata con grandeza y glamour, aquí se acerca a la miseria económica y moral: calles húmedas, bares de mala muerte, luchadores envejecidos, estafadores mediocres y clubes de lucha clandestinos. Todo transmite autenticidad. Gran fotografía, encuadres de puro cine negro y música de Franz Waxman ¿qué más se puede pedir?

Richard Widmark está pletórico, lleno de energía, en estado de gracia, en, quizá, su mejor interpretación, donde se desarrolla profundamente la psicología de su personaje. Este no quiere poder ni dinero en sí mismos, quiere ser alguien, quiere llegar a algo y se muestra patético en su necesidad de que sus éxitos sean reconocidos. Su ambición es existencial y luchará para conseguirla, aunque para ello tenga que destruir todo lo que ama y a los que le aman.

Tiene un gran plantel de secundarios en papeles perfectamente delineados. Si bien uno de sus posibles defectos está en que su papel es mucho más pequeño de lo que a priori podría parecer, ya que a veces nos ofrece su punto de vista y pasamos mucho tiempo en su presentación, para luego ser prácticamente olvidados. Por otra parte, una de sus virtudes es no caer en lo típico ni en lo tópico. En esta película, lo importante es el retrato de la angustia existencial de su protagonista (quizás la que el propio Dassin sentía en aquel momento).

Una obra sombría, intensa y desesperada, rodada con un ritmo frenético que merece mucho la pena.

Selección de la película Film Noir, edición Taschen.

En mi viaje por el cine negro me encuentro una vez más con una película que no había visto desde hace muchos años, se trata de otra película mítica, que no suele asociarse al género quizás por su exotismo, al tener lugar en una Viena posguerra, aunque es más thriller, mantiene la amargura del film noir.

Con un guion inteligente y cargado de ironía, obra de Graham Greene basado en su propia novela. Trata no solo la búsqueda de la verdad, sino también las complejidades de la amistad, la lealtad y la corrupción.

Los actores están estupendos, logrando que incluso los personajes secundarios tengan una gran profundidad.. Es de notar y agradecer que, aunque la película se desarrolle en inglés se hable un batiburrillo de lenguas y los austriacos se dirijan primero en alemán y no todos hablen buen inglés.

Joseph Cotten, como siempre, está estupendo, su personaje guía al espectador. Sin embargo, el personaje más impactante es el de Orson Welles, quien se come la pantalla en cada aparición, tiene un peso enorme en la película aunque apenas se le ve en pantalla, pero es omnipresente y cuando aparece se le presenta como a un demiurgo que maneja los hilos de los otros personajes. Este impacto, pienso, ha llevado a muchos a especular que Welles influyó significativamente en la dirección, hasta el punto de que se le ha acusado de haber inspirado, asesorado e incluso dirigido la película. Estas suposiciones suelen basarse en el estilo visual, que algunos consideran más cercano a las obras de Welles que a las de Carol Reed.

En mi opinión se trata de una idea muy equivocada y la fotografía es usada de forma muy diferente por ambos directores. En las obras de Welles, como se suele hacer en el cine negro, inspirado por el expresionismo alemán, la fotografía es un recurso narrativo profundamente dramático: las perspectivas extremas (como los ángulos cenitales o contrapicados) subrayan las dinámicas de poder o desamparo de los personajes.
En cambio, Reed utiliza la fotografía para capturar un paisaje emocional y físico. La Viena de El tercer hombre es una ciudad fracturada, marcada por la guerra, donde las ruinas anuncian el estado psicológico de sus habitantes, personas rotas que han cambiado con la guerra y no volverán a ser los mismos que fueron. Hay que mencionar también el característico humor inglés con que se impregna la obra, más cercano a Hitchcock que a Welles.

La fotografía, de Robert Krasker, es sin duda magnífica, especialmente en su juego de luces y sombras, transforma las alcantarillas vienesas en un laberinto , que recuerda las estructuras imposibles de Escher. La oscuridad no solo oculta secretos, sino que los revela con formas inquietantes e inesperadas (véase la primera aparición de Welles).

La recordada música de Anton Karas, es sin embargo un punto polémico, por así decirlo, la música en sí es magnífica, pero es una pieza que quedaría mejor en una comedia y resulta extraña en esta película sombría, sin embargo, su uso excesivo, especialmente cuando no viene a cuento, acaba por resultar obsesivo, remarcando el caracter de la ciudad, así como su exotismo. No sé cómo quedaría la película con una música más convencional, pero sin duda esta sería menos recordada.

El montaje se usa también como construcción de la atmósfera, el ritmo narrativo y la intensidad emocional de la película diseñado para mantener un equilibrio entre el misterio y el suspenso. Se usan cortes rápidos, montaje en paralelo, trabaja con la fotografía para subrayar el caos.

Por todo esto, los diálogos, la fotografía, el montaje, nos lleva a un epílogo sublime en el que la cámara está quieta en un encuadre clásico abierto que abarca todo el paisaje, no hay ningún diálogo y ningún corte. Tal contraste crea una escena magnífica llena de dramatismo que eleva a El tercer hombre al nivel de obra maestra.

Selección de la película "Film Noir" edición Taschen .

¿Qué se puede decir de esta película que no se haya dicho ya? Es una auténtica joya cinematográfica, con un estilo visual y atmosférico simplemente magistral. Orson Welles, una vez más, creó una obra de cine experimental desde el corazón de Hollywood, aunque desafortunadamente fue otro fracaso en taquilla en su momento.

La película está filmada como una ensoñación, quizás porque su narrador, interpretado por el propio Welles, con una de las mejores voces en off que el cine ha visto, nos cuenta su historia como si lo hiciera justo después de los eventos que acabamos de presenciar, aún bajo el efecto de las pastillas que toma en una de las escenas finales. Eso explica la sensación de sonambulismo que rodea su personaje.

Esta fusión de film noir y atmósfera onírica se ve potenciada por una fotografía excepcional, llena de ángulos picados y contrapicados, en la que los personajes, a menudo, parecen sombras o simples reflejos en un espejo. El montaje, de ritmo implacable, no deja tregua al espectador, utilizando todos los recursos a su alcance para atraparlo. Cada plano, cada imagen y cada yuxtaposición cumplen un propósito claro, nada está dejado al azar.

En cuanto a la trama, es cierto que puede presentar algunas debilidades, pero en una clase magistral de recursos cinematográficos como esta, la historia parece casi irrelevante. Lo que realmente brilla es la dirección. Los actores principales están correctos, pero los secundarios ofrecen interpretaciones grandiosas, aportando una profundidad adicional al conjunto.

Hay que decir que la película sufrió a la hora de ser filmada y se cambiaron muchas cosas en el montaje, suprimiendo, incluso, un largo plano secuencia al comienzo de la película. Estos cambios quizás fueron para bien, quizás no, lo que es evidente que contribuyen a la sensación de ensoñación, de confusión que transmite al espectador, algo que,por otra parte, era lo que buscaba transmitir Welles.

Los defectos más evidentes de la película se perdonan fácilmente, mientras que sus logros son raramente igualados. Fue una obra demasiado adelantada para su tiempo, y aún hoy se siente moderna, con una imaginería visual y un uso de la técnica que resulta difícil de encontrar en el cine actual.

Selección de la película "Film Noir" edición Taschen e "Into the Dark" de Mark A. Vieira.

Mi viaje por el cine negro me ha llevado a revisar una de las grandes del género, "Retorno al pasado", dirigida por el gran Jacques Tourneur.

De la película nada que decir que no se haya dicho ya. En ella, Tourneur, demuestra una vez más su capacidad para crear una atmósfera que envuelve y atrapa al espectador. No abusa de los encuadres típicos del género, pero utiliza la iluminación y los movimientos de cámara para adentrar al espectador en esta obra, fascinante y elegante. mantiene un ritmo y tensión sin caída alguna, sabiendo mantener en vilo al espectador, sin darle respiro.

La fotografía de la película juega magistralmente con el blanco y negro, tanto en escenas interiores como exteriores, creando sombras profundas y contrastes impresionantes que realzan la atmósfera misteriosa del cine negro.

Pero lo que realmente destaca en "Retorno al pasado" son sus diálogos inteligentes y afilados, que podrían cortar como cuchillos. Estos diálogos memorables son el vehículo para personajes sólidos y complejos, destacando las brillantes interpretaciones de Robert Mitchum y una fascinante Jane Greer. Por otro lado, Kirk Douglas no realiza una mala actuación, pero está lejos del nivel de los otros protagonistas.

"Retorno al pasado" es una película de cine negro icónica y excelente en todos los aspectos, que contiene el relato típico del género. Sin embargo, durante mi revisión, al ver las películas por su orden de estreno, me llamó la atención su parecido con "Forajidos" (1946), con la que comparte más de un elemento, como la narrativa no lineal y personajes similares. Casi parece un ensayo de la misma historia, aunque mientras "Forajidos" era una historia fatalista, "Retorno al pasado" es una historia de búsqueda de redención. Esta similitud me hace reflexionar sobre la necesidad de tomarme un poco más de distancia a la hora de ver películas del género, para evitar ver demasiadas coincidencias entre ellas.

Selección de la película "Film Noir" edición Taschen e "Into the Dark" de Mark A. Vieira.