"Borgo" es de esas películas que vale la pena ver porque está bien explicada a partir de dos líneas argumentales que confluyen, te engancha en una tensión creciente y bien dosificada, huye de cualquier estereotipo y está muy bien interpretada con una singular mezcla de profesionales y actores naturales.

Melissa es una funcionaria de prisiones recién instalada en Ajaccio (Córcega) con su pareja y dos niños. Aunque puede parecer extraño, la vida en la cárcel inicialmente es mucho más plácida que la convivencia con sus vecinos. Un rechazo de cariz claramente racista que llegará a extremos intolerables. Por otra parte, dentro del módulo en el que trabaja, el respeto y la aparente amabilidad contrasta con la hostilidad entre bandas en la vida real. Inicialmente su profesionalidad y firmeza parecen inalterables, aunque la aparición de una mínima confianza y una cadena de favores con uno de los prisioneros abrirá un camino desconocido y peligroso. Estamos frente al núcleo y la parte más interesante del filme: el proceso de transformación desde el rigor y la coherencia, hasta una peligrosa implicación con el mundo de las bandas delictivas, pasando por una voluntad inicial de delimitar claramente la separación entre ambos ámbitos.

Este proceso personal y la confluencia de ambas líneas argumentales construyen un clímax final que sorprende y se consolida perfectamente con la línea de toda la película en el sentido de reforzar su granítica coherencia en el marco de un guión bien ligado y una realización destacadísima dentro de su modestia presupuestaria.

"Borgo" auna perfectamente un crimen por resolver, personajes complejos y prisioneros de sus propias carencias, un entorno nada acogedor y un ambiente carcelario complicado para acabar conformando un thriller singular, magnético y que rechaza con acierto la mayoría de los estereotipos propios del género.

Celia es una niña de once años que vive con Adela, su madre soltera, mientras estudia en un colegio de monjas en la ciudad de Zaragoza. La llegada de una nueva compañera, Brisa, será el empujón definitivo para iniciar el viaje hacia la adolescencia donde se abre un nuevo universo personal en el que las preguntas trascendentes y la rebeldía abandonarán definitivamente el mundo de la inocencia infantil.

La directora debutante Pilar Palomero nos sorprende gratamente con posibilidades para convertirse en una de las sorpresas del año sumergiéndonos en un universo infantil femenino de los años noventa de una manera íntima, cercana y veraz. Para ello ha contado con un guión que da un gran protagonismo a los silencios y las miradas, con un grupo de actrices - Andres Fandos se come la pantalla-- que perfilan perfectamente los personajes y una parte técnica de fotografía y ambientación que nos llevan a una auténtica nostalgia de la época. He leído en más de una reseña que el tema central de la película podría ser el silencio. Yo hablaría mejor de silencios en plural porque la directora consigue transmitir perfectamente tanto el silencio cómplice y singular de las conversaciones entre amigas o con la madre como el silencio ensordecedor y castrador de todo lo que se esconde ya sea en el ámbito familiar como escolar .

También podemos hablar de esta dualidad casi esquizofrénica del lo que se impartía en determinados centros educativos --decir en este punto que por suerte la red pública escolar estaba a las antípodas-- y lo que se encontraban los niños en un entorno social que quería avanzar hacia valores más tolerantes e inclusivos sobre todo en cuanto a lo que podríamos llamar corporeidad.

La mayoría de escenas son de interiores destacando entre todas las rodadas en pequeños grupos de amigas en las que se consigue una intensa espontaneidad con una profusión de detalles tanto en el lenguaje como en la realización. Todo ello conforma una propuesta perfectamente realizada --seguiremos a Pilar Palomero-- que transmite ternura y veracidad a la vez que deja en evidencia las contradicciones de una época de cambios en una sociedad que pretende avanzar a pesar del lastre del pasado. (8).
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La directora Pilar Palomero nos presenta su segundo largo y consolida su merecida pertenencia al grupo de nuevas realizadoras españolas que aportan una nueva y sugestiva mirada. Si en la destacada "Las niñas" nos regaló un retrato coral y cercano de un grupo de niñas en su tránsito a la adolescencia, en el caso de "La maternal" se centra en Carla y su crecimiento acelerado hacia la madurez al tener que afrontar un alumbramiento con 14 años de edad. Estamos ante una visión poco repetida –únicamente me recuerda a "The Florida Proyect" (2017)– de la adolescencia en la que Carla abandona bruscamente sus juegos infantiles con toques gamberros para compartir todas las horas con un pequeño grupo de chicas en la misma situación en una casa de acogida tutelada.

El núcleo central de la película se basa en la dramatización de la convivencia dentro de la residencia, las relaciones que se establecen entre las jóvenes madres, sus inquietudes y las complicidades que se van generando. Todo ello se nos presenta con unas escenas muy cercanas de una cruda cotidianidad expuesta sin estridencias ni exageraciones para transmitir una veracidad incuestionable, manteniendo todo el rato un tono vitalista al que ayudan mucho las actrices no profesionales e internas reales de la casa .

En paralelo Carla y su madre Penélope deben reconstruir un vínculos que necesitan superar una relación de confrontaciones repetidas y propias de una adolescente explosiva y desafiante. En este sentido cabe mencionar la parte inicial de la película centrada en una memorable presentación del personaje jugando al fútbol imponiendo su carácter o mirando porno en el móvil con su amigo Efrain donde queda bien dibujado un perfil propio a partir de una interpretación sorprendente –y premiada en el SSIFF– de la promesa Carla Quílez.

"La maternal" es una propuesta muy física y cercana que a pesar de que en algunos momentos parece decantarse hacia un tono documentalista consigue elaborar un relato íntimo y social con un convencimiento y una coherencia meritorias para completar una visión nítida y contundente a la vez. (8)

Entro en la sala con expectativas altas aunque desde "La piel que habito" el director Manchego no era santo de mi devoción. Salgo de la sala con un "sí, mucho" después de la amistosa pregunta "¿te ha gustado?". A ver si consigo explicar el porqué.
"Dolor y gloria" es un retrato desnudo y franco del mismo director basado en una nostalgia sincera y sin afán de exhibicionismo a partir de un alter ego llamado Salvador que abre la caja negra de sus recuerdos con una especial atención a su madre .
La nostalgia y la memoria se fundamentan en emotivos reencuentros reales con el amigo y actor protagonista de su primer largometraje y con el que no se habla desde hace treinta años, con su primer compañero con el que exploraron todos los rincones del deseo y en los no menos emotivos reencuentros imaginados con su madre y su infancia. Momentos de "gloria" abordados desde un presente inundado de un "dolor" físico y psicológico que lo mantiene aprisionado en una parálisis que no le deja ni salir de casa. Almodóvar se abre en canal para mostrar sus entrañas sin pedir ni comprensión ni ningún tipo de compasión victimista para emocionarnos con un perfil humanista férreo. Una vida condensada en una película o una película con varios recortes evocadores que "son" vida. Unos reencuentros que, después de los entrañables recuerdos, se transforman en un nuevo episodio vital que merecen ser vividos por sí mismos. Una soledad y un dolor que se debe afrontar de cara y sin subterfugios escapistas. Unas personas que acompañan y respetan una voluntad aplacada y abocada a repetir errores. Unas sensibilidades diversas e individuales que luchan para sobrevivir y encararse a un destino donde la decadencia física es omnipresente. Unas historias que contienen episodios entrelazados para conformar un monumento intenso y equilibrado sobre todo aquello que significa el cine. Unas escenas cargadas de simbolismo de un universo almodovariano identificable y propio para terminar en un final memorable en el que queda resumido la esencia de todo.
Podríamos hablar de la figura de la madre y de la mujer como el elemento capital en toda su filmografía, de la estética colorista y singular, de las magníficas interpretaciones de todo el plantel (hace mucho tiempo que no veía a un Banderas tan pletórico), de un montaje especialmente difícil y perfectamente resuelto o de una sinceridad que se cuela en cada minuto.
Almodóvar construye un férreo edificio dedicado a rememorar abiertamente su vida a la vez que hace una llamada a afrontar de forma serena y decidida una existencia finalista donde se mezclan de forma ingrata un sufrimiento siempre excesivo y el placer de estar presente. (8,5 / 10)
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No tenía ni idea que existiera un director de nombre Pablo Berger y que había hecho hace nueve años una película llamada "Torremolinos 73". Mi ignorancia no te límites. Aún con todo la experiencia vivida con esta cinta ha sido y, creo que repetiré, de las más intensas de los últimos años. Con el precedente de "The artist" saqué la entrada con un poco de inseguridad por si era una imitación o una repetición. Pues no. Sin ningún tipo de dudas estamos ante una magnífica obra que está llamada a ser recordada por la memoria colectiva por su fuerza, su atrevimiento, su música y sus interpretaciones.
La fuerza se la da el guión, los encuadres y el montaje dejando claro que estamos ante un lenguaje cinematográfico que no necesita abusivamente de los diálogos y va de la mano y se complementa con una música perfecta.
El atrevimiento se percibe al partir de un cuento tradicional y universal donde los acontecimientos son conocidos con el peligro que supone no disponer de la incertidumbre como gancho para capturar la atención del espectador. No le hace falta para nada, este atrevimiento se apoya únicamente en unas interpretaciones ajustadísimas, sin aspavientos ni comicidades forzadas.
Creo que he revivido aquellas experiencias de los años 20 del siglo pasado cuando la orquesta y el gentío se emocionaban ante una nueva forma de transmitir y de comunicar. La lástima es que estaba solo en el patio de butacas.