Ciro Guerra, para los que lo conocimos con “Los viajes del viento” (2009), vuelve a sorprendernos con su genialidad para escribir y poner en imagines sus personajes e historia, con su primer largometraje “la sombra del caminante” (2004), de forma maravillosa, extraordinaria y contundente.

La película filmada en blanco y negro, nos armoniza esa Bogotá al descubierto: gente mucha gente, calles, el desempleo, la pobreza, la ley del “rebusque”, la exclusión y “esa” historia que “cargamos” todos como sociedad: con números en los noticieros pero con indiferencia en la práctica. Se nos abre así, y con este panorama la historia de amistad del Mané y el silletero, que no es otra historia que la de muchos colombianos o la de muchos inmigrantes en la ciudad, con una historia y presente a cuestas, que el empezar de nuevo quizás se traduzca en hacer de la vida algo llevadero. La película nos dice que hay mucho para contar y mostrar de nosotros mismos, del conflicto que hasta hoy sufrimos. Pero no de la forma de siempre: balas, muertos, personajes que se remiden en la venganza, las mil y un formas de matar y de morir, sino que al ubicarnos en sitios tan comunes como el centro de Bogotá, la carrera séptima, el hombre del saxofón, los cerros de Monserrate, La casa de Nariño, el barrio de la perseverancia, hace que hagamos memoria colectiva de esta realidad, donde quizás el Mañé y el silletero sean simplemente una sombra y un murmullo (-alguien dijo algo?...-No. -Ahhh, es que me pareció escuchar un murmullo…!, Voy a apartar cita con el otorrino…), para nosotros gracias a nuestra indiferencia, hemos estado ahí al lado de ellos,¿ no?. De otro lado, quizás nosotros seamos para el Mañé y el silletero, solo figuras que recrean ese entorno a blanco y negro en que ellos viven.

Desde un punto de vista muy personal, considero que Ciro Guerra nos incita a reflexionar sobre quién es quién en el conflicto armado. Quien es en realidad víctima y victimario?. De mi parte, sé que hay victimarios y muchas víctimas, pero tristemente hay más víctimas de las que pensamos (o de las que engrosan las cifras) , solo que no las reconocemos porque no conocemos la realidad del pasado y presente del otro, ni de nosotros como sociedad. De forma muy humana, Ciro Guerra, quiere contarnos y mostrarnos la historia de estos dos peregrinos, donde el apoyo mutuo es una herramienta para la supervivencia.

...continuo en el spoiler, sin arruinar la pelicula...

En aquellas épocas de despertar emocional, biológico, hormonal, intelectual y de perfecto criterio (y es que uno se lo cree!!), “el siglo de las luces” en todo ser humano, no era insólito escuchar a las generaciones de nuestros padres y abuelos disociar sobre “el rebelde sin causa”…uno casi de inmediato se imaginaba a un hippie o al paradigma (que siempre va a ser estigmatizado por todos) del momento, con el que todos, y cada cual a su modo, se querían apropiar de su identidad. Ví “rebelde sin causa” con el objeto de conocer quién era el tipo de sujeto que personificaba el rebelde sin causa; del mismo modo que “el graduado” me dijo quien era la Señora Robinson, sí la Sra. Robinson, de la que hablaban en las emisoras de radio, los libros y las canciones de Los Beatles, Simon & Garfunkel y Lemonheads, que aún recordamos y tenemos presente.
Entonces, empieza la historia de “el rebelde sin causa”, y en verdad, me llevé una sorpresa. No era la historia de un hippie que huye de casa o que le gusta el porro, ó que estudia una carrera que a papá no le gusta, no era el tipo que hace extravagancias para decir “aquí estoy yo: súper yo”. El panorama se abre con la presentación de tres adolescentes puestos en un mismo escenario: La división juvenil de una comisaría en cualquier lugar de los EE.UU. El director y el guionista se ponen a la tarea de colocarnos en una historia que como un crisol sin fondo guarda muchos matices, donde detrás de esos muchachitos sin necesidades apremiantes, haciendo idioteces (actos delincuenciales?), se refleja a la familia y como la sociedad se dedica a “poner orden”, o mejor, contemplar. Y es que no nos encontramos con papás alcohólicos, separados, y/o que acuden a la violencia. Presenciamos, de un lado familias que tienen lo que se podría llamar todo lo necesario; dinero, casa bonita, escuela para los chicos, incluso padres unidos, no hay violencia intrafamiliar, todo un ejemplo de familias civilizadas-norteamericanas. Pero de otro lado, sí se nos muestra esas otras realidades, que quizás no se mencionan en un prontuario de problemas familiares, como son la humillación de papá, la indiferencia de mamá, la prohibición de un gesto de cariño a papá. También está el otro tipo de familia: la que se compone de solo tú y en el mejor de los casos tú y la nana, la familia abandono. Es eso lo que expresan los adolescentes, la soledad, la falta de valores, la ausencia de la familia, la carencia de metas en la vida, el olvidar lo importante (que está perdido) y dedicarse a la diversión. Pero no es el caso de adolescentes vacíos, es el caso de jóvenes que buscan a sus familias desesperadamente, que tienen sentimientos (amor y generosidad para dar) que quieren exorcizar el abandono y la soledad; a veces con el colectivo, otras con el amigo que hará de figura paternal.

Yoji Yamada, un fotógrafo e impresor de la familia y los seres humanos, con “Kabei: our mother”, relata una historia de vida (real) o de vidas en Japón durante la segunda guerra mundial, vista y vivida por la familia de un hombre que es encarcelado por “llevar demasiado lejos” esto del “libre pensamiento”, al no llamar cruzada sino guerra, a la invasión de China por el estado Nipón, cuando este se había montado en el bus del poder y la expansión en la segunda guerra mundial…ese es el delito de pensar! Con la guerra como tema, y la familia como sujeto de esta historia se podría hacer ya algunos imaginarios de sucesos a acontecer. Sin embargo, lo propio de esta película es el modo de contar e ilustrar la historia. Contada por varias voces, aquí Yamada nos muestra una familia con un padre ausente, la cena, el comedor, los juegos entre hermanos, las visitas (a la casa familiar y a la cárcel!!) y ese don de ser mamá. Esta es una película para nosotros los amantes de la cotidianidad, para contemplar y cuyo recurso de poesía es Kabei, la madre, o mejor nuestra madre, pues de nuevo aquí se reafirma como los sentimientos son universales y están por encima de la expresión cultural; Kabei una madre japonesa que representa a cualquier mamá de cualquiera de nuestros países. Es importante hacer mención a este personaje, es una madre y una esposa entregada a su familia, con todo ese amor y dulzura propio de las madres. También es una mujer noble, llamada para la época, a la sumisión del hombre y la sociedad. Magnífica interpretación de la actriz que encarna a Kabei. Es un drama sí, en ese sentido la guerra no tiene matices. Pero esta historia, también está acompañada y aderezada con un personaje entrañable. Yama, es la persona a evocar la ingenuidad, la esperanza, las situaciones que te hacen sentir algo tierno y dulce en el corazón, dibujando tímidas pero reconfortantes sonrisas.

.................................................................................................................Continuo en el Spoiler...

“El mundo es grande y la felicidad está a la vuelta de la esquina, es quizás es uno de los títulos más largos que he visto para una película. Sin embargo, me parece una apuesta muy precisa para lo que cuenta esta sencilla historia; que con la memoria, paisajes, guión, caracterizaciones, banda sonora y belleza, nos propone como idea principal esa metáfora, donde en la vida nada queda al azar: “siempre que tengas los dados en las manos puedes controlar el resultado”, “sí el resultado no es el que esperabas simplemente debes cambiar de estrategia en el juego”.
El punto de partida de esta película de carretera es Bulgaria de finales de los 70’s, esa misma que muchos desconocemos…”Bulgaria, ahí donde termina Europa y no empieza nada”. En lo personal me gustó mucho como se retrata Bulgaria, es como esa otra cara (desconocida) de Europa que desde aquí, desde la otra orilla del océano y a 2600 metros más cerca de las estrellas, nos hace evocar familiaridad con ese pueblo, sus casas, el café, sus costumbres familiares. Sí bien, la película retrata ese aspecto político y social del momento de dictadura comunista y cómo con la caída del muro de Berlín parece que no cambiaron profundamente las cosas, me parece que la denuncia se ejerce desde lo “más personal”, cómo Alex un desplazado de su país que vive en Alemania, para recobrarse de su amnesia, debe emprender un viaje desde el pasado para reencontrarse con su presente y su identidad. Será que podemos excluir algún país, pueblo o nación de ese “cargar con una historia dolorosa?. Muchas películas, crónicas, libros, documentales se han realizado a este respecto y cómo las heridas en muchos casos continúan sin cicatrizar, pero a mi juicio se han esculpido desde la búsqueda de esa catarsis y reflexión de la sociedad, aquí sí bien nos presenta ese aspecto socio político y sus acciones en Bulgaria, la historia es diferente, porque la perspectiva es desde la persona, desde lo más íntimo. Así, Alex comienza sin origen, donde su excéntrico y entrañable abuelo toma el timón para ayudarle a encontrase así mismo, con el recuperar de la memoria Alex logra encontrarse a sí mismo, su identidad, y como nada queda al azar en la vida…ese recuperar el control hace que Alex se vea feliz, después de haber recorrdido ese largo trazo de ida y vuelta entre Bulgaria y Alemania, porque “el mundo es grande y la felicidad está a la vuelta de la esquina”, a la mano, en el reconocimiento de la propia historia de cada uno de nosotros.

Esta es una de esas películas, que uno quisiera que tuvieran rotulo propio para poderlas valorar más justamente. Es decir, esta película cuenta con todos los elementos para categorizarla como “cine ligero o light”, y eso está bien, conocer de antemano a qué nos vamos a enfrentar y así discernir en qué momento es “apropiado” verla (no está mal para esos momentos de aburrimiento, y sin ganas de pensar mucho, pero con ganas de entretenerse ¿no?) . Personalmente yo en una ficha técnica para esta película, le hubiera colocado género: cine light, y en ese orden de ideas me parecería injusto valorarla como una película de culto, dramática o de cine arte, o en fin…valorarla como una película con historia….el cine light, no es malo solo que cumple de una forma simple y plana; la función de entretener, y creo que esta película cumple con dicho objetivo.
Los elementos que componen esta película son básicamente:
-Una trama plana: una mujer se enamora de un hombre que pareciera ser su príncipe azul (o el príncipe azul de cualquier mujer). A su vez esta mujer (Ashley Judd ), trabaja con un hombre (Hugh Jackman) soltero, ligón (pero en este sentido honesto, es un sujeto pragmático), a quien apenas soporta. Pero resultó ser que el príncipe azul en realidad era un sapo y termina su historia de amor, dejando a la protagonista en el más profundo despecho. Para superarse, ella recurre a cuanta teoría y artículo de revista encuentra (lo único que le faltó por leer es a Walter Riso) y termina asociando todo con la teoría de las vacas y los toros (se nota que no pertenece a un ensayo de Stephen Jay Gold!!!) y en la película se grafica dicha teoría. Sin más ni más, la película desarrolla estas circunstancias….pero en sí, este argumento no es para nada creíble, les apuesto a que todos desde un principio sabíamos que este príncipe azul era un “petardo” total, y que la propuesta inicial se iba a dar que era la de convertir al solero ligón. Tampoco es creíble, que una mujer (sea cual sea) se entregue al despecho, a la depresión y al melodrama por tremendo tontazo!
-Reparto: buenos actores, que ponen su marca registrada en esta película. Hugh Jackman quien todavía era un actor revelación lo hace bien y Ashley Judd, pese a que su personaje es flojo su interpretación es buena, esta mujer tiene la capacidad de llorar y contener lagrimas, de hacer gestos muy particulares pero creíbles.

(Sin adelantos de la película, me tomo el spoiler)