"Hillbilly, una elegía rural" resulta ser una película biográfica bienintencionada, con el elenco adecuado, el equipo técnico a la medida y un director quien cuenta con una experiencia irrefutable, sin embargo, quién diría que todo terminara siendo una agridulce decepción de poco trasfondo.
El comienzo del filme parecía marcas las prioridades del mismo: un historia de origen con dificultades alrededor, sobre la fe, la familia y el "sueño americano", abordado desde temas como la oportunidad o las condiciones sociales. Desde esa premisa esto se asemejaba a una "Yo, Tonya" con esa narrativa un tanto sarcástica, que daba paso al drama leve y que hablaba de cómo las personas alrededor de una niña habían moldeado su vida. Pero no, esa idea se desvanece desde el minuto cero.

Entre el conjunto de memorias que representa esta cinta hallamos una narrativa que, en vez de detenerse y comprender a los personajes o sus motivaciones, avanza sin cesar de manera vertiginosa sin que haya un cartel de "pare" que interrumpa la historia. Si hablamos del pasado, estamos hablando de la mejor parte porque, ahí, está Glenn Close, quien da una interpretacional sensacional que le vida a la película; si bien sus apariciones no son muy prolongadas, también son poco omisibles, ya que Close se esfuerza por encarnar a una mujer cansada de la falta de responsabilidad, de atención o de seriedad, sus momentos se fijan en un rol interpretativa lleno de emotividad, frialdad y sensatez mínimamente familiar, ella cree en el valor de la familia y que a ésta se la debe cuidar y mantener unida.
El problema es la que película tiene una constante lucha para enfocarse entre Bonnie, (Gleen Close), y Beverly, (Amy Adams), quien resulta ser el centro desde el cual gira todo el argumento; lástima que esto termina por arruinar parte de la trama.
Por su parte, Amy Adams da una interpretación multifacética e interesante, la cuestión es que más que un personaje humano de sentimientos comprensibles, Beverly se termina pareciendo a un show de exhibición pretencioso y, por momentos, incómodo gracias a una conducta autodestructiva y tumultuosa, adrede. La película no sabe aprovechar a un personaje en situación de vulnerabilidad para apiadarse de él, sino para mostrarlo hasta el cansancio. No es que a Adams le falta entrega, sino que le falta un libreto que no la obligue a gritar todo el tiempo.


*División Pasado-Presente:
Podemos decir que esto desordena la película, porque, si bien en el pasado vemos a Gleen Close brillando, esta parte de la trama culmina con una acabado incompleto, inconcluso, que no parece llegar a decir lo que necesita. Si trata de hablar de la familia, nunca llega a su punto culmine; si trata de hablar de la esperanza de encontrar nuevas oportunidades, esa parte se cuenta en un montaje rápido que dura un santiamén; y si trata de hablar del origen de un chico hacia su adultez, el filme queda fragmentado en mini-trozos de inspiración.

En cuanto al presente, puede parecer que es la parte donde se quería mostrar el porqué de los sentimientos, sensaciones y traumas de los personajes, no obstante, esta trama no habla de sus personajes ni habla de lo que les pasa, sólo parece una justificación para que J.D regrese a casa y veamos qué pasó en su pasado. Se perciben, finalmente, como minutos de metraje que estorban e impiden un desarrollo paulatino.

*Mensaje:
Este largometraje habla sobre la constante lucha por mantener nuestra dignidad, por salir adelante y por valorar nuestra familia, sobre luchar y sobreponerse a nuestras adversidades inmensurables. Lo que falta para que el mensaje acompañe al filme, es una historia sólida y contundente, en vez de un espectáculo interpretativo de calidad frugal.

En definitiva: El resultado es un filme bienintencionado que no puede ocultar el melodrama; las interpretaciones son buenas, pero están mal aprovechadas, son empleadas más para el exhibicionismo morboso que para el entendimiento empático. Howard no termina de ser convincente.

Calificación: 5.2/10

Dijo alguna vez el personaje de Harriet Sansom Harris en la película sobre un tal 'Milton Farmer' que éste era un taumaturgo, palabra que no podría describir mejor al señor Paul Thomas Anderson, quien, a semejanza de cómo Kenneth Branagh nos abrió su corazón con 'Belfast', hace algo similar con una impronta más personal, semi-autobiográfica y de manera mucho más descocada, alocada y anecdótica.

La sitcom 'Seinfeld' empieza con un episodio piloto donde George propone a Jerry escribir una serie pero cuando el segundo le pregunta al primero '¿de qué va a tratar la serie?', éste sólo responde 'sobre nada', Jerry confundido apunta que necesitaría de una historia pero George dice que no haría falta, la anécdota del restaurante chino será un capítulo en sí mismo. Sin salirnos de tema, la genialidad cómica de 'Seinfeld' es brillante gracias a que casi se rompe la cuarta pared y se despierta la ironía de que los propios protagonistas de una sitcom propongan hacer su propia sitcom, como una suerte de metacine; pero esa técnica inolvidable planteada por George es la misma que utiliza Paul Thomas Anderson para contar esta historia: 'Licorice Pizza' habla sobre mucho, (amor, celos, cultura de los setenta, música, mundo de la actuación, crisis de los veintes, entre otros), al mismo tiempo que no habla sobre nada.

Ciertamente, la historia de Gary Valentine, (Cooper Hoffman), y Alana Kane, (Alana Haim), es un anecdotario elíptico y evocador de la vida de los personajes, lo podríamos asociar al celuloide de sus vivencias siendo cortado por tijera, musicalizado magistralmente y fotografiado como solo Anderson sabe hacerlo. 'Recuerdo aquella vez que conocí a una chica mayor en mi escuela y la invite a salir', 'recuerdo aquella vez que fue con ella a Nueva York a presentar mi obra de teatro', 'recuerdo aquella vez que me arrestaron por error y ella vino corriendo a buscarme', la magia es que, dentro de esa conjunción de momentos, la película es fresca, tierna, frenética y alocada.

El corazón reside en los dos protagonistas quienes mientras se envuelven en trastadas, negocios y peripecias, van creando un celebración del enamoramiento, de lo bonito que puede ser conocer a alguien y más si es en el valle de San Fernando durante los setentas de Sonny & Cher, The Doors, David Bowie, Paul McCartney & Wings o Chuck Berry. Anderson honra el lugar que lo vio crecer y lo hace con un crew amigo, cercano e impensable que funciona de maravilla.

Las hermanas Haim quienes tienen su propia banda participan en la cinta como hermanas, sus padres reales hacen de sí mismos, Jonny Greenwood le devuelve el favor a Anderson por dirigir los videos de Radiohead y se encarga del score, el montajista de los vídeos musicales de Haim debuta con un largometraje y hasta Michael Bauman comparte el ojo detrás de la cámara con Anderson. Por si faltara talento, salen Sean Penn, Bradley Cooper, John Michael Higgins, Ben Safdie o hasta el padre de Leo Dicaprio o la hija de Steven Spielberg, cuyos aportes no tienen consecuencias, algunos son muy efímeros y nos desvían del ánimo central de Alana y Gary, pero son muy divertidos.

Quizás 'Licorice Pizza' no gane ningún premio, no es una película hecha con ese objetivo, es, en su lugar, una celebración a la ciudad natal del director, un encuentro con humanos en constante movimiento, adolescentes imperfectos y algo advenedizos pero tan entrañables como únicos, y, por último, es un bellísimo tributo al amor en la pantalla grande.

Calificación: 7.5/10

Una amalgama entre el cine autobiográfico o memoir, (algo tendiente a 'Roma' de Cuarón, 'Dolor y Gloria' de Almodóvar o 'Hope and Glory' de Boorman), y el cine de tributo u homenaje hacia una ciudad con un sello personal, (tal como 'Once Upon a Time... in Hollywood' de Tarantino o 'Manhattan' de Woody Allen), Kenneth Branagh nos abre su corazón y las puertas de su ciudad para hablarnos sobre su personalísimo origen.

A diferencia de otros nominados de este año más sociales, críticos y adultos, 'Belfast' es uno de esos filmes bonitos, tiernos y que sirven como agradecimiento, que necesitábamos quizás sin esperarlo; dotado de una ingenuidad de perspectiva infantil, una belleza naif de apreciación visual gracias a una apabullante fotografía de Zambarloukos o una minitrama más amable, emocional y apacible, 'Belfast' se alejó del conflicto social, esquiva la potencial emotividad del daño y el trauma del problema político-religioso. Branagh impide la impudicia que podría haberse enfocado en un pobre niño y cómo lo afecta el conflicto norirlandés entre republicanos y unionistas, en verdad, Buddy queda impactado por los disturbios en su propio calle pero su familia lo ayuda a superar la zozobra haciendo como si nada hubiese pasado.
El enfoque del cine, el amor y la familia como los escapes catárticos de un niño hacia el optimismo en tiempos de tumulto solo embellecen aún más este estilo de cine más apreciativo, quizás etéreo pero no por ello anodino o insignificante.

El motor enternecedor se teje a través de la simpleza de la rutina de una familia muy entrañable, cordial e imperfecta con personajes bellamente interpretados; a pesar de que la historia es poco desafiante e innovadora, es la convicción de Branagh de hallar lo cómico en lo trágico y lo universal en lo específico, lo cual imprime el carácter magistral de gratitud de Branagh ante su defectuosa familia, ciudad e influencia cultural, (desde Agatha Christie, pasando por Thor y el cine en general).

A decir verdad, los nombres de cada actor tienen peso y relevancia especialmente viniendo de los estupendos y cavilados comentarios de los abuelos encarnados por Judi Dench y Ciarán Hinds, (futuro candidato a actor de reparto). Y ni hablar de que Jude Hill ya viene presentándose con una nota alta porque su trabajo es imperceptiblemente brutal.


En definitiva: Branagh estuvo haciendo 'cine para otros'; ahora volvió a hacer 'cine para él' en una inexorablemente amable, emocionante y 'roman a clef' autobiografía cinematográfica. Una propuesta que agradece la procedencia que podrá ser somera en lo atractivo y provocador, pero notablemente auténtica y de verdadero corazón.

Calificación: 7.0/10

El hecho de no poder oír no implica obligatoriamente que no se pueda sentir; "Hush" mezcla un thriller de supervivencia muy llevadero que cualquier persona puede sentarse a ver, con una historia que habla del miedo y que somete a una protagonista a superarlo.
El modo de filmar del director es impecable, a la vez que se les presta atención minuciosamente a los detalles en un comienzo donde hay pequeñas cosas que terminarán siendo determinantes.
Las actuaciones de Kate Siegel y John Gallagher Jr. son muy buenas. ambos demostrando una intensidad que se ve enmarcada en cada escena con algún tipo de impacto, pues la película no se guarda nada y muestra a diestra y siniestra las situaciones de suspenso.
El sonido está muy bien cuidado, el director aprovecha la condición de la protagonista para mostrarle al espectador cómo es vivir con ella, aunque la audiencia es "el ojo que todo lo ve", la forma en la que se nos muestra esto es fascinante.
Asimismo, hay momentos donde la psicología de los personajes queda más expuesta; Maddie es empática, pusilánime y astuta; mientras que el asesino es un psicópata quien disfruta del sufrimiento ajeno y quien no duda en hacer todo aquello que amedrente a los demás. De esta manera, la cinta pone en contraste a dos personajes de diferencias bien marcadas, todo estructurado bajo un concepto versatil e ingenioso, narrado con bastante de ese ingenio.
A su vez, los personajes secundarios de aparación casi nula ayudan a generar algo de suspenso y su aparación aporta algo a la historia lo cual es respetable pues ninguno de ellos sobra.

Por otro lado, los impedimento de la película para poder llegar a ser mejor son dos: por un lado su corta duración, se entiende que el propósito del film es evitar convertirse en un "slasher" ultraviolento de bases genéricas, apostando más por un suspenso tangible y bien ejecutado, no obstante,esa unidad de tiempo, espacio y demás hace que varios elementos alrededor de la protagonista queden desaprovechados, por ejemplo, ¿quién es su novio? ¿por qué duda en llamarlo? ¿cuán exitosas son sus novelas? ¿acaso ella es famosa? De igual modo, hay un tópico que también podría haber llegado más lejos: la motivación del asesino, ya que, si bien se contempla que no quisieron forzar ninguna motivación tonta de venganza, hubiera sido interesante si nos mostraran qué es lo que desea y cuáles son sus motivos que lo impulsan a actuar. Y el otro impedimento que mencionaré es el final atropellado, puesto que, pasamos de una trama de combustión lenta que de a poco iba acelerando, a un auto cuyo conductor mete quinta en la caja de cambios; el final llega de un modo muy apresurado donde las consecuencias de los anteriores actos quedan inmaculados.

En definitiva: Un thriller de supervivencia que brilla de entre el resto gracias a su ejecución elegante y sus actuaciones potentes, pero también gracias al escape constante que se desea hacia evitar el cliché.

Calificación: 8.5/10

No sabemos a ciencia cierta si fue por la taquilla o por su talento, pero el hecho de que Gary Fleder haya dirigido más de cinco o seis thrillers no es un dato menor, no a cualquiera le dan tanto lugar. Si Gary fuera parte de una banda 'one-hit wonder', este sería su 'hit'. Una historia que involucra un psiquiatra, unos ladrones y una paciente frenopática se puede considerar un trabajo pulido, lejos de ser perfecto, pero que cumpla con la cuota mínima de verosimilitud.

Una sinopsis y sus aliados:
El argumento de la cinta es bueno, no importa si por mérito de la novela o el guionista, pero uno de esos que enganchan desde el principio y más si la escena de apertura parece tener poco que ver con esa sinopsis. Además, secuestros y planes a contrarreloj son elementos que se llevan bien juntos.

Por otro lado, los 'aliados' vienen de la mano de Michael Douglas y una portentosa Brittany Murphy. El primero hace su típico papel de hombre conforme (o inconforme) viviendo un día de mierda, pero Douglas lo hace de forma convincente, lleva su frustración y enojo a un extremo en el que sus habilidades como psiquiatra serán indispensables. La segunda, como ya había demostrado en 'Inocencia interrumpida', brilla por su bivalencia tanto para el drama como para el suspenso, Murphy persuade con su personaje traumatizado y logra la justa medida entre desequilibrio y comprensión.

Gusto por lo psíquico:
Fleder ya había mostrado gusto por dirigir thriller psicológicos con 'Besos que matan', y aquí 'Ni una palabra' se queda con los aciertos de igual manera que con los fallos del filme con Freeman. Lo reminiscente que funciona otra vez es el juego psicológico: si antes lo traía Alex Cross y su psicología inversa, ahora Nathan Conrad toma ese cargo con dignidad. Aquí Douglas y Murphy se enfrentan de parietal a occipital sin la contemplación de que están más unidos de lo que parece, un padre desesperado, una hija desesperada, una dinámica de roles que dice mucho sobre el desarrollo de la historia. Con respecto al apartado negativo, lo criticable que arrastra la cinta serían ciertos usos de la cámara lenta que sobran (especialmente al final); pero, aclaramos, no todos, el del principio con Patrick sirve para mostrar su ira interior.

Cronómetro de thriller:
'Ni una palabra' maneja una historia entrelazada que funciona como un excelente 'macguffin' narrativo ya desde la sinopsis y la introducción de la película, da igual si uno sabía o no de qué trataba la historia, sabemos que el guion se va encargar de unir los cabos sueltos del relato mientras vemos los destinos paralelos de los delincuentes y la familia de Nathan. Al hacer las conexiones, la trama múltiple desemboca en algunos golpes de efecto y giros de tuerca bien empleados sumado a un interesante vínculo entre Nathan, su viejo amigo Sachs y, sobretodo, Elisabeth. Asimismo, el ritmo ágil y despierto del filme (que se agradece) sirve para enmascarar aquellas falencias que pueden anoticiarse pensando en frío.

La única trama que podría sobrar sería la de la investigadora de Jennifer Esposito, la cual no es del todo necesaria para que la película pueda avanzar y termina por alargar un poco el metraje (*zona spoiler 1). Por último, aunque tiene destellos pequeños de valor, la subtrama de la esposa del prota no termina de ser explotada. Está claro que es necesario porque se trata de un personaje importante, sin embargo, (*2 zona spoiler).

Los malos malotes:
Una de las cosas que sí puede llegar a afectar nuestra experiencia es el grupo de ineptos granujas y su continúa toma de decisiones estúpidas que entorpecen la trama. Por dar un ejemplo, la escena inicial del robo ya tiene uno: salir de la furgoneta sin máscaras para atracar un banco, e incluso, huir de ese mismo banco sin taparse los rostros. (Zona spoiler *3).

Control:
Conectado con el juego psicológico que mencionamos sobre Nathan, otro aspecto que pone a la historia en alto es que su situación está supeditada al control. Cuando nos lo presentan, parece ser un hombre de familia resolutivo con éxito profesional y una hija sagaz y bienhablada, es decir, todo está bajo control. Lo que genera el abismo del incidente-incitador es, precisamente, detener ese control de Nathan para que tenga que usar sus habilidades para recuperarlo, es como una prueba, un examen: ¿podrá un psiquiatra mantener la calma y resolver este rompecabezas?

Lo otro que mantiene a la película con vida es la intriga, para la cual la película aprovecha el timing de 110 minutos y va revelando rodaja por rodaja sin apuro, con tal de mantenernos interesados, lo que logra que cuando llegan las respuestas sintamos que hubo ocultamiento pero con una clara intención.
Qué mejor lugar para guardar información reveladora que la propia mente humana, ese el punto álgido de la película, llevado con vigor gracias a el trabajo de Brittany Murphy.

7.2/10