¿Una película sobre unos atentados reales? Sobreabundan. ¿Una película sobre la desaparición de unas niñas? Muy tópico. ¿Una película sobre la droga en América? Demasiado recurrente. Todos estos son temas muy amplios y frecuentemente adaptados a la gran pantalla, de cada género podemos encontrar multitud de ejemplos; sin embargo, de vez en cuando llega alguien que coge ese tema que hemos visto tanto y consigue sacarle el jugo que intrínsecamente tiene, aportando una perspectiva diferente. Y de eso hablamos cuando mencionamos al director canadiense Denis Villeneuve. "Polytechnique" (Denis Villeneuve, 2009), una película sobre los atentados a un instituto de Montreal, contados desde la experiencia de dos supervivientes concretos. "Prisioneros" (Denis Villeneuve, 2013), un tema que puede dar tanto juego como la desaparición de dos niñas contado desde dos puntos de vista tan dramáticos como marcados de un padre y un policía. Y este año le toca el turno a "Sicario" (Denis Villeneuve, 2015), donde el director cuenta la enorme problemática llena de corrupción en la frontera de México con EEUU, adoptando la perspectiva de una agente del FBI con una mente demasiado utópica para el lugar.
Como decía, se trata de perspectiva. Todo (o casi todo) ya está inventado. Todo (o casi todo) ya está contado. Ahora no buscamos historias nuevas, sino nuevas formas de contar las historias que ya hemos escuchado. Y eso es lo que hace Villeneuve en cada paso que da. En este en concreto, se pega (muchas veces, literalmente con el encuadre en pantalla) al personaje de una más que excelente Emily Blunt. Ella es la presentadora del programa de TV que estamos contemplando. Muchos pueden contar un conflicto bélico, pero solo con eso sería una película más del montón. Ya el cartel es una clara declaración de intenciones de la esencia de la película: la mente y visión de Kate (Emily Blunt). El más claro ejemplo lo encontramos en una de las primeras escenas, cuando la llaman a la reunión. Simplemente la han llamado, no sabemos para qué. Ella está esperando fuera, y nosotros también. Si gira la cabeza para mirar por el cristal, adoptamos los ojos de ella en una ocularización interna, con una cámara en mano que se mueve de un lado a otro, mirando a través de sus ojos; también juega con ello el sonido, a través del cual podemos percibir (al igual que ella) el murmullo de una conversación que nos resulta inteligible por la separación del cristal. Pequeños recursos que nos transmiten grandemente las sensaciones y preocupaciones de su protagonista, que nos hacen (como representa el cartel) meternos en la mente de ella. La cámara no pasa dentro a menos que ella lo haga. Y hasta cuando lo hace, sorprende el uso de un plano pegado a su espalda que la deja totalmente de espaldas (o incluso uno en el que volvemos a ver a través de sus ojos). A lo largo de la película, veremos que la cámara no se separa de Kate, y que compartiremos toda la evolución con ella. Eso es "Sicario": un más que crudo problema de grandes magnitudes afrontado a través de los ojos de una utópica agente del FBI estadounidense.
Jugando con esta perspectiva, sorprenden también los fragmentos de una historia aparentemente inconexa con el resto de la trama: un policía mexicano que juega al fútbol con su hijo, que desayuna con su mujer, que se va a trabajar... ¿Por qué? El director nos tiene preparado un pequeño regalo, un detalle sutil que, en su resolución, vemos que podría haberse obviado, en la inmensa mayoría de películas se obvia, no se cuenta porque no hace avanzar la trama; sin embargo, el director sabe el ambiente que está creando, sabe la sensación de caos y horror que quiere provocar en el espectador, y es por ello que con un detalle tan sutil y tan bien pensado consigue evocar esos sentimientos por todos los poros del metraje, desde los más a los menos importantes. Qué talento y qué mente más pensante.
En la línea de crear este ambiente, hay un elemento que no se puede obviar: el sonido. La música o, más bien, la ausencia de esta. Como ya se ha mencionado, la película es un viaje en el que acompañamos a Kate como si ella fuera la reportera y nosotros el operador de cámara del programa televisivo "Callejeros". ¿De qué se caracteriza este programa? De mostrarnos la realidad más dura al pie de calle, sin artificios ni dramatizaciones. Salvando las distancias, es este el fin al que aspira la película. Para ello, se han suprimido todo tipo de música que no juegue un papel determinante, dominando en casi todo el metraje el sonido ambiente: los pasos sobre la arena, las respiraciones que denotan difíciles decisiones, el alboroto de un tiroteo, o hasta la naturalidad de una charla en una reunión. Realmente nos metemos dentro de este mundo tan cuidadosamente construido para transmitir realidad. Solamente encontramos una banda sonora tenue en momentos de tensión, como la que conseguía pegarnos a la butaca en "Gravity" (Alfonso Cuarón, 2013). Una música dura, que va in crescendo conforme lo hace la acción o el dramatismo de la misma. Un plano cenital panorámico de un desierto con esta leve música no se entiende hasta que culmina y entra en plano en helicóptero a través del cual estábamos siguiendo el viaje. No se desaprovecha ni un solo plano, todo está milimetrado para que el espectador sea un compañero más y que pueda captar una clara visión de ese mundo.
Villeneuve habla a través de la cámara. Y una escena magistral para ello es la llegada de los coches a la ciudad de Juárez. Estamos viendo a unos niños jugando a fútbol en un descampado, cuando de repente la cámara comienza a girar, y vemos en la calle de al lado unos cuantos coches de policía rompiendo ese ambiente de tranquilidad y naturalidad que sin embargo desaparecen tras la continuación de este giro sobre sí misma que hace la cámara y vemos una panda de chavales sentados en un banco hablando.
(SIGO EN SPOILER POR FALTA DE ESPACIO, PERO NO HAY SPOILERS)

La película tiene un buen material de partida que puede hacer las delicias de los fans del género y servir al realizador para dejar su sello en la industria. Un bosque precioso con una tenebrosa historia real, en Japón (inevitable acordarse de El Grito [Takashi Shimizu, 2004]), una protagonista femenina potente (la consagrada actriz de la serie de TV Juego de Tronos Natalie Dormer), una conexión especial entre dos gemelas (ambas interpretadas por la misma actriz), una pérdida de percepción entre lo real y las alucinaciones…
El espacio es un personaje más. No es solo la base del argumento, sino que se llega a percibir como una entidad amenazadora del film. De noche es terrorífico, una amenaza inmensa en la que no puedes defenderte. Es una pena que la mayor parte de la acción transcurra de día, y desaprovechen la larga e intensa noche que tenían ante ellos. Esa elipsis de la primera noche con apenas un susto entre medias no es justificable en film que tiene tanto para aprovechar. Lo mismo ocurre con los cadáveres. Estamos en el bosque de los suicidios. Ya sea por la realidad o por alucinaciones de la protagonista, tiene que estar el espacio repleto de cadáveres, espíritus… todo aquello que inquiete. En contados momentos juegan con ello, y cuando lo hacen, volviendo al tiempo, es de día, lo cual le hace perder efectividad. Corregir estos defectos y una mayor belleza de planos habría contribuido a mitificar aún más el bosque.
¿Hay más espacios? Sí, claro, pero no pierden el tiempo. Saben que el bosque es el eje, y antes de él cuentan lo justo y necesario. Al principio, sorprenden los primeros planos con cámara muy tambaleante de muy corta duración, con ritmo, tanto para transmitir el agobio y rapidez de la protagonista como para acelerar la llegada. Mientras que muchos realizadores habrían optado por largos planos panorámicos e introducir una rutina innecesaria con la excusa de introducir a los personajes, la película se reserva ese derecho a explayarse para un mejor lugar: Japón, una tierra mítica para el terror, tanto por las historias que se han realizado en ella como por los realizadores que en la vida real cobija. Buena introducción. Si bien es cierto que pecan de alguna situación excesivamente estereotípica para meter un susto o estirar la duración, cuentan bien y brevemente la historia de la hermana para que cuando lleguemos al bosque tengamos la información suficiente. Sin embargo, lo más reseñable es el recurso de los flash-backs. Como he mencionado, han optado por no alargar los preliminares como en tantas y tantas películas recientes del género, pero eso no significa que no tengan que contarnos la historia. A lo largo del recorrido del bosque, utilizan a veces excusas argumentales (una entrevista, un sueño, una llamada telefónica…) para contextualizar más y darnos la información necesaria gradualmente, para irnos sorprendiendo poco a poco.
El tono de la película es la clave que lo puede diferenciar. Últimamente, muchas películas de terror tienden hacia la racionalidad y dejan a un lado el horror (explicaciones y parafernalia paranormales) y giran más hacia el thriller psicológico (todo es cosa de humanos). La película que nos incumbe juega un poco a dos bandas, y realmente hasta el final no deja claro en cuál de los dos polos se sitúa. Durante todo el planteamiento y hasta mitad de película, todas las pistas nos hacen entrever un desfile de espíritus y voces inquietantes. Sin embargo, de repente el argumento da un giro (demasiado evidente, la verdad), y durante bastante tiempo todo el tema paranormal queda de lado. Un tiempo más adelante, tras un correcto desarrollo de esta parte de la trama, lo sobrenatural vuelve a ir poco a poco cobrando relevancia, combinándose con toda la parte más o menos racional expuesta hasta entonces. Si bien logran casar sin que se note mucho el salto, lo cierto es que haber ido a por todas con uno de los puntos de vista (preferiblemente, el sobrenatural) habría dado un resultado mucho más meritorio.
A pesar de esta dualidad en el guión, lo que sí se mantiene en todo momento, tanto en lo literario como en lo técnico, es un ambiente oscuro, de inquietud y de incertidumbre. Vivimos pegados a una magnífica Natalie Dormer que, si bien no es la gran actriz del año, sí que es capaz de librarse dignamente de ese lastre de secundaria que hasta ahora había cargado. Además una destacada caracterización, buenos juegos de planos y una marcada interpretación hacen que el juego de las gemelas funcione visualmente; sí, es creíble. La conexión entre ellas es un buen hilo vertebrador durante la película, una buena excusa que, si no se hubiera insistido tanto en ella (viéndola, hablándola…), no habría sido tan crucial y necesaria. Quizás este es el único cabo que encaja perfectamente con el final. El final. Por llamarlo de alguna manera. ¿Cómo es posible que cuatro guionistas se reúnan y no salga una idea mejor que la que ha quedado en pantalla? Tampoco lo habían enrevesado tanto como en Un Ciudadano Ejemplar (F. Gary Gray, 2008), donde un magnífico desarrollo se estropea con un final que era un callejón sin buena salida. Sorprende, desde luego. Impacta, y visualmente es muy potente. Pero de poco sirve que lo que veamos sea una delicia cuando lo que cuenta no tiene pies ni cabeza. Haber dejado la parte visualmente potente para el desarrollo, que es donde hacía más falta. Todo es muy brusco y forzado, ya que (siguiendo con las comparaciones) quieren lograr un final tan impactante como el de Presencias Extrañas (Charles Guard, Tomas Guard, 2009), pero el tener un final impactante no significa que encaje con todo lo visto hasta ahora.
Entretiene. Asusta. Empieza muy bien. Se disfruta mucho. Tiene muy buenas intenciones, y destacados logros. Pero las cosas a medio cocinar y tropezar hasta el fondo en el último paso es cometer un suicidio filmográfico.

Cuando en 2007, el visionario del terror (más productor que director) Oren Peli nos presentó su experimento "Paranormal Activity" (Oren Peli, 2007), no sabía lo que estaba a punto de crear: el dominio del subgénero metraje encontrado (toda la película viendo lo que una cámara/s graba) y una saga de terror con sus más y sus menos. Sin duda alguna, lo que hizo fue algo único. Único por el hito que marcó, demostrando que a veces menos es más. Pero único también por la dificultad de reproducirlo demasiado.
Es en este contexto en el que debemos situar esta sexta entrega de la saga paranormal (quinta, si no contamos el spin-off latino de 2013). Ya hemos visto lo que pasa al tratar de calcar la fórmula de la primera entrega: fracaso (cuarta y segunda parte). Por lo tanto, aún manteniendo la esencia, hay que renovarse. La tercera parte lo hizo volviendo al origen y desarrollando una trama de la que carecían las anteriores entregas (a la primera no le hacía falta, pero el resto se quedan vacías), el spin-off lo hizo alejándose casi completamente de la saga. Y entonces, llegan el director Gregory Plotkin y una sospechosamente excesiva lista de guionistas para afrontar el reto de ¿cerrar? la saga de terror. Qué hacer: volver a los inicios tal cual arriesgándose a repetir el fracaso o tirar la casa por la ventana. Última opción: elección correcta.
Uno de los rasgos más característicos de la saga era el crear un ambiente familiar y dulce durante los primeros minutos de película que, si bien en la primera era necesario y comprensible, en el resto acaban resultado excesivos cuando la gente lo que venía a buscar era terror. Parece que por fin han aprendido y "Paranormal Activity: Dimensión Fantasma" puede alardear de tener el mejor ritmo de toda la película: en seguida empieza lo bueno (a la vez que crean ese ambiente familiar e identifican al espectador con los personajes para que, más tarde, el sufrimiento sea palpable ya que, por mucho ritmo que haya, ¿de qué sirve si el espectador no se siente identificado con las personas que sufren).
Y cuando empieza lo bueno no es, como en las anteriores, comenzar a moverse cosas, a ver algo por la noche... No. La película tiene el genial punto a favor de que presenta una magnífica novedad que va presentando poco a poco al espectador: la dimensión fantasma. Primero vemos unas cosas raras en el aire, después descubrimos el por qué de la cámara, más tarde vemos una sombra negra... Te atrapa desde casi el principio. Y aquí ya comienza la segunda esencia del film: el homenaje a los seguidores de la saga. Si eres un neófito en Paranormal Activity, te va a entretener la película pero no va a llegar a ese nivel que los seguidores (tanto resignados como esperanzados) contemplarán. Hemos visto ya cinco películas de actividad; sí, hemos descubierto el por qué, nos han contado varias historias... pero la focalización siempre se ha centrado en la familia. Sin embargo, ahora por fin, esa focalización interna pasa a ser una focalización externa donde disfrutamos de un provecho cognitivo que hemos deseado cual niño a su caramelo durante toda la saga: estar al otro lado, al igual que siempre hemos querido saber cómo los magos hacen sus trucos de magia. En esta ocasión, un mago al que siempre hemos seguido nos enseña el truco.
Para que no se quede en cosa de poco, este truco nos es desvelado de la mejor forma posible: en 3D. Obviamente, si fuera como las entregas anteriores, el 3D sería completamente innecesario; sin embargo, está ahí sabiendo su función: mostrar la actividad. Ni más, ni menos. Todo lo que vemos en 3D es paranormal; puede que no sea toda la película, pero es suficiente para introducirnos en esa dimensión. Cada vez que la cámara enfoca desde dentro esa actividad, cada vez que Tobby hace acto de presencia (tanto cuando está quieto como cuando arremete hacia nosotros)... hasta un susto final que realmente será memorable y es lo que todo fan del terror ha estado buscando.
La historia unitaria de la saga avanzó grandemente en la tercera entrega donde se nos contaba cómo empezó todo. Y tras haberla dejado ahí aparcada, cuando parecía que ya no había más que contar, encontramos una conclusión que por fin está a la altura. Un punto fuerte del film (y que vuelve a reiterar ese carácter de homenaje a los fans de la saga) es comenzar con el final de la tercera, tal cual, estableciendo una clara y fuerte relación con aquel film de 2011 (casi obviando el fiasco de la cuarta parte). Coge ese ritmo que nos dejó sin respiración al final de la tercera parte y nos lo presenta, para hacer constantes referencias a dicho film. Juegos temporales, un guión en constante crecimiento y demás delicias para los amantes de estas historias es lo que vamos a encontrar. Algunos puntos más inteligentes que el resto, pero siempre con dos historias en paralelo (el año de la tercera parte y el presente) y dos mundos en activo (el nuestro y el "suyo"). Por supuesto, estos halagos hay que situarlos (como hemos hecho nada más empezar) dentro del contexto en el que nos situamos: un homenaje de cierre a la saga. Cuando hablamos de juegos temporales, no esperéis el riesgo de "Interstellar" (Christopher Nolan, 2014). Hablamos de una saga cuyo guión ha sido escaso, nulo (lo cual no es malo) o chapuchero, salvando la tercera parte; por ello, que de repente se esfuercen por cerrar la saga con un pequeño toque inteligente es más que de agradecer. Repito, en este contexto.
(SIGO EN SPOILER POR FALTA DE ESPACIO, PERO NO HAGO NINGÚN SPOILER)

Si en "Up" (2009), Pete Docter y Bob Peterson nos hacían reflexionar sobre el paso del tiempo hasta la vejez con una historia que toca especialmente a los de más edad pero con un disfraz de película infantil, ahora este primero repite el proceso (cambiando a Peterson por Ronaldo del Carmen), reflexionando una vez más sobre el paso del tiempo, pero tocando ahora especialmente a los más jóvenes. Eso sí, no falta una vez más el disfraz de película infantil. Desde luego, Pixar sabe equilibrar la fórmula perfecta de atracción a todo tipo de espectador. Y eso es algo que ya se ha demostrado desde Cannes hasta la taquilla mundial.
En "Inside Out" (o como se han empeñado en traducirla no del todo correctamente en España, "Del Revés"), la común historia de una pequeña niña sirve para contar la gran historia común de toda la humanidad: el crecimiento interno (la pubertad) y externo (mudarse, independencia, nuevas relaciones y dejar atrás viejas costumbres a la vez que se construyen nuevas...). Es sin duda una película que se lleva a todo el público mayor de 14 años de calle, ya que cuenta lo que todos hemos vivido exteriormente y cómo todos lo hemos afrontado interiormente. Y el público de menos de 14 años queda también encandilado al ser su película de animación veraniega. He aquí la fórmula milagrosa, el tándem perfecto al que es conveniente mirar a fondo para entender el por qué de este nuevo (y merecido) fenómeno Pixar.
Desde la mirada adulta, Pete Docter vuelve a emocionar profundamente al espectador pero en este caso, y a diferencia de "Up", lo hace añadiendo una base racional psicológica asombrosa. Y es que aquí reside la auténtica joya de esta película: su guión. ¿Quieres una clase de psicología humana en clave de aventura de animación? Pues solamente tendrás que pagar el (a veces exagerado) precio de la entrada de cine. Pocas películas (ya sean de animación o de "personas") tienen una base documental tan perfecta y tan bien explicada y detallada como la que encontramos aquí. Además de la inteligencia racional de la que puede presumir "Del Revés", presenta un gran trabajo de inteligencia emocional. Todos hemos sidos niños, y casi todos hemos crecido con juguetes, amigos, alegrías, decepciones, costumbres familiares, tontería... Y los creativos de Pixar no son una excepción. Todo eso lo vamos a ver, como si revisionáramos vídeos de nuestra infancia, nos divertiremos, reiremos y nos emocionaremos; aunque, como he dicho, lo haremos con una base racional más que inteligente.
Está claro, toda persona mayor de 14 años va a sacar un gran contenido emocional del bueno de los 94 minutos de metraje. Pero, claro, ¿dónde dejar a los niños si pasas a ver la película? ¿Con los abuelos, en otra sala, o pueden entrar y disfrutar tanto como el adulto que se hace cargo de ellos? Podemos responder satisfactoriamente en favor de la película aunque no con un 100% de seguridad como en el anterior apartado (he ahí la razón por la que, de momento, su nota no alcanza el 10). Seamos sinceros, tomando la palabra en su más estricto sentido, "Del Revés" no es la película más divertida que se ha visto. Esto tampoco sería (ni es) un gran problema, si no fuera porque coincide en cartel con una directa competidora que, a pesar de llevar más tiempo en pantallas, no deja de ser una de las películas más divertidas del año (y desde luego más que la que nos ocupa). Hablamos del spin-off de la saga de Gru, "Los Minions" (2015, K. Balda y P. Coffin). A la aventura de los adorables "bichitos" amarillos le falta sin duda alguna un guión más redondo para unir esa más que divertidísima sucesión de gags. Pero, la verdad, ¿quién va a buscar un buen guión en "Los Minions"? Sin embargo, en "Del Revés" habrá muchos niños que busquen una diversión equiparable a la de los secuaces de Gru (más aún cuando la mayoría de ellos ya la habrán visto). Y he ahí la única pega que se le puede poner a la nueva maravilla de Pixar, el haber sido un poco más generosos en el ingrediente divertido en esa mezcla equilibrada y casi perfecta de auténtico cine.
Sin embargo, cuando esta película trascienda y dejemos de verla en el contexto de su estreno, la comparación dejará de estar ahí, por lo que ¿y qué si es más divertida "Los Minions"? "Del Revés" también tiene su toque divertido aunque en otro sentido; y, hablando de trascendencia, el viaje emocional que nos proponen Docter y Del Carmen será difícil olvidar ya que, al fin y al cabo, es algo que (casi) todos ya hemos experimentado antes del visionado del film y que, cuando volvamos a experimentar, podremos recordar con cariño aquella película de emociones que tan bien reflejaba nuestro interior y que siempre tendrá un hueco "inside" (dentro de) nuestra mente y corazón.

La saga no pierde fuelle. A pesar de que muchos digan que "Quantum of Solace" fue el tropiezo de esta nueva etapa Bond, yo creo que fue un escalón para preparar esto, es decir, un gran acontecimiento que cierra una etapa y abre la puerta a un repertorio muy amplio o (como no es el caso) a un nuevo Bond. Daniel Craig... los años pasan por él pero saben como ocultarlo en la gran pantalla. Realmente demuestra ser un Bond intrépido, renovado, y con batería para mucho más, una batería que se le hace más necesaria que nunca ante el peligro que tiene que acechar aquí. Ese peligro tiene nombre y apellidos (y nacionalidad española): Javier Bardem. Sin duda alguna, "Skyfall" será recordada por esa presencia tan maligna y poderosa como es la del malo malísimo Silva. Javier Bardem nos brinda una interpretación majestuosa, formal y oscura, tal y como pide su personaje. Saben como tratar a su personaje en la película, y esto es de agradecer (por ejemplo, en "Un Ciudadano Ejemplar" no saben como tratarlo al final). Ese duelo Bond-Silva es un claro duelo de interpretación Daniel-Javier que, como ya he dicho, hará memorable esta nueva entrega del célebre agente secreto. Los atentados del malo son apoteósicos y hacen que nuestro querido Bond las pase canutas. Las chicas Bond: seamos sinceros, como Eva Green... Su sombra y recuerdo sigue presente y, la verdad, ha dejado el listón demasiado alto. Este apartado no está dan descuidado como lo estuvo en la anterior entrega (con un desperdicio completo del personaje de Olga Kurylenko y una no muy buena interpretación por su parte). Aun así, no acaba de convencer. Transmite sensualidad, pero no te llega a cautivar. Bérénice Marlohe llega a transmitir y agradar con una muy bien trabajada interpretación. El fallo no ha sido ella, sino el trato a su personaje, para mí demasiado despreocupado. La trama bastante inteligente, en ese punto sí que llega a imponerse a sus predecesoras. Entre "Casino Royal" y "Skyfall" está el debate... Sus nominaciones a los Oscars y los que se llevó están más que justificados y merecidos, sí. Y claro, todo esto exige nueva entrega.
Deberes: Mantened y (si podéis) mejorad la trama, sería la caña. Dad buen trato a los personajes, a todos: no envejezcáis a Bond, desarrollad y resolved como se merece al malo. Y la tarea más complicada, el único aspecto en el que han cojeado estas 2 últimas entregas: LA CHICA BOND.